가장 중요한 바로크 회화 10점
바로크는 주로 17세기에 발생한 시대이자 예술적 흐름이다. 이 예술적 스타일에는 세계 최고의 박물관에 배포된 수많은 걸작이 있습니다.
이 기사에서 우리는 바로크 회화에 집중하고 그의 가장 중요한 그림 10점을 구출할 것입니다..
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바로크 회화
17세기에는 회화의 진정한 거장들이 등장했습니다. Velázquez, Vermeer, Rubens 또는 Ribera와 같은 예술가는 다양한 방식으로 미술사의 페이지를 채웠습니다. 이 역사적 시대와 예술의 진화를 모두 아는 데 필수적인 걸작 일반적인.
대부분의 예술 운동과 마찬가지로 바로크 양식은 단일 스타일이 아닙니다.. 각 지역과 각 국가에는 고유한 경제적, 종교적, 사회적 맥락에 따라 고유한 특성이 있었습니다. 따라서 가톨릭 국가에서는 이 스타일이 반종교 개혁의 수단이 되었지만, 개신교는 유럽의 상인과 부르주아에 의해 촉진되었기 때문에 훨씬 더 친밀하고 개인적이 되었습니다. 도시.
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바로크의 10가지 주요 그림
다음으로, 우리는 가장 중요한 바로크 회화 10점을 통해 짧은 여행을 떠날 것입니다.
1. 라스 메니나스, 디에고 벨라스케스(마드리드 프라도 미술관)
아마도 가장 많이 복제된 화보 작품 중 하나이자 세계에서 가장 유명한 작품 중 하나일 것입니다. 캔버스는 다음과 같이 알려져 있습니다. 라스 메니나스, 비록 원래 이름은 펠리페 4세의 가족. 그것은 의심할 여지 없이, 바로크 회화와 미술사 일반의 걸작 중 하나.
1656년 마드리드의 Cuarto del Príncipe del Alcázar에서 그렸으며 빛과 관점의 놀라운 게임을 재현합니다. 배경에는 거울에 비친 군주 펠리페 4세와 그의 아내 오스트리아의 마리아나의 흉상이 보입니다. 캔버스 왼쪽에서 Velázquez는 이젤에서 자화상을 찍습니다. 작품에 대한 해석은 매우 다양해졌고 계속해서 다양해지고 있습니다. 당신은 왕들을 그리고 있는데, 갑자기 그녀의 시녀들과 그녀의 수행원들을 동반한 작은 인판타 마르가리타에 의해 방해를 받습니까? 그럴지라도 그림은 보는 사람을 마치 다른 인물인 것처럼 그 장면에 완전히 몰입시킵니다.
2. 유디트와 홀로페르네스, 아르테미시아 젠틸레스키(피렌체 우피치 미술관)
몇 년 동안 아르테미시아 젠틸레스키의 비범한 작품은 회화의 역사에서 마땅히 받아야 할 자리를 되찾았습니다. Judit and Holofernes는 그의 그림 모음뿐만 아니라 일반적으로 바로크 회화의 걸작 중 하나입니다.
예술가는 우리를 대표한다 성경에 기록된 순간, 유대 여주인공 유디트가 그녀를 노리는 바빌로니아 장군 홀로페르네스를 참수하는 장면. 아르테미시아는 숨이 멎을 듯한 맹렬함으로 순간을 표현합니다. 많은 비평가들은 이 그림의 투박함에서 화가가 겪은 모든 분노와 고통을 보고 싶어했습니다. Capodimonte 박물관에 보존 된 그림의 첫 번째 버전이 실행되기 직전에 그는 위반했습니다. 나폴리. 어쨌든 멋진 키아로스쿠로, 캐릭터의 구성 및 역동성은 이 작품을 바로크 회화의 최고의 샘플 중 하나로 만듭니다.
