20 dipinti surreali spiegati

Il surrealismo era un movimento d'avanguardia emerso nel 1924 dopo la pubblicazione del Manifesto surrealista di André Breton. Ispirato dalla psicoanalisi, ha cercato la rappresentazione del subconscio nell'arte attraverso l'immaginazione e l'automatismo. Artisti come Salvador Dalí, Man Ray, Joan Miró e René Magritte hanno accolto con favore questo movimento.

Tuttavia, prima e dopo questa avanguardia, il surreale è stato presente in molti artisti evocando il mondo dei sogni, la fantasia, l'immaginazione, le associazioni di eventi e improvvisazione. Questo articolo raccoglie un elenco di 20 dipinti surrealisti, la maggior parte dei quali iscritti al movimento. Sono inclusi anche alcuni che hanno creato un precedente o ne sono stati influenzati.

1. La persistenza della memoria, Salvador Dalì

Immagine La persistenza della memoria di Salvador Dalí è un riferimento fondamentale del surrealismo e, in particolare, dell'opera di questo pittore. Sullo sfondo vediamo un paesaggio che ricorda la linea leonardesca. La luce è un elemento caratteristico di Dalí. In primo piano, orologi morbidi annunciano la relatività del tempo. Lo spazio è anche relativizzato per mezzo di luci contrapposte. Una figura informe giace sulla superficie dell'universo pittorico. Alcuni vedono nei suoi lineamenti il ​​volto di Dalí.

2. Gli elefanti, Salvador Dalì

Dalí sorprende in questa tela per il risalto del vuoto incorniciato da due grandi elefanti dalle zampe estremamente sottili e lunghe, come insetti. Con questo, la forza associata a questi animali affronta un paradosso. Due obelischi crollati galleggiano sulle loro spalle.

È un riferimento alla scultura del Bernini in Plaza de Minerva (Roma). Per il barocco l'obelisco era un simbolo di saggezza, e l'elefante era il simbolo della robustezza necessaria per portarlo. Nella tela daliniana, in basso, due figure antropomorfe appaiono minuscole e insignificanti accanto ai presagi del pachiderma.

3. Il grande masturbatore, Salvador Dalì

L'intero dipinto aderisce al programma del surrealismo, nutrito dalle teorie della psicoanalisi, in particolare del subconscio e della libido. Dalí espone alcuni simboli ricorrenti del pittore: formiche, un'aragosta, un paesaggio marino e un leone sono alcuni di questi. La scena è una complessa allegoria sessuale che mescola simboli di desiderio a simboli di purezza (il giglio), permettendole di esporre un argomento tabù nella sua generazione: il compiacimento.

4. Corporatura morbida con fagioli bolliti (Premonizione di guerra civile), di Salvador Dalí

Costruzione morbida con fagioli bolliti o Premonizione di guerra civile è una tela particolarmente commovente. Ci presenta lo stesso corpo diviso in due metà che, anche così, sembrano attaccarsi a vicenda. Per terra si può notare una manciata di fagioli lessati (fagioli o fave), forse simbolo della carestia che regnava in Spagna, forse simbolo degli "indigesti" del conflitto. Questa rappresentazione di un corpo smembrato è l'allegoria della guerra civile.

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5. Il tradimento dell'immagine (Questa non è una pipa) di René Magritte

René Magritte gioca su questa tela con la teoria dei segni. Attraverso l'uso di immagini e parole, si rende conto dell'inadeguatezza del segno al suo referente: la pipa dipinta sulla tela non è una vera pipa, ma nemmeno la parola "pipa". Immagine e parola sono solo rappresentazioni che sostituiscono la vera realtà. Dà un colpo teorico al concetto di arte occidentale, basato sull'imitazione della natura, e si pone alle porte dell'arte concettuale.

6. La lampada filosoficadi René Magritte

Due elementi dominano la composizione: un uomo che fuma la pipa mentre si chiude sul naso; e una candela accesa che si scioglie abbracciando un tavolo. La composizione sembra accusare "l'autoreferenzialità del pensiero". Secondo la ricercatrice María Ángeles Arenal García, nel suo lavoro intitolato Magritte, il cacciatore di somiglianze perdute:

Il fumatore, che rivolge allo spettatore uno sguardo patetico di autocommiserazione, è chiaramente Magritte, che denunciando la circolarità del suo pensiero ci svela indirettamente la fertilità della tua immaginazione, che ha il potere di trasformare una candela in una forma agile e morbosa e l'atto di fumare una metafora di indagine filosofico.

