18 importanti opere d'arte nell'ultimo anno

Come opere d'arte sono manifestazioni umane che cercano di trasmettere domande, riflessioni e significati attraverso la creazione di un prodotto artistico.

Questi prodotti sono generalmente são peças come oggetti, dipinti, sculture e installazioni. Nel frattempo, gli artisti possono anche creare un'opera d'arte che non si materializza da sola, come musica, danza, teatri e spettacoli. Inoltre, ha espresso che questi linguaggi dell'arte si mescolano, creando opere ibride.

Una storia è ricca di importanti opere d'arte e che contribuiscono a comprendere gli anseios di una società, o contesto storico e politico, come definizioni di ciò che è bello o non bello e del comportamento di un certo popolazione.

1. Venere di Willendorf

PER Venere di Willendorf Si tratta di un piccolo statuto di figura femminile scolpita nella pietra, risalente a circa 25mila anni a.C. C, sempre del Paleolitico.

Fu la squadra dell'archeologo Josef Szombathy che si incontrò in Austria, in una città chiamata Willendorf, nel 1908.

Una scultura, opera d'arte preistorica, esibisce segni voluminosi e una lunga quadriglia, che rappresenta un ideale di mulher per quella società, a causa di questi attributi erano legati all'idea di fertilità e abbondanza.

2. Monna Lisa - Leonardo Da Vinci

Monna Lisa Un dipinto dipinto tra il 1503 e il 1506 dal genio italiano Leonardo da Vinci (1452-1519). È molto difficile classificare le opere d'arte come "importanti", ma possiamo dire che questa tela è considerata l'opera d'arte più famosa al mondo.

Un dipinto, realizzato ad olio su tavola, di dimensioni ridotte, 77 cm x 53 cm, al Museo del Louvre, a Parigi.

In un primo lavoro sono riuscito a ritrarre una feição femminile avvolta nel mistero, esibendo un lieve sorriso incomprensibile e un olhar che può essere interpretato sia come contegno che come simpatia.

Per caso, l'immagine è stata divulgata, riprodotta in vari spazi e ottenendo numerose ristampe.

3. Giuditta decapita Oloferne - Artemisia Gentileschi

Dipingere Giuditta decapita Oloferne (1620), dell'artista italiana Artemisia Gentileschi (1593-1656), parte del movimento barocco e presenta una cena biblica presente, non dell'Antico Testamento.

Il soggetto non era mai stato dipinto prima da altri artisti, tanto che Artemisia si ispirò a una tela di Caravaggio per comporre la sua versione.

È stata la prima donna a distinguersi come artista nel suo tempo, nel frattempo, come un tempo era stata creata e solo per essere valutata dagli anni '70.

Un'opera in questione e pois importanti ritrae una cena da un punto di vista femminile ed è legata a un passaggio della vita stessa dell'artista, in cui è stata violentata dal suo mentore, Agostino Tassi. Assim, Artemisia trasmette al tessuto tutta la sua ribellione e indignazione con questo comportamento maschile.

4. O stanza ad Arles - Van Gogh

Vincent van Gogh (1853-1890) è uno dei due artisti più acclamati al mondo. I suoi tessuti sono molto conosciuti e molti di loro risalteranno nella storia dell'arte, come nel caso di O stanza ad Arles. Na realidade, o pittore, fece tre versi di stoffa, abbastanza simili, tra il 1888 e il 1889.

A cena Van Gogh ritrae la sua camera da letto, quando vive ad Arles, non in Francia, dove produce la maggior parte delle sue opere.

Possiamo vedere un letto con due travesseiros, alcuni quadri sul muro, cadeiras, una janela socchiusa e altri dettagli che compongono la tua casa.

È una composizione con una paleta di nuclei intensa e vibrante, come era tipico della sua arte, e noi and Chama a atenção, pois luoghi o osservatore più vicino all'artista, come condiviso dal seu spazio.