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3. 열린 창문 앞에서 편지를 읽는 소녀, Johannes Vermeer (Alte Meister, 드레스덴)
위대하고 동시에 친밀한 Vermeer의 그림 세계는 불행히도 약 30 개의 알려진 작품으로 축소되었습니다. 이러한 예술적 생산의 부족은 이 네덜란드 바로크 예술가를 신비의 후광에 둘러싸인 화가로 만듭니다. 그 내부는 당시에 엄청나게 가치가 있었지만 나중에 망각에 빠졌고 훨씬 나중에 19세기 인상파에 의해 소유권이 주장되지 않았습니다.
우리와 관련된 작업 화가의 특징인 가정적 친밀감의 세계를 완벽하게 표현합니다.. 열린 창문으로 들어오는 우윳빛 빛이 비추는 방에서 한 젊은 여성이 집중해서 편지를 읽고 있다. 그녀의 사적인 세계는 우리가 물리적으로 도달할 수 없기 때문에 더 접근하기 어려워집니다. 전경의 테이블과 커튼이 우리를 막고 있기 때문입니다. 이 캔버스는 네덜란드의 바로크 회화와 무엇보다도 이 특별한 예술가의 작품을 채우는 애매하고 거의 유령 같은 인물의 세계의 아름다운 예입니다.
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4. 정물, Clara Peeters(마드리드 프라도 미술관)
정물이라는 장르는 미술사에서 크게 주목받지 못했는데도 불구하고 훌륭한 디테일이 요구되는 장르이며, 물론 텍스처와 표면. 이 장르의 걸작은 의심할 여지 없이 정물 화가 클라라 피터스의
그 안에서 예술가의 기교는 세심하게 묘사된 것에서만 드러나는 것이 아닙니다. 그러나 화가가 물병과 유리병에 반사적으로 그린 일련의 자화상에서 컵. 표면에 비친 모습을 담는 것은 절묘한 기교를 필요로 하는 일이었고, 클라라는 이 자원을 통해 자신의 화보 능력을 기록함은 물론, 남성이 지배하는 직업에서 예술가로서의 역할을 주장하는 방법.
5. 성 토마스의 불신, Caravaggio (Schloss Sanssouci, 포츠담)
그리스도의 부활을 앞둔 성도의 의심이라는 성경적 주제가 인상적인 자연주의로 이 작품에 집약되어 있다. 성 토마스는 예수님이 옆구리를 보신 상처에 손가락을 집어넣고 있습니다.. 그리스도께서 친히 그의 손을 인도하시며 그가 믿음으로 믿지 아니한 것을 증거로 믿도록 격려하십니다. 이 장면은 그렇게 많이, 우리가 말할 수 있는 조잡하게 말한 적이 없었습니다. Caravaggio의 특징적인 사실주의는 신체의 해부학, 이마에 주름이 잡힌 주름에서 분명합니다. 성 토마스가 직접 제시한 더러운 손톱과 무엇보다도 그분의 살에 들어가는 그의 손가락 끝에서 사도들 그리스도. Caravaggio의 작품은 바로크가 연극성과 화려함뿐만 아니라 종종 놀라운 자연주의로 현실에 접근한다는 것을 보여주는 가장 좋은 예 중 하나입니다.
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6. 십자가에 못 박힌 그리스도, José de Ribera (비토리아-가스테이즈 교구 종교 박물관)
바로크 회화의 가장 인상적인 십자가형 중 하나. 그것은 사라진 수녀원에서 Vitoria-Gasteiz의 Diocesan Sacred Art Museum에 보존되어 있습니다. 산토 도밍고는 그림에서 십자가에 못 박힌 그리스도를 가장 잘 표현한 것으로 간주됩니다. 스페인의. 중립적이고 눈에 띄게 어두운 배경에 대해 성경적 일식에 대한 아이디어를 강화 그리스도의 죽음, 예수님의 모습은 십자가에 달려 흰 몸으로 일그러진 모습으로 강요된 콘트라포스토. 유일한 빛의 근원은 그분의 몸입니다. 순결한 옷감도 그것이 못 박힌 십자가의 나무와 비슷한 색조이기 때문입니다. 이 장면은 그리스도께서 하늘을 우러러보며 “모든 것이 끝났다. 소비마툼 에스트”.
