예술의 사실주의: 특성, 기원 및 예
예술은 본질적으로 인간의 표현입니다. 바로 이러한 이유 때문에, 그리고 항상 존재해 온 비범한 문화적 다양성 때문에 각 시대와 각 공동체는 다양한 방식으로 예술적 창조를 수행하여 예술을 자신의 표현 요구 사항에 맞게 조정하고 의사소통.
예술이 항상 현실을 모방하려고 노력한 것은 아닙니다. 20세기의 아방가르드에서 그것은 그것으로부터 상당한 이탈을 경험했을 뿐만 아니라 우리는 고대 이집트나 서양과 같은 문명의 예술적 표현에서 사실성을 찾습니다. 중세. 그러나 자연의 모방이 가장 중요하고, 이념이 현실의 재현에 완전히 종속되었던 문화와 역사적 순간들이 있었다.
리얼리즘은 예술에서 어떻게 등장했는가? 당신의 진화는 무엇입니까? 이 기사에서 우리는 다양한 예술적 표현과 현실감의 정도를 통해 투어를 그리려고 노력할 것입니다.
예술에서 리얼리즘이란?
예술적 경향으로서의 리얼리즘과 예술 작품의 특성으로서의 리얼리즘이라는 두 가지 개념을 구별하는 것이 중요합니다.. 따라서 첫 번째는 1840년에서 1880년까지의 수십 년에 국한된 조형적이고 문학적인 운동인 반면, 예술 작품의 특징은 작품이 제시하는 사실주의의 정도, 즉 원근법, 비율, 부피, 공간, 등
이처럼 모든 사실주의 작품이 리얼리즘의 흐름에 속하지 않고, 틀에 박힌 작품도 마찬가지다. 이 악장에서는 사실적인 특성을 나타낼 필요가 없습니다(후자가 가장 일반적이지는 않지만).
19세기 미술사조로서의 리얼리즘의 특징
사실주의 운동은 프랑스에서 일어났고 그 전신인 낭만주의에 대한 명확한 반응을 의미했습니다. 이런 식으로 후자는 전설적인 주제에서 영감을 받아 인간의 감정을 발작적으로 가져왔지만, 리얼리즘은 급격한 전환을 제안하고 일상의 주변 현실에 시선을 돌렸다.. 주제에 대한 이 현실적인 비전은 자연주의(사실주의의 "어두운" 아들)와 함께 지하 세계와 인류의 가장 어두운 상황에 대한 추악한 탐험이 되었습니다. 이 흐름의 가장 중요한 그림 대표자는 Jean-François Millet이며, 문학 분야에서는 자연주의의 아버지로 간주되는 Émile Zola입니다.
그래서 우리는 XIX의 예술적 흐름 측면에서 사실주의와 자연주의가 주제를 탐구합니다. 일상 생활과 관련되고 환경에 대한 경험적 관찰에 기반하지 않은 동기에서 벗어나십시오. 아티스트의. 그렇기 때문에 둘 다(특히 자연주의) 산업 혁명과 함께 찾아온 사회적 불안정성에 대한 신랄한 비난을 나타내는 경우가 많습니다.
한편, 예술 작품의 특성으로서 사실주의는 이미 말했듯이 그 형식적 특성과 관련이 있다. 이 예를 통해 매우 분명해질 것입니다. 르네상스 작품은 수학적 관점을 자랑하고 다음을 존중합니다. 그림의 볼륨은 형식적으로 사실적인 작업이지만 결코 현재에 국한되지 않습니다. 19세기 사실주의
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리얼리즘은 언제부터 예술에 존재했는가?
이미 최초의 예술적 표현(소위 암벽화)에서 우리는 고려할 수 있는 특성을 발견했습니다. 실감나는. 알타미라의 들소와 라스코(프랑스)의 동굴에 있는 말들에서 어떤 징후도 찾을 수 없다는 사실에도 불구하고 원근법이나 실제 장면을 재현하려는 진정성 있는 욕구에 따라 우리는 동물.
그럼에도 불구하고 우리는 아직 사실적인 예술에 대해 이야기할 수 없습니다. 일반적으로 그들은 명백한 도식화를 제시하고 오히려 예술과 관련될 것입니다. 개념적. 사실 개괄적으로 말하자면 인류의 예술은 르네상스, 물론 그리스와 로마 예술은 예외입니다.
이집트에서 우리는 다시 한 번 탁월한 개념 예술을 발견합니다. 개념과 아이디어, 심지어 장면을 표현하려는 시도가 이루어집니다. 일상 활동은 현실의 모방적 표현과 아무 관련이 없는 표시된 관습을 따릅니다. 주변. 고대 이집트의 예술에서는 장면이 수평 띠로 구성되어 있으며 표현 요소의 현실적인 순서가 없습니다.. 또한 각 요소의 가장 중요한 부분을 선택하여 얼굴은 옆모습, 눈과 몸통은 정면, 다리는 옆면으로 표현하였다. 이것은 어떤 현실에도 따르지 않고 각 요소의 가장 인식 가능한 부분을 표현하려는 욕구에만 전적으로 종속되었습니다.
