추상화: 11개의 가장 유명한 작품 발견
또는 Abstractionism, ou Abstract Art는 비 구상적인 디자인에서 기하학적 구성으로 실행되는 직물에 이르기까지 매우 다양한 작품을 결합하는 운동입니다.
추상적인 작업의 의도로 형태, 색상, 질감을 보여주며 화해되지 않은 요소를 드러내고 객관적이지 않은 예술에서 세계에 대한 읽기를 자극한다.
1. Amarelo-Vermelho-Blue바실리 칸딘스키
1925년에 제작된 캔버스, 항목 제목 없음 os nomes das cores primárias. 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky, 1866)는 러시아인의 머리카락(1866)으로 그렸으며, 현재는 파리(프랑스) 조르주 퐁피두 센터에 있는 국립현대미술관에 소장되어 있습니다.
Kandinsky는 추상 스타일의 선구자로 간주되거나 음악과 밀접하게 연결된 예술가였습니다. 그래서 그는 다음과 같은 추상 작곡의 일부였습니다. Amarelo-Vermelho-Blue, 음악의 관계에서 만들어진 형식, 핵심과 형식.
큰 치수(127cm x 200cm)의 캔버스에는 기본 코어에서 실행되고 오버컷된 다양한 기하학적 모양(예: 원, 직사각형 및 삼각형)이 있습니다. 작가의 목표는 페소아를 행사하는 핵심과 형태인 심리적 효과에 주목하는 것이었다.
이 문제와 관련하여 Kandinsky는 높이에서 다음과 같이 확언했습니다.
“영혼에 직접적인 영향을 미치는 핵심. A cor é a 키; 또는 olho, 또는 망치. 영혼이나 악기에 당신은 천 개의 현을 줍니다. 또는 이 건반이나 저 건반을 연주할 때 비브라상으로 영혼을 얻는 아티스트가 바로 내 아티스트입니다. 인간의 영혼이 만지는 것은 가장 민감한 부분이 아니다"라고 답했다.
2. 5번잭슨 폴록
천에 5번 나는 1948년에 북미 화가 잭슨 폴록에 의해 자랐습니다. 잭슨 폴록은 그의 작품을 비교하는 완전히 새로운 방법을 모색하기 시작한 해가 아니었습니다.
그의 방법은 작업실에 놓인 얼룩진 천에 에나멜 잉크를 붓는 것이었습니다. 이 기술을 통해 linhas의 emaranhado, 그리고 나중에 ganhou 또는 "방울에 의한 그림"(ou 똑똑, 영어) Pollock은 추상화의 두 가지 주요 이름이었습니다.
1940년부터 화가 tinha reconhecimento는 비판과 대중을 제공합니다. 천에 5번, feita not apex da sua carreira 및 imensa, possui 2.4m x 1.2m.
이 작품은 2006년 5월 개인 수집가에게 14만 달러에 팔려 당시 사상 최고가를 경신했다.
3. 인술라 둘카마라폴 클레
1938년 또는 귀화한 독일인 파울 클레(Paul Klee)는 가로 형식으로 7개의 큰 그림을 그렸습니다. 인술라 둘카마라 é um desses painéis.
모든 작품은 당일 카르바오로 윤곽을 그렸고, 이를 클레 코루(Klee colou) 또는 리뉴(linho) 위에 올려 매끄럽고 차별화된 표면을 얻습니다. 다양한 부분에서 두 가지 고통과 임금의 가능한 부분이 사용되었는데, 이는 Klee 자신에게 묶여 있는 즐겁고 예상치 못한 놀라움이었습니다.
Insula Dulcamara는 그의 자유로운 액세서리가 흩어져 있고 정의된 모양을 가진 화가의 두 가지 더 즐거운 작품입니다. 작품의 제목은 라틴어로 "insula"(ilha), "dulcis"(12, amavel) 및 "amarus"(쓴맛)를 의미하며 "Ilha doce e amarga"로 해석될 수 있습니다.
직물은 수명의 마지막 6년 동안 길러졌으며 이에 대해 Klee deu는 다음과 같은 진술을 했습니다.
"우리는 소화할 수 없는 요소가 아니라 우리 자신이 관여하는 것을 기대해서는 안 됩니다. 우리는 동화하기 더 어려운 것들이 방해하거나 균형을 이루지 않기를 바랄 뿐입니다. 이런 식으로 삶은 확실히 질서 정연한 부르주아적 삶보다 더 압도적입니다. 그리고 각각의 um é livre는 당신의 몸짓에 따라 또는 12 사이 또는 2개의 pratos da balança 사이를 호위합니다."
