르네상스: 그것이 무엇이며 그 특징은 무엇입니까

그것은 아마도 예술사에서 가장 잘 알려진 예술 시대 중 하나일 것입니다. 르네상스는 특히 가장 중요한 예술가들을 통해 세계적으로 유명합니다. 브루넬레스키, 보티첼리, 라파엘, 레오나르도 또는 미켈란젤로와 같은 이름은 아마도 보편적인 예술에 관심이 있는 사람들 사이에서 가장 두드러지는 이름일 것입니다.

우리는 수세기 동안 질질 끌었던 진부한 표현을 넘어 르네상스가 무엇을 대표했는지 정말로 알고 있습니까? 이 기사에서 우리는 예술적일 뿐만 아니라 철학적이고 사회적인 이 운동의 현실을 탐구하려고 노력할 것입니다.

르네상스란 무엇인가?

대부분의 명명법과 마찬가지로 "르네상스"라는 단어는 언급된 시간이 지난 후 몇 세기가 지나야 사용되었습니다. 특정한, 1829년 그의 소설에서 이 용어를 처음 소개한 사람은 프랑스 작가 오노레 드 발자크였다. 발 드 시아우. 발자크는 14세기 이탈리아에서 시작되어 고전적인 모델을 지침으로 삼는 문화를 말합니다. 몇 년 후, 역사가 Jules Michelet은 그의 저서에서 "르네상스"라는 용어를 신성시했습니다. 르네상스 (1855).

우리는 "르네상스"를 이탈리아(특히 피렌체)에서 시작된 문화 운동으로 이해할 수 있습니다. 15세기 초부터 16세기 말까지 확장되었으며, 유물. 그러나 이러한 고전적 모델이 중세 전반에 걸쳐 있었다는 점에 주목하는 것이 중요합니다. 르네상스를 "다르게" 만드는 것은 예술가들이 리노베이션, 즉 이러한 고대 모델의 "각성"을 살았다는 완전한 인식입니다.

일반적으로 르네상스 지식인과 예술가는 자신을 "진정한 예술"의 소생자로 간주합니다., 그들은 중세 "무기력"의 오랜 세기 동안 잃어버린 것으로 간주했습니다. 16세기의 가장 중요한 이론가 중 한 사람인 Giorgio Vasari는 중세 예술을 Quattrocento(즉, 이탈리아 15세기)는 그의 "젊음"을 나타내는 반면, 의식. 마지막으로 친퀘첸토(16세기)는 레오나르도, 미켈란젤로, 라파엘과 같은 중요한 이름을 가진 예술의 성숙기였습니다.

하지만... 르네상스는 이 고대 예술의 진정한 회복이었습니까? 우리는 중세 시대에 고전이 잊혀지지 않았다고 이미 논평했습니다. 플라톤의 강력한 존재감을 발견할 수 있는 철학 분야(예를 들어, 학교에서 샤르트르의)와 아리스토텔레스(성 토마스 아퀴나스의 사상에서)뿐만 아니라 예술에서도 플라스틱.

실제로 중세 조각과 건축에서 우리는 고대에서 가져온 모티프를 발견합니다. 그것은 중세 시대가 결코 시대와의 단절을 나타내지 않았다는 생생한 증거입니다. 고전. 그러나 르네상스 지식인과 예술가들은 그렇게 느꼈다. 바사리는 헛되지 않게 중세 세기의 예술을 "괴물적이고 야만적"이라고 불렀는데, 이 개념은 우연히도 19세기까지 유효하게 유지되었습니다.

그래서, 르네상스는 이중의 의미에서 "각성"을 가정합니다.. 첫째, 우리가 이미 언급했듯이 그들은 이 고전적인 리노베이션을 변환하는 것을 처음으로 인식했기 때문입니다. 중세 전통과의 급진적 단절, 중세 시대가 그 당시에 있었던 것과 같거나 더 급진적입니다. 고전; 둘째, 실질적으로 신 중심 사회에서 인본주의 사회로의 전환이 발생하기 때문에 사실상 중세와의 진정한 단절을 가정합니다.

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전통과의 '단절'

르네상스가 삶에 대해 자각했던 단절은 엄밀히 말해서 그런 것으로 간주될 수 없다. 우선 중세 시대에 고전이 잊혀지지 않았다는 것을 이미 보았기 때문입니다. 그리고 둘째, 르네상스 시대에 그들은 계속 사용했기 때문에 이것은 그다지 중요하지 않습니다. 일부 건물의 유형학, 도상학 및 일부 절차와 같은 중세 자원 기술자.

