芸術におけるリアリズム：特徴、起源、例

アートは本質的に人間の表現です。まさにこの理由から、そして常に存在してきた途方もない文化的多様性のために、それぞれの時代とそれぞれのコミュニティがさまざまな方法で芸術的創造を行い、芸術を表現のための独自のニーズに適応させ、コミュニケーション。

アートは常に現実を模倣しようとしてきたわけではありません。 20 世紀のアヴァンギャルドにおいて、それからのかなりの逸脱を経験しただけでなく、そうでもなかった。古代エジプトや西洋などの文明の芸術的表現にリアリズムを見出す中世。しかし、自然の模倣が最も重要なことであり、その考えが完全に現実の表現に従属していた文化や歴史的瞬間がありました.

リアリズムはどのように芸術に現れましたか? あなたの進化は何ですか？この記事では、さまざまな芸術的表現とそのリアリズムの度合いを見ていきます。

アートにおけるリアリズムとは？

芸術的傾向としてのリアリズムと芸術作品の特徴としてのリアリズムという 2 つの概念を区別することが重要です。. したがって、最初のものは1840年から1880年までの数十年間に限定された造形的で文学的な運動ですが、芸術作品の特徴は、作品が提示するリアリズムの程度と関係があります。つまり、視点、比率、ボリューム、スペース、等

このように、すべての写実的な作品が写実主義の流れに属しているわけではなく、額装された作品もあります。この動きでは、現実的な特徴を提示する必要はありません (後者は最も一般的ではありませんが)。

19世紀の芸術的潮流としての写実主義の特徴

写実主義運動はフランスで起こり、その前身であるロマン主義への明確な対応を意味しました。このように、後者は伝説的なテーマに触発され、人間の感情を彼らの発作にもたらしましたが、 リアリズムは根本的な転換を提案し、その視線を日常の周囲の現実に向けた. 主題のこの現実的なビジョンは、自然主義（リアリズムの「暗い」息子）とともに、地下世界と人類の最も暗い状況の卑劣な調査になりました. この流れの最も重要な絵画的代表者の何人かはジャン=フランソワ・ミレーであり、文学界では自然主義の父と考えられているエミール・ゾラです。

ですから、19 世紀の芸術的潮流の観点から、写実主義と自然主義にテーマを探求してもらいます。日常生活に関連するものであり、環境の経験的観察に基づかない動機から離れることアーティストの。そのため、一方と他方（特に自然主義）の両方が、産業革命に伴う社会的不安定性を辛辣に非難することがよくあります。

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一方、芸術作品の特徴としてのリアリズムは、すでに述べたように、その形式的特徴に関連しています。この例では、それは非常に明確になります: 数学的視点を誇り、ルネッサンスの作品を尊重します。フィギュアのボリュームは、形式的に現実的な作品ですが、決して現在に限定されていません。 19世紀のリアリスト

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アートにリアリズムが存在するのはいつからですか？

すでに最初の芸術的表現（いわゆるロックアート）で、私たちが考えることができる特徴を見つけています 現実的. なぜなら、アルタミラのバイソンやラスコー（フランス）の洞窟に見られる馬には、視点や実際のシーンを表現したいという本物の欲求の場合、私たちはその表現に珍しい詳細を見つけます。動物。

それにもかかわらず、私たちはまだ現実的な芸術について語ることはできません。一般に、それらは明らかな図式化を示しており、むしろ芸術に関連しています。概念的な。実は大まかに言えば、 人類の芸術は、人類の到来まで厳密に現実的ではありませんでした. ルネサンスもちろん、ギリシャとローマの芸術は例外です。

エジプトでは、またしても卓越したコンセプチュアルアートが見られます。コンセプトやアイデア、さらにはシーンを表現しようとする試みが行われています。日常の活動は、現実の模倣表現とは何の関係もない明確な慣習に従う周囲。 古代エジプトの芸術では、シーンは水平方向の帯で編成されており、表現の要素の現実的な順序はありません。. さらに、各要素の最も重要な部分が選択されたため、顔は横顔、目と胴体は前、脚は横に表現されました。これはいかなる現実にも従わず、各要素の最も認識しやすい部分を表現したいという欲求にのみ従属していました.

