로마네스크 양식과 고딕 양식을 구별하는 방법: 4가지 주요 차이점

로마네스크와 고딕은 우리에게 잘 알려진 두 단어입니다. 중세 미술에 대해 최소한으로 소개된 사람들은 광범위하게 말해서 한 스타일과 다른 스타일의 주요 차이점을 알 것입니다.

그러나 우리는 그들의 특성에 대해 항상 명확하지 않으며 여러 번 서로 혼동합니다. 따라서이 기사에서 우리는 볼 것입니다 고딕과 로마네스크의 차이점 요약, 몇 가지 예와 함께.

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로마네스크 양식과 고딕 양식의 근본적인 차이점: 두 스타일의 구별

건축은 중세 초기의 주요 예술이었습니다. 다른 모든 예술은 이런저런 방식으로, 특히 로마네스크 양식에 종속되었습니다. 나중, 고딕 양식의 첫 번째 표현 동안 우리는 서로 다른 예술적 기법 사이의 초기 해방을 감지하기 시작했습니다..

어쨌든 처음부터 한 가지를 분명히 해야 합니다. 절대적으로 순수한 스타일은 없습니다. 다시 말해서, 우리는 어떤 세기에서도 그 모든 정경적 특징을 절대적으로 보여주는 로마네스크 양식을 발견하지 못할 것입니다. 때때로 우리는 북유럽의 경우와 같이 동양의 영향을, 다른 것은 독창적이고 독특한 표현을 찾을 수 있습니다. 그리고 고딕도 마찬가지입니다. 물론 프랑스나 독일 고딕이라고 해서 지중해 지역에서 발전한 것과 같은 것은 아니다.

그러나 한 스타일을 다른 스타일과 구별하는 데 많은 도움이 되는 일련의 지침을 찾는 것이 가능합니다. 그들을 보자.

1. 어두운 요새 대 다양한 색상의 대성당

로마네스크 시대에 우리는 거대하고 견고한 건물을 발견합니다., 중세 성을 생각나게 합니다. 벽이 두껍고 구멍이 없어 내부가 다소 어둡습니다.

이것은 두 스타일의 주요 차이점 중 하나입니다. 고딕 시대에는 사고방식의 변화가 감지되고, 개방형 인테리어와 빛의 유희가 촉진된다., 거대한 스테인드 글라스 창문과 높고 얇은 벽을 통해 달성됩니다.

이 변화는 부분적으로 독창적인 기술을 사용하여 천장의 압력을 성공적으로 억제한 고딕 건축가가 개선한 결과였습니다. 이것은 촉진 벽의 연장과 큰 창문의 출현.

그러므로 우리가 교회나 대성당 안에 있고 스테인드글라스로 가득 차 있다면 우리는 즉시 그것을 고딕 양식과 연관시킬 수 있습니다. 로마네스크 시대에는 벽을 막는 기술이 벽에 그런 구멍을 허용할 정도로 발전하지 못했습니다. 그렇게 했다면 교회가 무너졌을 것입니다.

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2. 고딕의 새로운 기술

고딕 건축가는 어떻게 했습니까? 을 통하여 독특하고 독창적인 요소의 발명: 플라잉 버트레스. 시각적으로 우리는 그것을 즉시 알아볼 수 있습니다. 고딕 양식의 건축물에 거대한 기어가는 거미의 모습을 주는 것입니다.

플라잉 버트레스는 건물 벽에서 시작하여 외부로 압력을 방출하는 외부 아치입니다. 이 압력을 상쇄하기 위해 부벽이 이러한 플라잉 부벽에 대해 외부에도 배치되어 모든 압력이 완벽하게 균형을 이룹니다.

따라서 교회나 대성당에서 이 거대한 "거미 다리"를 보는 것은 고딕 기념물 앞에 있다는 것을 의미합니다.

3. 그들은 다른 유형의 금고를 가지고 있습니다

이것은 훨씬 더 기술적 인 기능이지만 로마네스크 양식과 고딕 양식을 구별하는 것도 분명합니다. 우리는 Wikimedia Commons의 이미지로 예시를 볼 것입니다.

초기 로마네스크에서 가장 많이 사용된 지붕 유형은 배럴 볼트였습니다., 모든 대안 중에서 가장 간단합니다. 그것은 단순히 공간에서 확장 된 반원형 아치 (즉, 반원형)입니다. 이 유형의 금고는 프랑스 지역의 매우 전형입니다.