이러한 모든 이유 때문에 우리는 르네상스가 결코 르네상스주의자들이 생각했던 급진적 단절이 아니라는 결론을 내릴 수 있습니다. 사실, 역사가 Johan Huizinga는 자신의 작업에서 다음과 같이 주장합니다. 중세의 가을, 마지막 중세 세기는 르네상스 단계의 준비를 나타냈으며 결코 그 반대를 의미하지 않았습니다. 그리고 미술사학자 에르빈 파노프스키(Erwin Panofsky)는 이미 다양한 "르네상스"에 대해 이야기했습니다. 그래서 우리는 그것을 이해합니다 "르네상스"라고 불리는 것은 계몽된 유럽 역사서술의 또 다른 큰 함정에 지나지 않습니다., "중세"의 로마 제국의 몰락 이후 10세기를 표시한 것과 동일한 것입니다.

어쨌든 이 '단절'이 위치하는 명확한 맥락을 구성하는 일련의 요인이 있다. 우리는 이미 14세기 말에 신 중심적 사회에서 인본주의적 사고로의 전환이 있었다고 논평했습니다. 이미 중세 중엽에 시작된 농촌 세계의 점진적인 쇠퇴와 결과적으로 도시의 부상은 이러한 변화를 촉진하는 근본적인 방법으로 기여합니다. 마음가짐.

도시에서 출현하는 새로운 사회 집단인 부르주아지는 이 전체 과정에서 근본적인 역할을 할 것입니다.어느 하나. 도시 상인과 은행가는 강력한 후원자로서 동시에 도시를 통제하고 행동하는 강력한 과두제를 구성합니다. 따라서 14세기부터 예술가들은 이러한 중요한 인물들의 보호를 받게 되며, 이러한 힘의 결합을 통해 가장 중요한 예술 작품 중 일부는 역사. 피렌체의 강력한 메디치 가문을 언급하는 것만으로 충분합니다.

따라서 르네상스가 직전 세계와의 진정한 단절을 나타낸다면 그것은 예술가의 개념과 그가 고객과 유지하는 관계에 있습니다. 예술가는 계속해서 그의 후원자들의 손에 있는 도구였지만, 그들은 차별화와 정치적 선전이라는 분명한 목적을 가지고 제자들을 사용합니다. 각각의 강력한 남자는 그를 대표하는 스타일을 수여받습니다: 밀라노의 스포르차, 로마의 율리우스 2세, 피렌체의 메디치. 또한 미술품 수집은 지위와 권력의 상징이 되기도 한다.

다른 한편으로, 예술가들의 중세 기계 무역은 예술과 그 과정에 대한 훨씬 더 지적인 개념으로 용해됩니다. Leon Battista Alberti의 유명한 De Pictura(1435)와 같은 예술에 관한 논문은 예술가를 단순한 장인 이상으로 여기다, 그가 자신의 작업을 수행하기 위해 약간의 지적 자질이 필요하다고 가정합니다. 이 새로운 고려의 결과로 예술가들은 자신의 작품에 자신을 묘사하고 서명하기 시작합니다.

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새로운 비유적 언어: 원근법

르네상스 시대에 일어난 변화는 가소적이기보다는 철학적, 문학적이었습니다. 고대 철학의 재평가를 통해 새로운 형식 체계를 창출할 수 있는 기반을 마련한다., 나중에 다양한 예술적 경향으로 나타납니다. 고대의 모델은 르네상스 시대의 사람들이 자신을 바라보고 미학적 이상을 추구하는 유일한 거울로 부과됩니다.

그러나 그림에서 오래된 모델을 어디에서 찾을 수 있습니까? 조각가와 건축가가 영감을 얻을 수 있는 예가 있듯이 회화도 그렇지 않기 때문입니다. 15세기에는 폼페이와 헤르쿨라네움이 아직 발견되지 않았기 때문에 새로운 언어의 기반이 되는 고대의 그림 모델을 찾는 작업 비유적. 이를 위해 1480년 로마에서 네로의 도무스 아우레아를 발견하는 데 도움이 되었으며, 그의 프레스코화는 뒤늦게나마 화가의 모델이 될 회화적 모델을 확립하다. 르네상스.