즉, 이집트인들은 자신의 방식으로 현실을 "형성"했습니다. 나일 계곡의 예술가들은 표현된 개인의 중요성과 관련된 규모 체계를 엄격히 따랐습니다. 따라서 같은 장면과 같은 평면에서 우리는 다른 것보다 훨씬 더 큰 어떤 그림을 발견합니다. 이 크기의 차이는 원근법의 시도 때문이 아니라 오히려 (그런데, 매우 엄격한) 계층 구조와 연결되어 있습니다. 이집트인: 신은 항상 파라오보다 훨씬 더 크게 표현될 것입니다. 이것은 항상 그의 아내와 아이들보다 훨씬 더 클 것입니다. 등
이 개념적 표현은 나중에 살펴보겠지만 중세 예술에서 회복될 것입니다. 하지만 고대 문명의 예술과 중세의 예술 사이에는 그리스 예술과 로마 예술이라는 사실적인 예술의 짧은 괄호가 있었습니다., 아래에서 논의 할 것입니다.
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"현실주의" 괄호: 그리스와 로마
고대 그리스 예술은 동방 민족, 특히 이집트의 표현 방식과 밀접한 관련이 있습니다. 그러나 VI 세기를 향해 a. 씨. 뭔가 변하기 시작했습니다. 현실과 더 일치하는 조형적 표현 유형이 권장되는 소위 고전 그리스 시대입니다.
인체 해부학에 대한 그리스인의 관심이 높아지면서 자연을 엄격하게 모방하는 조각 작품이 탄생했습니다.. 이다 그리스어 모방, 비율, 양, 대칭의 기준을 따라 현실을 있는 그대로 포착하려는 시도.
그러나 대리석과 청동으로 엄청나게 사실적인 해부학적 구조를 포착했음에도 불구하고, 동시에 이 작품들이 "이상적인 아름다움"으로 이해한 바에 따랐다는 사실을 잊지 말자. 즉, 해부학적으로 완벽하지만 그리스 조각의 신과 여신은 구체적이고 식별 가능한 인물이 아니라 원형을 나타냅니다.
이를 위해 우리는 개인화가 초상화를 통해 예상치 못한 높이에 도달하는 로마를 기다려야합니다. 반면에, 폼페이에서 발견된 프레스코화, 특히 소위 두 번째와 네 번째에 해당하는 프레스코화 폼페이 스타일, 서양화에서 다시는 찾아볼 수 없는 리얼리즘을 보여주다 XV 세기.
이 그림들은 베수비오 화산 폭발로 생성된 화산재 잔해에 묻혀 수세기 동안 숨겨져 있었습니다. 역설적이게도 그 재난으로 인해 18세기에 유적이 발견될 때까지 유적이 거의 온전하게 보존될 수 있었습니다. 발견자들의 놀라움은 엄청났습니다. 왜냐하면 그들의 눈앞에는 절묘한 품질과 훨씬 더 놀라운 사실주의의 그림이 전시되었기 때문입니다.
실제로, 소위 두 번째 폼페이 스타일의 프레스코화에서 그들은 창문을 통해 보여집니다. 가상의 고도로 정교한 건축학적 관점으로 실제로 공간을 "열어주는" 것처럼 보입니다. 벽. 같은 기법은 수세기 후에 Masaccio가 그의 프레스코화에서 사용했습니다. 삼위 일체, 교회 벽에 구멍을 뚫는 것 같았 기 때문에 동시대 사람들을 놀라게 한 피렌체 산타 마리아 노벨라에서.
중세 플라스틱
Masaccio의 작업은 당시로서는 매우 혁신적이었습니다. 폼페이의 프레스코화 이후로 그렇게 뚜렷한 사실주의의 공간을 창조하려는 시도가 없었다고 생각해보자. 로마제국의 말년을 이은 중세 예술은 일반적으로(여기서 모든 스타일과 표현에 대해 자세히 설명할 수는 없습니다) 도식적이고 현저하게 개념적입니다.
이집트인들과 같은 방식으로 중세 예술가들은 실제 공간과 요소를 표현하는 것이 아니라 회화와 조각을 통해 일련의 개념과 아이디어를 표현했습니다. 이러한 유형의 작업에서는 대칭 및 볼륨과 같은 요소가 손실됩니다., 그러나 많은 사람들이 "그들이 그림을 그리는 방법을 몰랐기" 때문에 주장했지만 (불행히도 여전히 유지하고 있음), 이러한 작품을 표현할 때 그들의 목적은 자연을 모방하는 것이 아니었기 때문입니다.