완전한 로마네스크 양식에서 Normans는 소위 사타구니 금고라는 또 다른 유형의 금고를 발명했습니다., 그것은 두 개의 배럴 볼트를 건너는 것 외에는 아무것도 아닙니다. 이 유형의 볼트는 지붕 무게를 더 많이 억제할 수 있습니다.

마침내 우리는 로마네스크 양식의 끝에 늑골이 있는 금고를 찾습니다. 후기 고딕 시대의 특징적인 금고입니다., 우리가 모든 고딕 성당에서 볼 수 있습니다. 이 유형의 금고는 늑골에 대한 천장의 모든 압력을 지지한 다음 바닥으로 옮깁니다. 따라서 나머지 천장은 로마네스크 양식이 제공한 지원 기능이 더 이상 없기 때문에 "채우기"일 뿐입니다.

4. 단단함에서 자연스러움으로

로마네스크 양식의 조각과 회화는 자연을 정확히 모방하려고 하지 않았습니다.. 이것은 한 스타일을 다른 스타일과 빠르게 구별하려면 더 명확해야 하는 아이디어 중 하나입니다.

중세의 첫 세기에 예술은 생각을 표현하는 수단에 불과했습니다. 물론 아름다움은 고려되었지만(코디에 있는 멋진 미니어처를 보세요) 우선, 로마네스크는 장식적인 것보다 훨씬 더 표현적인 스타일입니다.. 나무 조각이든 프레스코든 그의 이미지는 메시지를 전달합니다. 각 요소는 정해진 순서, 체계, 개념적 논리에 따라 배치됩니다.

고딕의 도착과 함께 모든 것이 변형되었습니다. 또는 오히려 이 변화를 가장 잘 표현한 것이 고딕 양식이라고 말할 수 있습니다. 작가들은 조금씩 현실과 그들을 둘러싼 세계를 베끼는 데 관심을 갖게 된다.. 인본주의와 자연주의의 승리다. 이 프로세스를 이해하는 데 도움이 되는 몇 가지 세부 사항을 살펴보겠습니다.

현관

로마네스크 양식과 고딕 양식 모두에서 교회와 대성당의 정면은 우리에게 말을 건다. 중세 시대에 인구의 대다수가 읽고 쓰는 법을 몰랐기 때문에, 성서를 알리기 위해 예술은 표현의 수단으로 사용되었습니다.

로마네스크 양식의 현관에서 우리는 항상 같은 구조를 찾습니다. 화려하게 장식된 기둥으로 둘로 나뉩니다. 귀청. 고막에서 우리는 항상 다른 모든 사람들을 분배하는 중심 인물로 Pantocrator 또는 Christ in Majesty를 봅니다. 그의 신성한 본질을 상징하는 만돌라(이탈리아어로 아몬드)로 둘러싸여 있으며, 이는 또한 그의 모습을 강조하는 역할을 합니다. 구성.

Pantocrator 주변에서 Tetramorphs, 즉 4개의 표현을 찾는 것이 일반적입니다. 전도자: 성 요한의 독수리, 성 루가의 황소 또는 황소, 성 마르코의 사자, 성 마태오. 그리스도 주변의 도상학은 다양할 수 있지만(다른 성도의 표현이나 단순한 기하학적 인물도 있을 수 있음) 로마네스크 양식의 교회에서 조각 스타일은 항상 동일할 것입니다. 자연주의자 그런 포르티코 앞에 있으면 로마네스크 양식의 건물 앞에 있는 것입니다.

반면에 고딕에서는 모든 것이 변형되기 시작합니다. 사고방식은 더 이상 동일하지 않습니다. 이제는 도시의 시대, 활발한 상업의 시대입니다.. 부르주아지, 최초의 은행가들. 우리는 더 이상 농촌 사회가 아니라 탁월한 도시 사회에 직면해 있습니다. 개인주의가 첫 걸음을 내딛기 시작하면서 인간과 그의 감정에 대한 재평가가 시작됩니다.

그러므로, 조각적 표현도 인간화되기 시작. 모티브(Christ in Majesty, 성도의 표현 등)는 여전히 남아 있지만 외관은 눈에 띄게 달라졌다. 고딕 대성당의 조각(프랑스 샤르트르의 조각과 같은)에서 성도들은 살과 피의 존재가 됩니다. 그들의 얼굴이 부드러워집니다. 그의 몸짓이 더 자연스럽습니다. 그의 옷 주름이 더 쉽고 사실적으로 떨어집니다. 패턴의 반복은 점점 약해지고 작가는 점차 일정한 표현의 자유를 얻게 된다.