5. Os fuzilamentos de 3 maio - Goya

O Il pittore spagnolo Francisco de Goya (1746-1828) dipinse nel 1814 I fuzilamenti del 3 maggio, un'immagine che sarebbe diventata due ritratti di violenza più impressionanti e importanti.

Un drappo espone una cena di un'esecuzione collettiva effettuata dalle truppe francesi di Napoleão Bonaparte a Madrid, durante la cosiddetta guerra peninsulare (1807-1814). São civis espanhóis che, contrariamente all'avanzata francese, saíram às ruas per protestare contro i covari assassinati.

Un dipinto, che misura 266 x 345 cm, rappresenta un'ambientazione storica e influenza altri artisti che ritraggono anche gli orrori della guerra, come Pablo Picasso, come un grande pannello. Guernica.

Le foto del 3 maggio si possono apprezzare al Museo do Prado na Espanha.

6. O violino di Ingres - Man Ray

O violino di Ingres é una fotografia feita dell'artista nordamericano Man Ray (1890-1976) nel 1924. Un'immagine molto nota e introduce il modello Kiki de Montparnasse come nuove coste, mostrando un piedi nudi in nanquim das duas acustiche fendas ci presentano violini.

Un'opera teve come ispirazione per un dipinto neoclassico di Dominique Ingres, intitolato A banhista de Valpinçon (1808), in cui l'artista ritrae in modo impeccabile le rive di una donna.

Na fotografia, Man Ray, che mostra parte del movimento Dada, riprodotta a cena e includeva un elemento che si rifà a violino, suggerendo che il corpo mulher come le forme dello strumento, pois o artista era un grande estimatore di musica.

7. Café da manhã em pele - Meret Oppenheim

Oggetto, oh Café da manhã em pele, è un'opera d'arte in forma di oggetto, come si diceva. Prodotta dall'artista e fotografa svizzera Meret Oppenheim (1913-1985) nel 1936, ne ricalca caratteristiche surreali.

Questa è una delle opere che provoca un mix non pubblico di sensazioni contrastanti, può coprire un gioco di xícara come pele animal, l'artista presenta una contraddizione sensoriale e trasforma un oggetto banale in un'opera d'arte, ritraendosi funzione.

Meret ainda pone in questão altre riflessioni riferite al quotidiano e all'universo femminile, mostrando Un personaggio femminile indisciplinato e ribelle che usa come supporto un oggetto che rappresenta l'educazione e la civiltà.

L'opera si trova al Museum of Modern Art di New York.

8. Alla fonte - attribuito a Marcel Duchamp

Una delle opere d'arte più emblematiche della storia di A Fonte, attribuita al francese Marcel Duchamp (1887-1968). Nel frattempo, attualmente si ipotizza che l'opera sia stata un'idea dell'artista polacco-tedesca baronessa Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927).

Duchamp è apparso in una mostra nel 1917 e ha causato uno scandalo, ma è una semplice mitologia di porcellana che è stata tracciata da R. Mutt e dati.

Per quanto riguarda l'importanza di tale lavoro, rappresenta un cambio di paradigma per elevare un semplice oggetto a condizionare dell'arte, mettendo in discussione l'arte stessa e rivoluzionando il modo in cui è stata prodotta, compresa e apprezzata.

9. A traição das images - René Magritte

Un'altra opera importante che fa parte del surrealismo è A traição das images, del belga René Magritte (1898-1967). Nesse olio su tela, osserviamo la figura di un narghilè e sotto diamo una legenda"Ceci'est pas une pipe", Con una traduzione di" Isto não é um cachimbo ".

L'opera si distingue nella storia dell'arte caricando una domanda su presunzione e rappresentazione.

Qui, l'artista presenta la figura di un oggetto e avverte lo spettatore che quell'immagine non è o l'oggetto stesso, ma piuttosto una sua rappresentazione. In questo modo Magritte compie un gioco ludico e ironico utilizzando un'immagine e una parola.