로마네스크 양식의 "무표정"에 대한 많은 주제가 있습니다. 표현력이 없는 것은 보존된 부조의 일부를 주의 깊게 살펴보면 금방 알 수 있습니다. 왜냐하면 로마네스크 조형 예술(및 일반적으로 중세 예술)은 매우 개념적이지만(이집트 조형 예술과 마찬가지로) 표현이 부족하다는 것은 사실이 아니기 때문입니다. 문제는 그들의 표현방식이 우리의 것이 아니므로 로마네스크 예술가들이 감정과 감정을 포착해야 했던 많은 방법은 우리의 현재 언어와 일치하지 않습니다..
반면에 로마네스크 양식의 많은 예술 작품에는 세부 사항이 가득 차 있는데, 이는 튜닉의 주름(도식적이지만 종종 매우 상세함) 또는 식탁보를 장식하는 테두리 저녁.
관점의 성취
15세기 초 Filippo Brunelleschi는 수학적 또는 직선적 원근법을 확립함으로써 예술사의 이정표를 세웠습니다. 조금 후에 Alberti는 Brunelleschi의 새로운 이론을 그의 작업에 기록했습니다. 그림의 (1435). 그때부터 서양 미술은 이러한 계율 위에 세워질 것이며, 이는 "좋은" 그림의 기초로 간주될 것입니다.
그래서, 15세기 전체와 16세기 일부 기간 동안 이탈리아 르네상스는 회화 작품에서 선형 원근법을 재현하려고 노력했습니다.. 이러한 관점은 그림의 공간을 구성하는 모든 선이 나타나는 소실점의 설정을 통해 달성됩니다. 이것은 뇌에 깊이감을 주는 착시 현상을 일으킵니다.
이른바 플랑드르 르네상스는 이탈리아 반도의 르네상스와 공존한다. 이 경우에는 18세기 플랑드르의 예술가들이 수행한 회화의 대혁명입니다. XV. 이 "Flemish primitives"는 평면의 연속을 통해 작업에 깊이를 부여했으며, 무엇보다 세세한 부분까지 재현해 회화적 사실주의의 이정표를 세웠다. 사물. Jan van Eyck의 그림에서 나타나는 모든 식물 종은 풍부한 세부 사항 덕분에 목록화할 수 있다고 합니다.
그러나 이탈리아의 수학적 관점은 근대 서양 예술의 위대한 승자였으며 16세기부터 사실주의는 유럽 회화를 특징지었습니다. 바로크 예술은 매우 사실적인 예술입니다. 현실을 표현하기 위해: 주름진 노인, 이가 빠진 얼굴, 더러운 발을 가진 아이들, 특별한 사진으로 포착한 과일의 정물 실재론…
예술적 사실주의의 기원으로 돌아가기
사실주의 미술은 "전통" 미술과의 첫 번째 단절이 나타난 19세기 중반까지 서양 미술계를 지배했습니다.. 인상파, 미적 흐름, 그리고 이후 포브스, 15세기 이후 "좋은" 예술의 확실한 기반으로 확립된 것이 무엇인지 질문했습니다.
20세기의 아방가르드는 일종의 기원으로의 회귀를 구성합니다. 아방가르드 예술가들은 학문적이고 공식적인 예술과 거리를 두려는 열의로 새로운 표현 방식을 모색하고 "사실주의"의 파괴 속에서 그것들을 찾습니다. 즉, 관점, 비율, 구성의 일관성입니다. 한마디로 현실의 엄격한 모방.
알려진 경우는 피카소, 그의 그림은 종종 Mozarabic 미니어처 또는 비슷한 방식으로 다음과 같은 입체파를 연상시킵니다. 2천년 전 이집트인들은 사물에 대한 사실적인 시각을 깨뜨리고 절대적으로 재현했습니다. 주걱.
극사실주의와 새로운 현실주의
종종 다른 흐름과 예술적 표현은 서로 반응합니다. 우리는 서론에서 이미 19세기의 사실주의 운동이 지난 수십 년간의 낭만주의에 대한 반응이었음을 언급했습니다. 글쎄요, 현재 우리는 예술적 파노라마에서 회화적 사실주의를 예상치 못한 한계까지 끌어올리는 흐름을 발견합니다. 우리는 소위 초현실주의 경향을 언급합니다.
극사실주의는 20세기 말 조형 예술의 개념적이고 추상적인 경향에 대한 반응으로 탄생했습니다.. 이 흐름은 자연의 모방을 최대한 표현하여 그림을 사진 복제로 바꾸는 것입니다 (사실 포토 리얼리즘이라고도 함). 구도의 선명도는 종종 보는 사람을 압도할 정도입니다. 물론 단순히 현실을 흉내낸다는 비방도 적지 않다.
문제는 고대 그리스인들이 모방에 대해 주장한 것처럼 예술이 자연을 복사해야 하는가, 아니면 새로운 것에 기여할 "의무"가 있는가 하는 것입니다. 모조품은 결코 진짜의 정확한 재현이 아니라는 전제에서 출발한다면(항상 예술가의 체를 통과한다), 아마도 우리가 스스로에게 물어봐야 할 것은 "예술이 현실적인".