성모님의 이미지

성모님과 아기의 로마네스크 조각을 볼 기회가 있었다면 예술가가 모성이라는 개념을 제외한 모든 것을 표현하고 싶어했다는 것을 깨달았을 것입니다. 마리아는 갓 태어난 아이를 안고 있는 여자가 아니지만 작은 구속자를 위한 보좌에 불과합니다. 처녀는 아기를 안는 것으로 제한되지만 아기와 상호 작용하지 않습니다.. 예수는 어머니의 존재를 모르는 것 같다. 그는 우리를 보고 축복합니다. 그것은 아기도, 어린이도 아닙니다. 그것은 하나님 자신입니다.

그러나 고딕 양식의 발전과 초기 자연 스러움으로 이러한 표현도 변형됩니다. 조금씩, 마리아는 엄마가 된다. 그리고 진정한 어머니 안에서: 그녀는 단순한 아기의 자리에서 아기와 함께 놀고, 애무하고, 키스하고, 장난감이나 음식을 주는 어머니가 됩니다. 그리고 예수님은 성육신하신 하나님에서 단순히 어린아이가 되셨습니다. 그는 돌아서서 어머니를 바라보고 작은 손을 들고 망토를 가지고 놀고 그녀의 팔에서 진짜 아기처럼 꿈틀거립니다. 고딕 인류의 승리입니다.

다시 말하지만, 의심할 여지 없이 그러한 표현을 본다면 고딕 조각품 앞에 있는 것입니다. 왜냐하면 우리는 로마네스크 양식에서 다소 "귀화"된 예를 찾을 수 있지만 가장 일반적인 고딕 양식은 12세기부터 처녀들이 미소 짓기 시작하고 어린이들이 다음과 같이 놀고 행동한다는 것입니다. 아이들.

제단화의 탄생

고딕은 위대한 제단의 시대입니다. 그리고 제단이란 무엇입니까? 우리는 그것을 다음과 같이 정의할 수 있습니다. 나란히 놓인 장면의 연속으로 우리에게 이야기를 들려주는 거대한 중세 만화, 그리스도, 동정녀 또는 성인의 삶에서.

로마네스크에서 회화는 프레스코(벽면), 패널(목재), 종이(책의 미니어처)로 제한되었습니다. 그 당시 이미 이야기는 "만화"로 인식되었지만 이러한 표현 형식이 큰 영광을 찾는 것은 고딕 양식입니다.

교회와 대성당은 밝고 경쾌한 색상을 표시하는 다채로운 제단으로 가득합니다.특히 파란색, 빨간색 및 금색. 위에 언급 된 처녀의 경우와 같이 그들에 나타난 인물은 점점 더 인간적으로 변하고 있습니다. 예술가들은 로마네스크 양식에서 조금도 중요하지 않은 풍경, 공간 요소에 중요성을 부여하기 시작합니다.

이러한 의미에서 이탈리아 조토(13세기)는 그의 장면에 다소 정확한 위치와 원근감과 비율을 시도하다.

저 멀리 서로 다른 캐릭터와 현실이 어떠한 공간적 관계도 없이 병치된 로마네스크 양식의 테이블이 있습니다. 고딕은 여전히 ​​중세 언어이며 우리는 그것을 르네상스 예술이라고 생각할 수 없습니다. 그것은 여전히 ​​환상적인 언어를 보존하고 세계, 하늘과 땅, 과거와 현재의 결합을 유지합니다. 그것은 아직 자연주의적 예술이 아니다.

하지만 작가들은 조금씩 현실의 재현을 중요시하고 있다., 그들의 눈이 보는 세계; 그리고 이미 15세기 후반 고딕 시대에 Van Eyck를 포함한 플랑드르 원시인들은 모든 세부 사항이 풍부한 감각적 현실의 표현에 확실히 빠져 있었습니다.

그러므로 교회에 가서 금과 금으로 반짝이는 멋진 제단을 보면 색상, 만화와 같은 병치된 장면과 약간의 사실주의로 인해 작업에 직면하게 될 것입니다. 고딕. 마찬가지로, 화가가 표현하려고 한 그림을 보면 (어려운 부분이 있음) 원근법과 비율, 완전한 중세 언어로 표현되더라도 고딕 작품.

대신에 당신이 보는 것이 거대하고 장엄한 인물이 있는 교회 후단의 프레스코이며 절대적으로 평평하고 그들 사이의 공간과 비율에 대한 감각이 없다면; 무엇보다 이미지 중앙에 장엄한 폐하의 그리스도가 서 있다면 아마도 로마네스크 양식의 작품 앞에있을 것입니다.

참고 문헌

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