7. Figlio di uomodi René Magritte

Sopra Figlio di uomo, Magritte ha interposto una mela tra il volto del personaggio e lo spettatore. L'identità dell'uomo resta nascosta. La mela compare ricorrentemente nell'opera di Magritte, a volte associata a "l'idea" e altre volte come frutto della conoscenza e della libertà, così come il frutto biblico che contiene la conoscenza del bene e sbagliato. Il nome dell'opera, Figlio di uomo, è un riferimento biblico.

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8. L'Ora dell'Osservatorio - Gli Amantidi Man Ray

Man Ray si dilettava di dadaismo e surrealismo. In questo lavoro lavora con elementi erotici che alludono alla psicoanalisi freudiana. La tela prende metà del suo nome dal servizio telefonico che mette a disposizione l'Osservatorio del tempo. Nella fascia inferiore, infatti, vediamo l'osservatorio che Man Ray era solito contemplare ogni giorno nelle sue passeggiate nei Giardini del Lussemburgo. Sospesi nel cielo vediamo un paio di labbra, allegoria dei corpi uniti e amorosi. Si sottolinea così la pienezza dell'ora o tempo dell'amore.

9. Equazione shakespeariana, La dodicesima nottedi Man Ray

Man Ray presenta una tela ispirata alla commedia di Shakespeare La dodicesima notte (Dodicesima notte), conosciuto anche come la notte del re. Associa oggetti senza alcuna relazione apparente tra loro e crea fili complessi, come le relazioni dei personaggi shakespeariani. Tra questi oggetti spiccano un uovo di struzzo e un oggetto fallico, che sono, allo stesso tempo, riferimenti ad altre opere di Ray. Il pittore sottolinea l'interreferenzialità con questo gesto, sia nel rapporto tra letteratura e pittura, sia nella pittura stessa.

10. Io e il villaggiodi Marc Chagall

Marc Chagall non può essere circoscritto a un movimento specifico. Il suo lavoro può essere considerato, in una certa misura, un antecedente del surrealismo in quanto dotato di elementi onirici e fantasiosi. In questa tela, un viso verde contempla una mucca, simbolo materno. La scena si completa con richiami all'ordine quotidiano dell'infanzia, intrecciati in un'atmosfera sognante e colorata.

11. Celebesdi Max Ernst

Max Ernst è stato un artista che è passato anche tra dadaismo e surrealismo. In questo lavoro imita la tecnica del collage rappresentando le diverse trame dei materiali e creando associazioni apparentemente casuali. Lo sfondo vaga tra un cielo e un universo marino. La figura principale, dall'aspetto simile ad un elefante, ha connotazioni sessuali, così come la torre destra, simbolo fallico. Un'ipotesi interpretativa suggerisce che la corona cornuta sul tronco del mostro e il corpo femminile alludano al mito del ratto di Europa.

12. paesaggio catalano (Il cacciatore), di Joan Mirò

Joan Miró è considerato uno degli artisti più importanti del Surrealismo grazie alla particolarità dei suoi metodi e del suo stile. Quest'opera si distingue per il processo di sintesi grafica degli elementi, tra cui un contadino o cacciatore catalano che è stato riassunto nei suoi attributi: un triangolo con un occhio, baffi e barba, una pipa, un orecchio e un barretta. Il resto degli elementi rivela un arido paesaggio catalano e, nella parte inferiore, si rifà alla tradizione catalana nota come la sepoltura della sardina.

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13. Mamma, papà è ferito!di Ives Tanguy

Ives Tanguy faceva parte della cerchia di André Breton ed era considerato un surrealista astratto. In questa tela presenta una scena desolata con figure sproporzionate e sproporzionate, che attirano ancora di più la nostra attenzione se si considera il titolo: "Mamma, papà è ferito!". Questa interazione tra le parole e l'opera pittorica crea uno stato mentale diverso nell'osservatore, che non trova sulla tela elementi a cui aggrapparsi, almeno non in una lettura veloce.

