Astrattismo: scopri le 11 opere più famose

Oppure l'Astrattismo, o Arte Astratta, è un movimento che riunisce produzioni piuttosto diverse, che vanno da disegni non figurativi a tessuti eseguiti da composizioni geometriche.

Con l'intento di opere astratte e mostrando forme, colori e trame, rivelando elementi non conciliati e stimolando una lettura del mondo da un tipo di arte non oggettiva.

1. Amarelo-Vermelho-Bludi Wassily Kandinsky

Una tela, datata 1925, voce senza titolo os nomes das cores primárias. Wassily Kandinsky (1866) ha dipinto i capelli russi (1866) e si trova attualmente al Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, a Parigi (Francia).

Kandinsky è considerato o un precursore dello stile astratto ed è stato un artista strettamente legato alla musica, tanto da far parte delle sue composizioni astratte, come Amarelo-Vermelho-Blu, forma creata dal rapporto tra la musica, come nuclei e forme.

Una tela di grandi dimensioni (127 cm per 200 cm) presenta varie forme geometriche (come cerchi, rettangoli e triangoli) eseguite, a soprataglio, in nuclei primari. L'obiettivo dell'artista era quello di attirare l'attenzione sugli effetti psicologici che sono i nuclei e le forme che esercitano i pessoas.

Riguardo alla questione, Kandinsky affermava all'altezza:

“A cor é um meio per esercitare un'influenza diretta sull'anima. A cor é una chiave; o olho, o martellalo. All'anima, o allo strumento, dai mille corde. O l'artista è mio che, suonando su questo o su quel tasto, ottiene l'anima con la sola vibração. Un'anima umana, toccata, non è il punto più sensibile, risponde".

2. Numero 5di Jackson Pollock

al tessuto Numero 5 Sono stato cresciuto nel 1948 dal pittore nordamericano Jackson Pollock, che non l'anno precedente ha iniziato a esplorare un modo completamente nuovo di comporre le sue opere.

Il suo metodo consisteva nel versare inchiostro smaltato su un panno macchiato posto nel suo studio. Questa tecnica ha permesso di creare un emaranhado di linha, e in seguito ganhou o nome di "dipinti per gocciolamento" (ou gocciolante, in inglese) Pollock era due nomi importanti per l'astrattismo.

Dal 1940 il pittore tinha reconhecimento dà critica e pubblico. al tessuto Numero 5, feita not apex da sua carreira, e imensa, possui 2,4 m per 1,2 m.

L'opera è stata venduta a un collezionista privato nel maggio 2006 per 140mila dollari, battendo un record di prezzo per l'epoca - a questo punto era stato l'ultimo pagamento della storia.

3. Insula Dulcamaradi Paul Klee

Nel 1938, o il suo tedesco naturalizzato Paul Klee dipinse sette grandi dipinti in formato orizzontale. Insula Dulcamara é um desses painéis.

Tutte le opere sono delineate come carvao al giorno, che Klee colou su tow o linho, ottenendo una superficie liscia e differenziata. In varie parti, due painéis e possibili sezioni del salario utilizzate, una sorpresa piacevole e inaspettata legata proprio a Klee.

Insula Dulcamara sono altre due opere gioiose del pittore, con i suoi accessori liberi, sparsi e dalla forma definita. Il titolo dell'opera è in latino e significa "insula" (ilha), "dulcis" (dodici, amavel) e "amarus" (amaro), e può essere interpretato come "Ilha doce e amarga".

Un tessuto è stato sollevato durante gli ultimi anni della sua vita e, riguardo al, Klee deu una seguente dichiarazione:

"Non dobbiamo aspettarci di vederci coinvolti, non con elementi più indigesti; Non ci resta che sperare che le cose più difficili da assimilare non disturbino o equilibrino. In questo modo, la vita è, con certezza, più opprimente di una vita borghese molto ordinata. E ogni um é livre, secondo i tuoi gesti, a o scorta tra o dodici e o lasciati due prati da balança. "

4. Composizione con Amarelo, Azul e Vermelhodi Piet Mondrian

Composizione con Amarelo, Azul e Vermelho Fu inizialmente dipinto a Parigi, tra il 1937 e il 1938, ma finì per essere sviluppato a New York tra il 1940 e il 1942, quando Mondrian riposizionò alcune delle belle linee e accenti di altri. Opera trovata, dal 1964, in nessuna collezione della Tate St Ives (Cornovaglia, Inghilterra).