이것의 예는 Nero 궁전의 벽을 장식한 식물 장식, 인간 형상 및 환상적인 동물을 기반으로 한 그림 장식인 "그로테스크"입니다. 그러나 이러한 장식의 기이함은 Giorgio Vasari와 같은 논문 작가들로부터 날카로운 비판을 받았습니다.

그가 고려한 것의 토대를 마련한 사람은 바로 바사리였습니다. 기본적으로 조화와 비율, 그리고 무엇보다 올바른 관점을 바탕으로 해야 했던 "좋은 그림". 르네상스 예술가들에게 가장 큰 관심을 끌었던 것은 아마도 이 마지막 개념일 것입니다. Alberti가 말했듯이 공간의 일부를 엿볼 수있는 "창"을 달성하기 위해. 이탈리아에서는 1422년경에 원근법을 그림으로 표현하기 시작했습니다. 브랑카치 예배당에 있는 마사초의 프레스코화가 이에 대한 좋은 증거입니다.

Quattrocento의 이탈리아인들은 Trecento 화가들이 사용했던 다양한 관점에서 벗어나 원근법을 마스터했습니다. 대신 그들은 Alberti가 말한 "창"을 가능하게 만들었습니다. 정확한 수학적 관점, 컴포지션의 모든 선이 하나의 소실점에 수렴되도록 합니다. 이 사업에서 건축가 Filippo Brunelleschi의 공헌이 결정적이었습니다. 그러나 플랑드르에서 플랑드르 원시인들이 다른 과정을 통해 동등하게 타당한 해결책에 도달했다는 것은 사실입니다.

Jan van Eyck과 Roger van der Weyden을 포함한 15세기 플랑드르 회화, 르네상스 회화와 같은 고딕 양식의 급진적인 변화로 표현되었습니다. 이탈리아에서. Flemings의 경우 현실에 대한 신중하고 절대적으로 경험적인 관찰을 통해 원근법을 얻었습니다.

플라멩코 결과는 너무나 놀랍고 독특해서 그의 스타일은 유럽 전역에 퍼졌습니다. 영국, 오스트리아 또는 이베리아 반도는 플랑드르 모델을 참조로 삼았습니다. 이탈리아. 이탈리아 Quattrocento의 예술가들은 플랑드르에서 온 이 혁신가들을 깊이 존경했으며 두 유럽 위도 사이에서 많은 예술적 교류가 이루어졌습니다. 제노아 출신의 15세기 인본주의자인 Bartolommeo Fazio가 Jan van Eyck을 "우리 시대의 주요 화가"라고 부르는 것으로 충분합니다.

모든 것은 피렌체에서 시작되었습니다

르네상스하면 떠오르는 곳이 있다면 단연 피렌체다.. 자신과 자신을 둘러싼 세계를 아는 인간의 능력을 입증하는 문화적 흐름과 사상, 휴머니즘이 발전하는 곳이 바로 이 도시입니다. 그러나 우리 자신을 맥락에 넣어 봅시다.

1402년 잔 갈레아초 비스콘티(Gian Galeazzo Visconti)가 이끄는 밀라노 군대가 피렌체로 진격하여 수년 동안 피렌체 공화국을 다스렸던 평화와 번영을 위협합니다. 밀라노에 대한 공격은 15세기 20년대에 반복되었습니다. 두 번째 위협은 피렌체와 베니스(1425)의 동맹 덕분에 중단되었습니다. 이러한 지속적인 군사적 주장은 공화주의적 가치를 되살릴 뿐이며, 피렌체인들은 군주적 독재로 간주되는 것에 대항하여 그것을 휘두릅니다. 따라서 후원자와 예술가들은 이러한 공화주의적 이상을 반영하는 플라스틱 언어를 찾기 시작했습니다.

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위대한 플라스틱 혁신가 Ghiberti와 Masaccio

1401년에 피렌체에서 세례당의 두 번째 문을 만들 예술가를 찾기 위한 대회가 열렸습니다. 우승자는 Lorenzo Ghiberti였습니다. 세례당에서의 그의 첫 번째 작품은 르네상스 예술의 "선언문"으로 간주되지만 여전히 소위 국제 고딕 양식의 영향을 많이 받고 있습니다. Ghiberti의 세례당(세 번째 문, 1425년에서 1452년 사이에 제작됨)에 대한 두 번째 작업이 있기 전까지는 의심할 여지 없이 감사하게 될 것입니다. 새로운 조형 언어의 울려 퍼지는 등장 여기에는 표현된 그림의 크기를 조절하여 원근법을 도입하는 것이 포함됩니다.