つまり、エジプト人は独自の方法で現実を「形作った」のです。ナイル渓谷の芸術家たちは、表現される個人の重要性に関連するスケールのシステムに厳密に従いました。したがって、同じシーンと同じ平面上で、いくつかの人物が他の人物よりもはるかに大きいことがわかります。このサイズの違いは遠近法の試みによるものではなく、(ちなみに、非常に厳密な) エジプト人: 神は常にファラオよりもはるかに大きく表されます。これは常に彼の妻と子供よりもはるかに大きくなります。等

後で見るように、この概念的表現は中世の芸術で復活します。しかし 古代文明の芸術と中世の間には、現実的な芸術の短い括弧がありました: ギリシャの芸術とローマの芸術、これについては以下で説明します。

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「リアリスト」のかっこ：ギリシャとローマ

アルカイックギリシャの芸術は、東洋、特にエジプトの人々の表現方法と密接に関連していました。しかし、VI世紀に向かって c. 何かが変わり始めた。それは、いわゆる古典ギリシャ時代であり、現実とより一致した一種のプラスチック表現が奨励されています.

ギリシア人の人体解剖学への関心の高まりは、自然を厳密に模倣する彫刻作品を生み出しています。. それは ギリシャ語の模倣、現実をありのままに捉えようとする試みであり、したがって、比率、体積、および対称性の基準に従います。

しかし、大理石やブロンズでとてつもなく写実的な解剖学を捉えながらも、同時に、これらの作品は彼らが理解した「理想の美」に従ったことを忘れてはなりません。言い換えれば、解剖学的に完全である一方で、ギリシャ彫刻の神々や女神はプロトタイプを表しており、具体的な識別可能な人物ではありません.

これを行うには、個人化が肖像画を通じて予想外の高さに達するローマを待たなければなりません。一方で、ポンペイで見つかったフレスコ画、特にいわゆる 2 番目と 4 番目に対応するものポンペイ様式、それまでの西洋絵画には見られない写実性を示します。 15世紀.

これらの絵画は何世紀にもわたって隠されており、ベスビオ火山の噴火によって生成された灰の残骸に埋もれていました。逆説的ですが、この災害により、18 世紀に遺跡が発見されるまで、遺跡は実質的に無傷で保存されていました。彼らの目の前に、絶妙な品質とさらに驚くべきリアリズムのいくつかの絵が表示されたので、発見者の驚きは大きかった.

実際、いわゆる第 2 ポンペイ様式のフレスコ画では、窓越しに描かれています。架空の非常に精巧な建築の視点で、実際に空間を「開いている」ように見えます壁。何世紀も後にマサッチオがフレスコ画で同じ技法を使用しました。 三位一体、フィレンツェのサンタ・マリア・ノヴェッラから、教会の壁に穴が開いたように見えたため、同時代の人々を驚かせました。

中世のプラスチック

マサッチオの作品は当時としては非常に革新的でした。ポンペイのフレスコ画以来、そのような顕著なリアリズムの空間を作り出す試みはなかったと考えてみましょう. ローマ帝国の最後の年に続いた中世の芸術は、一般的に（すべてのスタイルと症状についてここで説明することはできません）、概略的で非常に概念的です.

エジプト人と同じように、中世の芸術家は実際の空間や要素を表現するのではなく、絵画や彫刻を通じて一連の概念やアイデアを表現しました。 このタイプの作品では、対称性やボリュームなどの要素が失われます。、しかし、「彼らは絵を描く方法を知らなかった」という理由で多くの人が維持している（そして残念ながら今でも維持している）わけではありませんが、これらの作品を表現するときの彼らの目的は自然を模倣することではなかったからです.

ロマネスクの「表現力のなさ」については多くの話題があります。保存されているレリーフのいくつかを注意深く熟考すればすぐに理解できるように、そうではありません。ロマネスク様式の造形芸術 (および一般的な中世美術) は (エジプトの造形芸術のように) 非常に概念的ですが、表現が欠けているというのは真実ではありません。問題は、彼らの表現形式が私たちのものではないということです。 ロマネスクの芸術家が感情や感情を捉える方法の多くは、現在の言語に対応していません。.