4. Amarelo, Azul e Vermelho의 작곡피트 몬드리안
Amarelo, Azul e Vermelho의 작곡 처음에는 1937년에서 1938년 사이에 파리에서 그렸지만 몬드리안이 다른 사람들의 아름다운 선과 악센트 중 일부를 재배치한 1940년에서 1942년 사이에 뉴욕에서 개발되었습니다. 1964년 이후로 Tate St Ives(영국 콘월)의 컬렉션이 발견되지 않았습니다.
또는 몬드리안의 관심은 추상적인 품질에 있었습니다. 엠보라는 시간이 흐르거나 추상화에 투자하는 화가로서 구상 작업으로 경력을 시작했으며 1914년에는 작업의 곡선을 급진화하고 실질적으로 제거했습니다.
프랑스 화가는 엄격한 추상화의 새로운 형태를 개발했습니다. 신생물, 선, 수평선 및 수직선, 기본 기본 코어로 제한되었습니다. 일반적으로 그들의 구성은 대칭적이지 않았습니다. Uma curiosidade: linhashorizontais는 일반적으로 verticais 시대 이전에 그려졌습니다.
몬드리안은 이 특정한 유형의 예술이 구상 회화보다 더 크고 보편적인 진리를 반영한다고 느꼈습니다.
5. 최고 주의자 구성, 카지미르 말레비치
Assim as Mondrian 또는 소련 화가 Kazimir Malevich는 새로운 예술 형식을 만들었습니다. 또는 우월주의 1915년에서 1916년 사이에 러시아에서 태어났다. 동료 추상주의자들처럼 그의 가장 큰 소원은 모든 사물의 물리적 존재를 부정하는 것이었다. 아이디어는 순도를 달성하는 것, 또는 사육자 자신이 말했듯이 "우월함은 순수한 감각을 준다"는 것이었습니다.
Assim, 추상 작품을 만들었습니다. 최고 주의자 구성 1916년, 새로운 스타일의 본질적인 특징을 제시합니다. 88.5cm × 71cm 크기의 이 작품은 개인 소장품의 일부입니다.
이 기법은 단순한 기하학적 모양을 사용하고 팔레트를 선호하는 것이 특징입니다. 또한 단순하고 1차 및 2차 코어가 때로는 겹쳐지고 다른 코어는 나란히 배치됩니다. 측면. O는 o vazio를 대표하는 é quase semper branco nas criações de Malevich를 설립했습니다.
6. 오 우로 도 궁창조안 미로
O espanhol Joan Miró는 관찰자의 상상과 해석에 주로 의존하는 단순한 형태에서 장엄한 의미를 추출하는 데 전념한 예술가였습니다.
의 경우입니다 오 우로 도 궁창, 캔버스에 아크릴 기법을 사용하여 1967년에 만든 그림이며 해당 페이지는 바르셀로나의 Fundação Joan Miró 컬렉션에 속해 있습니다.
Nessa 구성에서 우리는 모든 형태를 둘러싸는 기쁨과 연결된 전류인 아마렐로의 우세를 봅니다.
나머지 모양과 선이 주님께로 흘러 들어가는 것처럼 보이기 때문에 파란색으로 퇴색된 큰 덩어리가 눈에 띄는 자리를 차지합니다.
O 작업은 자발적으로 조사하고 그림에서 정확한 형태를 만드는 데 전념한 Miró의 창작 과정의 종합으로 간주됩니다.
7. 럼주와 신문후안 그리스
1913년에서 1914년 사이에 스페인 입체파 화가 Juan Gris가 그렸거나 캔버스에 유성 잉크로 작업한 이 작품은 현재 Tate Modern(런던) 컬렉션에 속해 있습니다. 회색은 평평하고 질감이 있는 코어 오버레이를 자주 사용하며, 럼주와 신문 그의 기술의 귀중한 표본입니다.
또는 당신이 가장 대표적인 작품으로 제시하는 그림이 교차하는 각면에서 이미지를 불러옵니다. 그들 중 많은 부분이 과거의 나무 뻗기이며 아마도 탁상을 암시하며 그것들이 어떻게 중첩되고 상호 연결되는지를 보여주며 실제와 연결된 원근법의 가능성을 부인합니다.
제목의 병 및/또는 일지는 최소한의 단서로 표시됩니다. 일부 문자, 개요 및 위치 제안은 두 개체의 정체성에 베팅하기에 충분합니다. 또는 quadro는 상대적으로 작은 치수(46cm x 37cm)를 가졌습니다.
8. 짙은 붉은색에 검은색마크 로스코
suas cores fortes e funnebres로 인해 비극적 인 그림으로 간주되며, 딥 레드의 블랙1957년에 자란 그는 북미 화가 Mark Rothko의 후계자 작품 두 점입니다. 그가 그림을 그리기 시작한 1950년대부터 Rothko almejava는 보편성에 도달했으며 매년 점점 단순화된 형태를 발견했습니다.