세례당을 위한 기베르티의 작품이 조각의 혁신을 나타낸다면 마사치오(1401-1427)의 작품은 회화 분야에 있습니다. 예술가가 산타 마리아 델 카르미네의 피렌체 교회에 있는 브랑카치 예배당을 위해 만든 프레스코화는 진정한 혁명을 나타냅니다. 그 중에서도 장엄한 카이사르에 대한 찬사, 그의 사실주의와 그의 인물의 힘은 그의 동시대 사람들에게 진정한 계시를 의미했을 것입니다. 마찬가지로 Santa Maria Novella의 프레스코화 The Trinity에 담긴 대담한 건축적 관점은 교회 벽에 구멍을 뚫는 것처럼 보인다. Alberti가 말하는 "창"입니다. Masaccio는 마침내 그것을 현실로 만들었습니다.

브루넬레스키와 불가능한 돔

14세기 중반부터 피렌체 사람들은 기독교 세계에서 가장 큰 돔이 있는 성당을 제공하기를 원했습니다.. 그러나 프로젝트의 규모는 건축가의 불안을 얼어붙게 만들었습니다. 지름이 43미터 이상이어야 했으며, 이는 로마의 판테온과 거의 같은 크기였습니다. 그 이후로 아무도 그런 돔을 올릴 수 없었습니다.

작업은 마침내 1420년에 시작되었고 위원회는 브루넬레스키의 대담한 계획에 매료되었습니다. 비계나 틀을 사용하지 않은 거대한 구조(돔 바닥에서 스트립을 사용하여 들어 올릴 것임) 수평의). 이 프로젝트는 16년 동안 지속되었습니다(회사의 규모를 고려한다면 터무니없는 시간이었습니다). 1436년 알베르티의 말에 따르면 피렌체의 돔은 "그 그림자로 토스카나 전체를 뒤덮었다". 판테온 이후, 즉 로마 시대 이후로 이와 같은 것은 이루어지지 않았습니다. 브루넬레스키의 돔은 르네상스 건축의 진정한 랜드마크입니다.

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다른 르네상스 센터

피렌체는 인본주의와 새로운 르네상스 언어가 발산되는 확실한 중심지였지만, 이러한 아이디어를 받아들여 자신의 것으로 만든 다른 이탈리아 센터가 있었습니다. 자신의 버전. 아래에서 살펴보겠습니다.

세지스문도 말라테스타가 이끄는 리미니, 그의 공식 선전의 기초로 새로운 예술적 표현을 사용했습니다. Malatesta 궁정의 르네상스는 본질적으로 기사 정신과 고전 지식에 기반을 두고 있었습니다. 리미니의 르네상스 사례 중 하나는 Leon Battista Alberti의 San Francesco 교회입니다. 또한 Malatesta는 화가 Piero della Francesca를 그의 궁정으로 끌어 들였습니다.

베니스는 중세 이후로 유럽과 비잔틴 세계가 합류하는 지점을 대표하는 거대한 동양적 부하가 배후에 있는 도시였습니다. 따라서 베네치아 르네상스는 여전히 비잔틴 모델을 사용하여 로마 건축 및 장식 어휘와 융합합니다.

그의 입장에서는 Federico de Montefeltro는 우르비노에 있는 자신의 궁정에 인재를 유치하기 위해 엄청난 프로그램을 설계합니다., 그중에는 우르비노 공작과 공작 부인의 엄격한 프로필 초상화가 로마 동전을 모방한 저명한 피에로 델라 프란체스카(Piero della Francesca)가 있습니다. 일반적으로 도상학은 르네상스 예술에서 흔히 볼 수 있는 기독교와 신화적 요소를 결합합니다.

마지막으로, Mantua에서 Ludovico Gonzaga는 도시를 개혁하기 위해 고전적인 고대에 대한 취향을 그립니다.. 이를 위해 Leon Battista Alberti (San Andrés 교회) 및 Andrea Mantegna (배우자의 방에있는 프레스코 화)와 함께 중요합니다. 르네상스 시대의 예술가에 대한 고려는 그들이 이전 세기보다 훨씬 더 높은 지위를 가지고 있음을 의미합니다. 따라서 Mantegna는 Mantua에 르네상스 건축의 전형적인 모델을 따르는 그의 궁전 건설을 명령했습니다. 그의 기하학은 로마 건축가 Vitruvio의 계율을 따르고 있으며, 시대.