一方、ロマネスクの芸術作品の多くには細部が詰め込まれており、チュニックの折り目（図式ですが、非常に詳細なことが多い）、またはラストのテーブルクロスを飾る縁取り夕食。

視点の達成

15 世紀の初めに、フィリッポブルネレスキは、数学的または線形遠近法の手順を確立することによって、芸術の歴史にマイルストーンを刻みました。少し後に、アルベルティはブルネレスキの新しい理論を彼の作品に書き留めました。絵の (1435). 以来、西洋美術はこれらの戒律の上に築かれていき、それが「良い」絵画の基礎となるでしょう。

それで、 15 世紀全体から 16 世紀の一部にかけて、イタリアのルネッサンスは絵画作品で線形遠近法を再現しようとしました。. この視点は、絵画の空間を構築するすべての線が現れる消失点を確立することによって達成されます。これにより、脳に奥行きの感覚を与える目の錯覚が生じます。

いわゆるフラマンルネサンスは、もう 1 つのイタリア半島のルネッサンスと共存しています。この場合、18世紀にフランダースの芸術家によって行われた絵画の大きな革命。 XV。これらの「フランダースのプリミティブ」は、平面の連続を通じて作品に深みを与え、とりわけ、彼らは絵画のリアリズムのマイルストーンを設定し、オブジェクト。ヤン・ファン・エイクの絵画では、豊富な詳細のおかげで、登場するすべての植物種を分類することができると言われています。

しかし、イタリアの数学的な視点は、近代の西洋美術の偉大な勝者であり、16 世紀以降、写実主義はヨーロッパの絵画を特徴づけました。バロック芸術は非常に現実的な芸術です。なぜなら、高貴で非常に感情的な芸術であるという（かなりの）名声があるにもかかわらず、場所を留保しているからです。現実の表現のために：しわのある老人、歯のない顔、汚れた足の子供、異常な方法で撮影された果物の静物リアリズム…

芸術的リアリズムの原点に立ち返る

リアリストアートは、「伝統的な」アートとの最初のブレイクが登場する 19 世紀半ばまで、西洋のアートシーンを支配していました。. 印象派、美学の流れ、そしてその後、お気に入り、15世紀以来、「優れた」芸術の議論の余地のない基礎として確立されてきたものは何かを疑問視しました.

20 世紀の前衛は、一種の原点回帰である。前衛芸術家は、学問的芸術や公的芸術から距離を置きたいという熱意から、新しい表現方法を模索し、「リアリズム」の破壊の中にそれらを見つけます。つまり、視点、比率、構成上の一貫性です。一言で言えば、現実の厳密な模倣。

知られているのはピカソ、彼らの絵はしばしばモサラビアの細密画やキュービズムを彷彿とさせます。 2000 年以上前のエジプト人は、オブジェクトの現実的なビジョンを打ち破り、完全に再現しました。主観的。

ハイパーリアリズムと新しい現実の流れ

多くの場合、異なる流れと芸術的表現は互いに反応します。 19 世紀の写実主義運動が、それ以前の数十年のロマン主義への対応であったことは、冒頭で既に述べました。さて、現在、私たちは芸術的なパノラマの中で、絵のリアリズムを予想外の限界まで引き上げる流れを見つけています。いわゆる超現実主義の流れについて言及します。

ハイパーリアリズムは、造形芸術の概念的で抽象的な傾向への対応として、20 世紀の終わりに生まれました。. この流れは、自然の模倣を最大限に表現し、その絵画を写真の複製に変えます（実際、それはフォトリアリズムとも呼ばれます）。構図の鋭さは、見る人を圧倒するほどです。もちろん、それを単なる現実の模倣者と呼ぶ中傷者も少なくありません。

問題は、古代ギリシア人がミメーシスで論じたように、アートは自然をコピーするべきなのか、それとも何か新しいものを提供する「義務」があるのかということです。模倣は決して本物の正確な複製ではないという基本から始めると（常に芸術家のふるいを通過する）、おそらく私たちが自問すべきことは、「芸術はリアル」。