Quali sono i canoni di bellezza dell'arte medievale?

Un periodo buio. Poca erudizione. Un'arte rozza e goffa. Esseri molto religiosi che pregavano sempre... Queste sono le idee preconcette che abbiamo del medioevo, in parte stimolate da film e romanzi. La realtà, tuttavia, era molto diversa.

Gli umani del Medioevo avevano sensibilità artistica e avevano i propri canoni in relazione alla bellezza. In effetti, per molti aspetti questi non differiscono troppo dall'antichità, sebbene i temi abbiano cercato di insegnarci il contrario.

Come erano i canoni della bellezza nel Medioevo?

Affinché, Quali sono i principali canoni di bellezza nell'arte medievale? Cosa era considerato bello nel Medioevo? Nell'articolo che segue, e affidandoci ad autori illustri come Umberto Eco, cercheremo di delineare un breve abbozzo della bellezza nel Medioevo e di come essa si riflettesse nelle loro opere artistiche.

un universo simbolico

Innanzitutto è importante sottolineare che non si può paragonare l'arte medievale, eminentemente simbolica, con l'arte di altri tempi, molto più naturalistica. Cosa intendiamo con questo? Beh, semplicemente

ciò che prevaleva per gli artisti medievali durante la creazione non era come qualcosa veniva rappresentato, ma cosa veniva rappresentato.

Per questo motivo, è francamente assurdo discutere se il medievale loro sapevano o meno di prospettiva, o di proporzione, o di simmetria. Lo consideriamo quando ci troviamo davanti a un affresco egizio? Probabilmente no, e questo perché siamo abituati a vedere nell'Antico Egitto una civiltà dogmatica, per niente naturalistica.

Quindi, se siamo molto chiari che l'Egitto era un mondo religioso e che l'unica intenzione che avevano il tempo per creare era catturare quell'universo spirituale, perché siamo così ingiusti con la plastica medievale? Perché confrontiamo i dipinti del Medioevo con l'arte classica, e aggrottiamo la fronte e diciamo che "non sapevano dipingere", ma non facciamo lo stesso con l'arte degli egizi?

In realtà, il mondo egiziano e quello medievale non sono poi così distanti. Ci spieghiamo. Per gli uomini e le donne medievali il cosmo era la creazione di Dio, l'opera perfetta del perfetto architetto, e quindi tutto era intriso della sua divinità.

Ciò significava che ogni elemento della creazione era interconnesso e tutto aveva un significato più profondo di quello che aveva a prima vista. Per i medievali un animale non era solo un animale, ma era rivestito di una simbologia: il pellicano, da che si credeva aprisse il petto per nutrire i suoi piccoli con il suo sangue, era un simbolo di Cristo e dei suoi sacrificio. Lo struzzo era l'incarnazione dell'idea di giustizia, poiché le sue piume erano rigorosamente simmetriche. L'ermellino era purezza, per il suo colore bianco immacolato. E così con un lungo eccetera.

Nella creazione divina, nulla è stato trovato per caso nel mondo. La mentalità medioevale non credeva nel caso, come avrebbe poi fatto la moderna mentalità scientifica. Ogni elemento era soggetto a una causa, stabilita da Dio, quindi a volte l'esistenza di qualcosa poteva essere compresa solo dal Creatore.

Era il caso della bruttezza, della deformità, del mostro, che tra l'altro affliggono l'arte medievale, soprattutto nei capitelli e nelle colonne. Se esistevano, era perché Dio aveva dato loro una missione, un senso. Nel Medioevo nulla era superfluo e nulla mancava al mondo.

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Un'arte “innaturalistica”.

Questo universo simbolico si rifletteva costantemente nella pittura e nella scultura. Ovviamente, non possiamo cercare elementi naturalistici nell'arte medievale. Abbiamo già detto che l'intenzione non era il come, ma il cosa. L'artista medievale non cattura, quindi, ciò che vede, ma ciò che lui significa la realtà. Per fare ciò si rinuncia a volumi, proporzioni e ad ogni altra regola "accademica" e si acquisisce così una maggiore libertà espressiva. Immaginiamo che l'artista medievale abbia cercato di rappresentare il Cielo e la terra in modo strettamente naturalistico. Impossibile. Come cogliere concetti come salvezza, condanna, Dio, Cristo, immortalità, risurrezione??? Per catturare idee simili, è necessario un linguaggio simbolico e il linguaggio simbolico non può essere soggetto a regole fisiche o matematiche, poiché, se lo facesse, la sua capacità espressiva sarebbe ridotta.

Tuttavia, questo non significa che nel Medioevo non esistesse una certa idea di proporzione e simmetria. Ricordiamo che i medievali conoscevano molto degli scritti classici e non erano così lontani dal mondo antico da non vedersi riflessi in esso. Anche nell'arte romanica, così innaturalistica, troviamo chiari esempi in cui l'artista ha cercato di rappresentare la realtà con una certa accuratezza.