Una tela, datata 1929, è attualmente visibile al Los Angeles County Museum of Art.

10. Mantello di apresentação - Arthur Bispo do Rosario

Manto da Apresentação è un'opera creata dal capello brasiliano Arthur Bispo do Rosário (1911-1989) durante il periodo in cui rimane nel centro psichiatrico Colônia Juliano Moreira, non a Rio de Janeiro.

Bispo do Rosário era un homem che aveva disturbi psichiatrici, ed è stato ammesso in giovane età. Hai creato molte cose come gli oggetti che hai raccolto e il loro scopo non era artistico, ma piuttosto dare la tua inquietudine.

O Manto di Apresentação È considerata la sua opera di maggior valore. È una specie di mantello tutto ricamato come i lençóis do hospital. Nela ha mostrato molti nomi di persone significative per lui.

Fu costruito per essere vestito del corpo di Bispo al momento della sua sepoltura, costituendo negli anni passati un indumento sacro. Nel frattempo, si è scommesso sulla morte dell'artista, o Manto è stato riparato e la pagina non è stata trovata al Museu Bispo do Rosário, non a Rio de Janeiro.

11. Piattaforma a spiraledi Robert Smithson

Un'opera di Robert Smithson (1938-1973) più conhecida é forse Piattaforma a spirale, prodotto nello Utah, USA, nel 1970.

Si tratta di un'opera d'arte che fa parte della chamada land art, o arte della terra. Nesse tipo di manifestazione creativa, o artista, viene utilizzato in natura per realizzare grandi installazioni che si integrano nel paesaggio.

Nessa, feita com rocha vulcanica, sal e terra, Smithson crea una spirale che si snoda in senso antiorario che entra nel Great Salt Lake, un lago di acque salate, non ad ovest degli Stati Uniti.

Su una land art, o artista, definisce da seguirinte maneira:

Una liberazione dell'arte dallo spazio della galleria e la ricognizione delle strutture geologiche della Terra come forma d'arte monumentale che non sta in un museo.

12. o banchetto - Judy Chicago

All'installazione Obanchetto (La cena) L'artista americana Judy Chicago (1939-) è stata realizzata nel 1974.

Questa è l'opera più nota dell'artista e rappresenta un simbolo del movimento femminista. Já è stato esposto in vari paesi e visto da più di mille persone.

Si compone di un tavolo triangolare di 14 x 14 m, con 39 prati decorati con nappe, fiori e vulve, talheres e guardrail.

Ci sono 13 posti su ciascun lato del triangolo, che rappresenta lo stesso. I luoghi sono trazem non ricamati con donne significative della storia, da deuse mitiche a personaggi. Ecco come un banchetto è pronto per essere servito, aspettando solo che arrivino le donne.

13. Deviazione per o vermelho - Cildo Meireles

Opera dell'artista brasiliano Cildo Meireles (1948-), Deviazione per o vermelho È un'installazione idealizzata nel 1967, ma ha la sua versione finale nel 1984.

Un'opera che si distingue nell'arte brasiliana contemporanea e disegna una forte carica drammatica per creare ambienti che istigano i sensi, pongono domande e provocano disagio non pubblico.

Si tratta di un locale in cui un cor vermelha è impregnato in tutti gli oggetti, suggerendo paixão e violência. Come motivazione per la sua educazione, l'artista perduto è diventato un mio amico, un uomo morto. Assim, questa è una struttura che traccia, soprattutto, un carattere politico.

Attualmente è allestito nell'Istituto d'Arte Contemporanea di Inhotim, a Minas Gerais.

14. mamma - Louise Bourgeois

Si tratta di una serie di sculture dell'artista francese Louise Bourgeois (1911-2010) che rappresentano un'enorme aranha. Un artista ha prodotto sei aranha.