7. 포도와 멜론을 먹는 아이들, Bartolomé Esteban Murillo(Alte Pinakothek, 뮌헨)
우리는 이미 사실주의가 바로크 예술의 전형이라고 언급했습니다. 이것의 좋은 예는 화가 바르톨로메 에스테반 무리요(Bartolomé Esteban Murillo)가 뮌헨에 소장하고 있는 이 놀라운 캔버스입니다. 17세기 스페인은 현저한 대조를 이루었고 빈곤은 마드리드와 같은 도시의 거리에서 흔히 볼 수 있는 광경이었습니다. 이때 Murillo는 음식에 집중하는 두 소년을 나타냅니다. 그들은 보는 사람을 보고 있지 않습니다. 실제로 그들은 우리의 존재를 거의 알아채지 못합니다. 그들은 멜론과 포도(아마도 여러 날 동안 접할 수 있는 몇 안 되는 음식 중 하나)를 먹으면서 서로 주고받는 시선에서 볼 수 있듯이 침착하게 이야기합니다. 더러운 맨발과 낡은 옷은 사랑스러운 장면에 극적인 분위기를 더합니다.
8. 볼트 스페인 군주제의 신격화, Luca Giordano (마드리드 프라도 미술관)
거짓 프레스코 기법을 사용하여 17세기 말에 만들어진 이 환상적인 천장은 현재 마드리드의 프라도 미술관 도서관에서 볼 수 있습니다. 원래 금고는 부엔 레티로 궁전의 옛 대사 홀에 속해 있었습니다., 올리바레스 백작이 펠리페 4세 왕을 위해 지으라고 명령한 휴식과 여가의 장소.
그 이름에서 알 수 있듯이 대사의 홀은 군주의 영접 장소였으므로 천장에 표시된 도상학은 히스패닉 군주제를 찬양합니다. Giordano는 신화에서 가져온 우화와 상징이 점재하는 특별한 구성을 만듭니다. 그것은 스페인 왕관의 고대성과 다른 왕가에 비해 탁월함을 강조하기 위해 노력했습니다. 유럽 사람.
9. 세 가지 감사, 루벤스(마드리드 프라도 미술관)
분명히 루벤스는 그의 작품 중 가장 유명한 작품 중 하나인 이 캔버스를 자신의 즐거움을 위해 만들었으며, 이는 그가 사망했을 때 그의 개인 소장품 중 하나였다는 사실에서 알 수 있습니다. 사실 왼쪽 여자의 생김새는 그의 두 번째 부인의 모습과 매우 흡사하다. 루벤스가 겨우 16세에 결혼한 헬레나 푸르망과 삼. 고대부터, 약혼과 관련된 은총의 이유를 찾는 것이 일반적입니다., 따라서 작가가 자신의 링크에 대한 찬사로 그림을 그렸다고 가정하는 것은 무리가 없어 보입니다. 세 인물은 관능적으로 서서 일종의 춤처럼 보이는 손을 맞잡는다. 그것은 실제로 예술가의 가장 우아하고 관능적인 그림 중 하나입니다.
10. 램프의 참회하는 막달레나, 조르주 드 라 투르(파리 루브르 박물관)
De La Tour는 하나 이상의 양초의 빛에 의해 달성되는 그의 작곡에서 절묘한 chiaroscuro로 유명한 환상적인 화가입니다.
이 경우 그림은 명상에 몰두한 막달라 마리아를 보여줍니다.. 그녀의 시선은 작가의 작업에서 여느 때처럼 그림 속 유일한 빛의 원천인 그녀 앞에 타오르는 촛불의 불에 고정되어 있다. 성인은 한 손으로 머리를 받치고, 다른 한 손으로는 무릎에 얹고 바로크 양식의 전형적인 고행과 삶의 덧없음을 상징하는 두개골을 들고 있습니다. 참회하는 막달레나 모티프는 17세기에 매우 흔했습니다. 드 라 투르 자신도 이 그림을 다섯 가지 버전으로 만들었습니다. 그 중 두 개에서 두개골은 탁자 위에 있고 그 부피로 인해 촛불의 불이 가려져 장면의 명암을 더욱 강조합니다.