Oppure l'interesse di Mondrian era per la qualità astratta. Embora ha iniziato la sua carriera con opere figurative, come passatempo o come pittore che investe nell'astrattismo e, nel 1914, ha radicalizzato e praticamente eliminato le curve del suo lavoro.

O pittore francese ha sviluppato una nuova forma di rigorosa astrazione chamada neoplasticismo, che era limitato a linee di linee, orizzonti e verticais e nuclei primari di base. In generale, le loro composizioni non erano simmetriche. Uma curiosidade: poiché linhas horizontais era generalmente dipinto prima dei giorni del verticais.

Mondrian sentiva che questo tipo specifico di arte riflette una verità più grande e universale di quella che precede la pittura figurativa.

5. Composizione suprematista, Kazimir Malevic

Assim come Mondrian, o il pittore sovietico Kazimir Malevich, ha creato una nuova forma d'arte. O suprematismo nato in Russia tra il 1915 e il 1916. Come i suoi colleghi astrattisti, il suo più grande desiderio era quello di negare la presenza fisica di tutti e di qualsiasi oggetto. L'idea era quella di raggiungere la purezza, o, come affermato dallo stesso allevatore, "la supremazia dà pura sensazione".

Assim, ha creato un'opera astratta Composizione suprematista nel 1916, che presenta le caratteristiche essenziali del nuovo stile. Questo lavoro con dimensioni di 88,5 cm × 71 cm e parte di una collezione privata.

Una tecnica è caratterizzata dall'uso di forme geometriche semplici e dalla preferenza per una tavolozza di Anche nuclei semplici, primari e secondari, a volte sovrapposti, altri affiancati. lato. O fondato é quase semper branco nas criações de Malevich, che rappresenta o vazio.

6. O ouro do firmamentdi Joan Mirò

O espanhol Joan Miró era un artista impegnato a estrarre significati grandiosi da forme semplici, che dipendono principalmente dall'immaginazione e dall'interpretazione dell'osservatore.

Questo è il caso di O ouro do firmament, quadro realizzato nel 1967 con la tecnica dell'acrilico su tela e che la pagina appartiene alla collezione della Fundação Joan MIró, a Barcellona.

Nessa composizione, vediamo il predominio dell'amarlo, una corrente legata alla gioia, che avvolge tutte le forme.

C'è una grande massa sbiadita di blu, che prende il posto di rilievo, poiché il resto delle forme e delle linee sembra confluire nel Signore.

L'opera O è considerata una sintesi del processo creativo di Miró, che era dedicato all'indagine sia spontaneamente che alla creazione di forme precise nella pittura.

7. Bottiglia di Rum e Giornaledi Juan Gris

Dipinto tra il 1913 e il 1914 dal cubista spagnolo Juan Gris, o opera ad olio inchiostro su tela, appartiene attualmente alla collezione della Tate Modern (Londra). Il grigio spesso usava sovrapposizioni di core piatte e testurizzate e Bottiglia di Rum e Giornale Questo è un prezioso esempio della sua tecnica.

O l'immagine, che dai alle tue opere più rappresentative, carica un'immagine da piani angolari in intersezione. Molti di essi sono tratti di legno del passato, forse suggestivi di un piano di tavolo, illustrano come si sovrappongono e si intrecciano, negando ogni possibilità di prospettiva legata al reale.

Una bottiglia e/o un diario del titolo sono indicati con un minimo di indizi: bastano alcune lettere, una sagoma e un suggerimento di luogo per scommettere sull'identità di due oggetti. Oppure il quadrato ha dimensioni relativamente piccole (46 cm per 37 cm).

8. Nero in rosso intensodi Mark Rothko

Considerato un dipinto tragico per le sues cores fortes e funebres, Nero in Rosso ScuroCresciuto nel 1957, è due dipinti della successiva successione del pittore nordamericano Mark Rothko. Da quando ha iniziato a dipingere, negli anni '50, Rothko almejava ha raggiunto l'universalità, ogni anno ha trovato una semplificazione che andava sempre più delineandosi.