Di grandi proporzioni (3 metri di altezza), uno di questi si trova in varie località del Brasile.

mamma, che in francese significa mãe, rappresenta o legame tra Bourgeois e la sua mãe, le sue esperienze nell'infanzia, un anno che sembra essere connesso con oggetti come agulha e ato de tecer.

Louise spiega perché rappresentare il mio modo:

Un amico minha melhor era minha mãe, che era così intelligente, paziente, asseada e utile, ragionevole, indispensabile come un aranha. Lei stessa sapeva difendersi.

15. Come duas Fridas - Frida Kahlo

Duas fridas Questo è un dipinto messicano di Frida Kahlo (1907-1954) risalente al 1939, essendo alcune delle opere più famose del. Un'immagine di un autoritratto che ha tracciato una figura duplicata dell'artista, uno seduto accanto o accanto a un altro di loro.

Na tela, una pittrice cerca di sintetizzare la sua identità, segnata da influenze europee e origini indigene latine. Frida da esquerda indossa un abito bianco in stile vittoriano e una da direita è vestita con abiti tipici messicani.

Come due exibem o cuore e sono interconnessi a un'arteria. Oppure planimetria e copertura di nuvens caricate e possono simboleggiare o un universo intimo turbato dall'artista.

Oppure quadrato con dimensioni di 1,73 x 1,73 cm e può essere visto nel Museo di Arte Moderna della Città del Messico.

16. Ironia do Policial Negro - Basquiat

Jean-Michel Basquiat (1960-1988) è stato un importante artista nero nordamericano con una produzione forte e avvincente. Iniciou la sua carreira na arte de rua e, in seguito, ganhou come gallerie.

La sua opera più famosa è Ironia della polizia nera, dipinto nel 1981 in stile neoespressionista.

Nela ha un'evidente critica all'istituzione di polizia e al razzismo negli Stati Uniti. Basquiat disegna una contraddizione e un'ironia sul fatto che non vi è alcun fatto che una casa nera faccia parte di un'istituzione nota per esercitare l'oppressione contro la popolazione nera.

Nel frattempo, l'artista suggerisce che la polizia può significare una forma di manipolazione, oppressione e allo stesso tempo opportunità di lavorare per quella stessa popolazione.

17. pezzo tagliato - Yoko Ono

Nel 1964, l'artista giapponese Yoko Ono (1933-) apparve a New York, una delle performance più significative della sua carriera.

Nessa ação, intitolata pezzo tagliato, l'artista si posiziona seduto davanti a una plateia, è accanto a un tesoro e invita i partecipanti a tagliare gradualmente i loro vestiti.

Inoltre, Yoko si mette a disposizione di terzi, lavorando sui temi della vulnerabilità e di cosa deve essere una donna.

Una performance è stata realizzata quando l'artista faceva parte del Fluxus Group, composto da artisti di varie nazionalità e che ha prodotto importanti innovazioni nell'universo artistico.

Come proprietario di questo tipo di azione, i record che scattano foto e video.

18. Impossibile - Maria Martins

alla scultura Impossibile Si tratta di un'opera della brasiliana Maria Martins (1894-1973), prodotta nel 1945. Fa parte della collezione del Museo d'Arte Moderna di Rio de Janeiro ed è realizzato in bronzo. Sebbene sia l'artista più famoso, sottolineo anche la scultura brasiliana.

Maria Martins trasmette em Impossibile Una sensazione di impotenza e di improbabilità, come suggerisce il titolo dell'opera. Crea due forme che si relazionano in modo conflittuale, in tensione tra loro ed esplicitamente.

Possiamo anche tracciare un parallelo tra le forme presentate come la trasformazione degli esseri umani in piante, come due piante carnivore che cercano di nutrirsi a vicenda.

L'opera può essere vista come una metafora visiva delle relazioni amorose, molto più complessa dell'idea di amore romantico che ci è stata presentata in modo corretto.

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