블랙엠 딥 레드 특징적인 형식은 작가의 두 작품을 따르며, 단색 직사각형이 쿼드로의 두 가지 한계 안에 떠 있는 것처럼 보이지 않습니다.
미세한 피그먼트 층으로 원단을 직접 염색하고 에이전시나 화가가 닿는 경계선에 특별한 주의를 기울인다. 효과는 이미지 자체에서 빛을 발산합니다.
이 작품은 현재 2000년에 3천 달러가 넘는 놀라운 가격에 팔린 개인 소장품에 속해 있습니다.
9. Concetto spaziale '아테사'루시오 폰타나
아르헨티나 화가 루시오 폰타나가 1958년에서 1968년 사이에 밀라노에서 제작한 일련의 작품 중 일부의 얼굴에 캔버스가 자라고 있습니다. 한 번 이상 재단된 천으로 구성된 이러한 작업을 총칭하여 탈리("컷")라고 합니다.
전체적으로 볼 때 Fontana의 são 또는 mais 광범위하고 다양한 작품 그룹은 미학을 상징하는 것으로 간주됩니다. 또는 두 개의 푸로스를 조준하는 것은 말 그대로 작품의 표면을 부수어 관객이 알렘인 공간을 인지할 수 있도록 하는 것입니다.
Lúcio Fontana는 1940년대부터 직물의 방향제 기술을 개발하기 시작했습니다. 1950년대와 1960년대의 조형예술가는 자신의 독특한 몸짓으로 부라코를 푸는 다양한 방법을 모색하고 있다.
Fontana는 직물에 시트가 부착된 펜다와 같은 얼굴을 하고, 뒤에서 보면 vazio의 모습을 제공하여 나중에 Gaze preta forte라는 별명을 얻었습니다. 1968년 폰타나는 면접관과 다음과 같이 말했습니다.
"Eu는 무한 차원(...) minha descoberta foi o buraco e é isso를 만들었습니다. 피코는 그런 데스코베르타의 고분 매장에 가서 행복하다"
10. 반대 구성 VI테오 반 두스부르크
네덜란드 예술가 Theo van Dosburg(1883-1931)는 캔버스에 유성 잉크를 사용하여 1925년까지의 작품을 정사각형 형식으로 그렸습니다.
기하학적이고 대칭적인 모양이 조심스럽게 배열되어 잉크로 덮이기 전에 선이 선험적으로 함께 그려집니다.반대 구성 VI 얼굴은 특히 대각선 모양과 단색 톤을 선호하는 컬렉션의 일부입니다.
화가가 되는 것 외에도 van Dosburg는 작가, 시인 및 건축가이기도 하며 De Stijl 예술가 그룹과 관련이 있습니다. 또는 일 반대 구성 VI, 50cm x 50cm는 1982년 Tate Modern(런던)에서 인수했습니다.
11. 메타 스키마헬리오 오이티시카
브라질의 플라스틱 아티스트 Hélio Oiticica는 1957년에서 1958년 사이에 만들어진 다양한 메타 스키마의 이름을 지정합니다. 그것은 판지에 구아슈 잉크로 칠해진 기울어진 직사각형을 나르는 그림을 다룬다.
매끄럽고 겉보기에 빈 표면에 직접 적용된 단색 몰딩(어쨌든 또는 베르멜호)이 있는 기하학적 모양이 있습니다. 형태는 경사진 각도로 조립되는 조밀한 구성으로 구성됩니다.
Oiticica는 그가 리우데자네이루에 살면서 일할 때 일련의 그림을 그렸습니다. 두 번째 또는 자신의 화가인 그는 "강박적인 공간의 해부"로 취급되었습니다.
예술가가 미래에 개발하지 않을 더 복잡한 3차원 작업을 위한 포럼 또는 초기 연구 폰타페. 엠 2010, 음 메타 스키마 Christie's에서 US $122.5,000에 팔렸습니다.
아니면 추상주의 또는 추상주의가 무엇이었습니까?
역사적으로 추상 작품은 20세기 초가 아니라 현대 미술 운동의 맥락에서가 아니라 유럽에서 발전하기 시작했습니다.
정복된 대상을 표현하기 위한 것이 아니며 자연을 모방하지 않는 작업에 관한 것입니다. 따라서 대중의 첫 반응과 비판은 이해할 수 없는 아이들에 대한 거부였다.
따라서 추상 미술은 구상적 모델로서 파괴된다는 점에서 정확히 비판을 받았다. 이러한 유형의 작업은 외부 현실 및 재현과 연결할 필요가 없습니다.
그러나 템포를 지날수록 작품은 더 많은 오일을 형성하고 아티스트는 자신의 스타일을 깊이 탐구할 수 있습니다.
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