Nero e profondo rosso Il formato caratteristico segue due opere dell'artista, non cui i rettangoli monocromatici sembrano galleggiare entro due limiti del quadro.

Macchiando direttamente la stoffa con molti strati fini di pigmento e prestando particolare attenzione ai bordi dove i campi intermedi, o il pittore hanno raggiunto o l'effetto dà luce che si irradia dall'immagine stessa.

L'opera attualmente appartiene a una collezione privata che è stata venduta nel 2000 per la strabiliante cifra di oltre tremila dollari.

9. Concetto spaziale 'Attesa'di Lúcio Fontana

Una tela cresce sul volto di parte di una serie di opere che il pittore argentino Lúcio Fontana ha prodotto a Milano tra il 1958 e il 1968. Queste opere, che consistono in tessuti tagliati una o più volte, sono collettivamente riunite come Tagli ("tagli").

Considerate nel loro insieme, são o mais gruppo vasto e variegato di opere di Fontana, e passano per essere viste come emblematiche della loro estetica. Oppure puntare due furos è, letteralmente, rompere la superficie dell'opera in modo che lo spettatore possa percepire o lo spazio che è além.

Lúcio Fontana ha iniziato a sviluppare la tecnica della profumazione dei tessuti a partire dagli anni '40. Rimane un artista plastico, noi degli anni Cinquanta e Sessanta, alla ricerca di modi diversi di scartare i burrachi come suo gesto caratteristico.

Fontana faccia come fendas con un lenzuolo attaccato ai tessuti che poi furono soprannominati con sguardo preta forte, dando l'aspetto di un vazio di spalle. Nel 1968, Fontana ha condiviso con un intervistatore:

"Eu ha creato una dimensione infinita (...) minha descoberta foi o buraco e é isso. Fico contento di andare al tumulo depois di tale descoberta"

10. Contro-composizione VIdi Theo van Doesburg

L'artista olandese Theo van Doesburg (1883-1931) dipinse un'opera fino all'anno 1925, in formato quadrato, usando inchiostro ad olio su tela.

Poiché le forme geometriche e simmetriche sono disposte con cautela, prima di essere ricoperte di inchiostro, le linee vengono disegnate insieme come a priori caneta.Contro-composizione VI face fa parte di una collezione che predilige soprattutto una forma diagonale e toni monocromatici.

Oltre ad essere un pittore, van Doesburg è anche scrittore, poeta e architetto ed è imparentato con il gruppo di artisti De Stijl. O lavoro Contro-composizione VI, 50 cm per 50 cm, è stata acquisita nel 1982 dalla Tate Modern (Londra).

11. Meta-schemadi Hélio Oiticica

L'artista plastico brasiliano Hélio Oiticica nomina varie opere realizzate tra il 1957 e il 1958 di metaschemi. Si tratta di quadri che portano rettangoli inclinati dipinti con inchiostro a guazzo su cartoncino.

Ci sono forme geometriche con modanature di un solo colore (caso o vermelho), applicate direttamente su una superficie liscia e apparentemente vuota. Le forme sono organizzate in dense composizioni che si assemblano a gradi inclinati.

Oiticica ha prodotto essa una serie di dipinti quando viveva e lavorava a Rio de Janeiro. Secondo o proprio pittore, fu trattato come una “dissezione ossessiva dello spazio”.

Il foram o la ricerca iniziale ponapé per opere tridimensionali più complesse che l'artista non svilupperà in futuro. Em 2010, um Meta-schema È stato venduto nella comunità di Christie's per US $ 122,5 mila.

O che cos'era o Astrattismo?

Storicamente, le opere astratte hanno iniziato a svilupparsi in Europa non all'inizio del XX secolo, non nel contesto del movimento dell'Arte Moderna.

Si tratta di opere che non intendono rappresentare oggetti riconquistati e non si impegnano a imitare la natura. Pertanto, la prima reazione del pubblico e delle critiche è stata di rifiuto dei bambini, ritenuti incomprensibili.

Così l'arte astratta è stata criticata proprio per la rottura come modello figurativo. Questo tipo di lavoro non ha bisogno di collegamento con la realtà esterna e con la rappresentazione.

Col passare del tempo, però, le opere di più olio e gli artisti potranno approfondire i loro stili.

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