14. Gli invisibilidi Yves Tanguy

Dopo la seconda guerra mondiale, Tanguy andò a vivere negli Stati Uniti. Influenzato dagli stili e dalle collezioni che incontra, inizia a realizzare negli spazi figure con parti biomorfe e parti meccaniche, come in questa tela. Le figure, come fantasmagorie, sono erette su uno spazio vago e inerte. Secondo gli esperti, queste cifre evocano la preoccupazione dei surrealisti in quel periodo per gli esseri di un altro mondo, un fenomeno che manca di una spiegazione razionale.

15. Autobiografia di un embrionedi Eileen Agar

Eileen Agar è un'artista britannica. In questo lavoro l'artista tiene conto dei postulati del movimento surrealista. Dividi la tela in quattro parti e filtra in esse le reminiscenze dell'arte greca. Vedremo anche allusioni all'arte africana, al Rinascimento, cioè un'evocazione del patrimonio culturale, come definito dalla Tate Modern di Londra, protettrice di questo pezzo. Vediamo anche figure che sembrano cellule ed elementi del mondo biologico.

16. Cosa mi ha portato l'acquadi Frida Kahlo

Frida Kahlo era una pittrice messicana che è stata associata al surrealismo, sebbene non si percepisse in questo modo. Ad ogni modo, la tela Cosa mi ha portato l'acqua fu proprio quello che gli valse questo epiteto, per mano dello stesso André Breton, curatore della sua prima mostra a New York. Questa tela ripercorre la storia personale di Frida Kahlo: le sue radici culturali e ancestrali, le sue malattie, le sue idee e la sua sessualità.

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17. La colonna spezzatadi Frida Kahlo

La colonna spezzata È una tela di Frida Kahlo che rappresenta la sofferenza fisica. Non solo è stata vittima di poliomielite e fibromialgia, ma l'artista ha subito un incidente in gioventù che ha causato gravi lesioni spinali. Frida Kahlo rappresenta quella sofferenza in questo autoritratto in cui il busto seminudo si apre per mostrare un'antica colonna in rovina, mentre il suo corpo è gravato da piccoli dolori che rappresentano il Chiodi.

18. cadavere squisito

I surrealisti praticavano spesso una tecnica chiamata "cadavere squisito", presa in prestito dalla letteratura. Un cadavere squisito è costituito da quanto segue: una persona fa un disegno spontaneo (automa) su un segmento della carta. Fatto ciò, piega il foglio per nascondere il disegno e lo passa a un altro partecipante, che dovrà fare lo stesso nel segmento successivo. Alla fine, la carta viene spiegata e si scopre un pezzo con più figure che, messe insieme, rivelano i meccanismi del subconscio. Questo esemplare che presentiamo presenta elementi caratteristici del pittore e ballerino Valentine Hugo, che utilizzava sfondi neri. Ma è un pezzo collettivo, a cui hanno partecipato diverse personalità come André Breton.

19. Occhi sul tavolodi Remedios Varo

Remedios Varo è un pittore ispano-messicano fortemente influenzato dal surrealismo. In questo dipinto vediamo il gioco immaginativo che separa gli occhi dai suoi occhiali dalle ciglia. Gli elementi si trovano su una tavola che galleggia su una superficie con erba a bassa densità. Gli occhi sembrano guardare dall'esterno gli strumenti che dovrebbero correggere i loro difetti. Nel frattempo, lo spettatore vede occhiali irreali, le cui ciglia attaccate giocano con assurdità spaziali.

20. Ricamando il manto terrestre, di Remedios Varo

Ricamare il mantello della Terra È il pannello centrale di un'opera di Remedios Varo che fa parte di un trittico. Questo è completato con le scene conosciute come Verso la Torre sì La fuga. Apparentemente, la scena allude al momento in cui Remedios Varo stava tessendo in convento mentre qualcun altro stava leggendo. Il filo sgorga da una misteriosa fonte al centro della composizione. Il tessuto sfugge ai limiti della torre e permea il mondo con la sua capacità creativa.