È il caso dei rilievi e delle sculture dell'abbazia di Moissac, in Francia, dove troviamo un San Paolo e un San Geremia sorprendentemente naturalistici per l'epoca, con i loro vestiti aderenti al corpo e ricadenti in pieghe che ricordano inevitabilmente le tecnica classica. D'altra parte, il Vigilia di Soulliac, sempre in Francia, è un eccellente nudo disteso che riproduce in modo del tutto naturale i seni e il corpo della donna, che, tra l'altro, distrugge un altro luogo comune piuttosto trito: che nel Medioevo "non c'era nudo".

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Adattamento allo spazio e simmetria

Ciò che è caratteristico delle arti plastiche medievali è l'adattamento delle figure allo spazio. In questo senso, il Medioevo è piuttosto severo: l'incaricato è l'edificio o il luogo dove è destinata l'opera, e questo deve essere adattato alle sue caratteristiche. Per questo motivo è abbastanza frequente che, per localizzare correttamente i personaggi in un timpano, archivolto o capitello, vengano cancellate o alterate scene.

D'altra parte, il criterio della simmetria è ben presente nelle arti plastiche medievali. Umberto Eco, nel suo magnifico saggio Arte e bellezza nell'estetica medievale, include alcuni esempi interessanti, come quello di Soisson, dove uno dei saggi viene "eliminato" per esercitare una perfetta simmetria con la scena giustapposta. Vediamo qui un chiaro esempio della rigidità con cui i medievali contemplavano la disposizione e la simmetria delle figure, poiché la totalità della rappresentazione doveva conformarsi in modo assoluto perfetto.

Nel Medioevo non c'era spazio per l'innovazione, almeno nei primi secoli. Gli artigiani medievali ripetono canoni e forme e adattano il loro lavoro allo spazio seguendo chiari precetti che si trasmettono di generazione in generazione. Un Pantokrator seguirà sempre modelli simili, così come una Virgin Theotókos o un'Annunciazione. Bisognerà attendere la fine del periodo gotico perché emerga una nuova espressione, quale naturalizza le figure e le espressioni e tenta accenni di prospettiva e ricreazione degli spazi vero.

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luce e colore

Un altro aspetto importante per capire su cosa l'essere umano medievale basava il concetto di bellezza è la luce e il colore. Il Medioevo non può essere compreso senza questi due elementi, poiché, per i suoi protagonisti, Dio è luce e la luce è colore..

Tutto diventa così espressione cromatica: pareti e soffitti di chiese e cattedrali, sculture, abiti, stendardi, miniature, gioielli. Nonostante la sua convinzione che la bellezza sia sovraterrestre e che esista al di là di ciò che è visibile, l'essere umano medievale non è indifferente all'attrazione che la bellezza sensibile esercita su di lui. Lo stesso Suger, abate di Saint-Denis, rimase stupito dal frastuono di colori e luci che ospitava la sua chiesa, poiché la collegava direttamente alla bellezza divina. Qualcosa che, tra l'altro, Bernardo de Claraval ei cistercensi riterranno pericoloso per virtù e cercheranno di estirpare dai loro edifici.

Nella pittura medievale il colore è puro, proprio perché è luce. L'essere umano del Medioevo non concepisce il colore "a metà"; i toni sono puri, brillanti, chiari. L'uso dell'oro raggiunge il suo apice durante il cosiddetto gotico internazionale, in cui i fondi sono decorati con questa tonalità, che rappresenta Dio. Gemme e pietre preziose sono ugualmente molto apprezzate, non solo per il loro valore economico, ma anche perché "catturano" colore e luce. Nei romanzi e nella poesia trobadorica si esaltano le guance rosse dell'amata, la sua carnagione bianca ei suoi capelli. bionde e nobili indossano combinazioni impossibili che includono blu con verdi e rossi con gialli o viole. Insomma, contrariamente a quanto si crede (ancora), il Medioevo è un'epoca che irradia luce.

La nuova bellezza "gotica".

Il romanico esprime la bellezza attraverso figure forti e "solide", ispirate alle iconografie dell'Oriente bizantino., come le icone della Vergine e dei Cristi in Maestà. Verso la fine del XIII secolo lo stile mostra evidenti segni di esaurimento, e sopravviene un ideale di bellezza molto più “stilizzato”, caratteristico del gotico.

Ciò non significa che nel romanico non esistesse la verticalità. Un altro cliché ricorrente del Medioevo è che le chiese romaniche siano solo orizzontali, quando ci sono numerosi esempi di cattedrali dell'epoca che testimoniano l'amore per la verticalità (l'ascesa verso Dio). Tuttavia, è vero che, durante il periodo gotico, le figure delle rappresentazioni plastiche erano "allungare", obbedendo così al canone della bellezza umana tardomedievale, che corrisponde a dieci teste. Come si vede, la figura risultante è eccessivamente esile, se si tiene conto che, in epoca classica, il canone era ridotto a sette ea otto.

La verticalità, quindi, è bellezza durante il gotico. Le cattedrali si innalzano all'infinito, le vetrate occupano sempre più spazio (soprattutto nel nord Europa), e anche le mode catturare questo fascino per gli "allungati": copricapi a punta per le signore e farsetti stretti in vita per gli uomini che, completati da Calze e scarpe lunghe contribuiscono a creare l'ideale bellezza maschile del tardo medioevo: un uomo alto e magro come la torre di una cattedrale. Gotico.