Realisme in de kunst: kenmerken, oorsprong en voorbeelden

Kunst is een intrinsiek menselijke expressie. Precies om deze reden, en vanwege de buitengewone culturele diversiteit die altijd heeft bestaan, elk tijdperk en elke gemeenschap heeft artistieke creatie op verschillende manieren uitgeoefend, kunst aangepast aan hun eigen behoeften aan expressie en communicatie.

Kunst heeft niet altijd geprobeerd de werkelijkheid na te bootsen; niet alleen in de avant-garde van de 20e eeuw kende het een aanzienlijke afwijking ervan, maar ook niet we vinden realisme in de artistieke expressie van beschavingen zoals het oude Egypte of het Westen middeleeuws. Er zijn echter culturen en historische momenten geweest waarin de nabootsing van de natuur het belangrijkste was en het idee volledig ondergeschikt was aan de weergave van de werkelijkheid.

Hoe is het realisme in de kunst ontstaan? Wat is jouw evolutie geweest? In dit artikel proberen we een rondleiding te trekken langs de verschillende artistieke uitingen en hun mate van realisme.

Wat is realisme in de kunst?

Het is belangrijk twee concepten te onderscheiden: realisme als artistieke stroming en realisme als kenmerk van een kunstwerk.. Dus terwijl de eerste een plastische en literaire beweging is die beperkt is tot de decennia die gaan van 1840 tot 1880, realisme in termen van kenmerk van een kunstwerk heeft te maken met de mate van realisme die het werk presenteert, namelijk: perspectief, verhoudingen, volumes, ruimte, enz

Zo behoren niet alle realistische werken tot de stroming van het realisme, evenmin als een ingelijst werk in deze beweging hoeft het geen realistische kenmerken te vertonen (hoewel dat laatste niet de meest gebruikelijke is).

Kenmerken van het realisme als artistieke stroming van de 19e eeuw

De Realisme-beweging ontstond in Frankrijk en betekende een duidelijk antwoord op haar voorganger, de Romantiek. Op deze manier, terwijl de laatste zich liet inspireren door legendarische thema's en menselijke emoties tot een hoogtepunt bracht, Het realisme stelde een radicale wending voor en richtte zijn blik op de omringende realiteit van alledag. Deze realistische visie van de onderwerpen werd, met Naturalism (de "donkere" zoon van realisme), een gemene verkenning van de onderwereld en de donkerste situaties van de mensheid. Enkele van de belangrijkste picturale vertegenwoordigers van deze stroming zijn Jean-François Millet en, op literair gebied, Émile Zola, die wordt beschouwd als de vader van het naturalisme.

We hebben dus dat realisme en naturalisme, in termen van artistieke stromingen van de XIX, thema's onderzoeken verband houden met het dagelijks leven en afstand nemen van motieven die niet gebaseerd zijn op een empirische observatie van de omgeving van de kunstenaar. Daarom vertegenwoordigen zowel het een als het ander (vooral het naturalisme) vaak een scherpe aanklacht tegen de sociale onzekerheid die met de industriële revolutie gepaard ging.

Aan de andere kant hangt realisme als kenmerk van een kunstwerk, zoals we al zeiden, samen met zijn formele kenmerken. Met dit voorbeeld zal het vrij duidelijk zijn: een renaissancewerk met een wiskundig perspectief en respect voor de figurenvolumes is een formeel realistisch werk, maar het is geenszins beperkt tot de actualiteit Realistisch uit de 19e eeuw

• Gerelateerd artikel: Wat zijn de 7 Schone Kunsten?

Sinds wanneer bestaat realisme in de kunst?

Reeds in de eerste artistieke uitingen (de zogenaamde rotskunst) vinden we kenmerken waar we aan zouden kunnen denken realistisch. Want, ondanks het feit dat we in de bizons van Altamira en in de paarden afgebeeld in de grotten van Lascaux (Frankrijk) geen enkele aanwijzing vinden van perspectief of een authentiek verlangen om een ​​echte scène weer te geven, vinden we ongebruikelijke details in de weergave van de dieren.

Desondanks kunnen we nog niet spreken van realistische kunst, aangezien grotschilderingen Over het algemeen presenteren ze een duidelijke schematisering en zouden ze eerder aan een kunst gerelateerd zijn conceptueel. Eigenlijk, in grote lijnen, de kunst van de mensheid was nooit strikt realistisch tot de komst van de Renaissance, met uitzondering natuurlijk van Griekse en Romeinse kunst.

In Egypte vinden we opnieuw een conceptuele kunst bij uitstek: er worden pogingen gedaan om concepten en ideeën uit te drukken, en zelfs scènes dagelijkse activiteiten volgen duidelijke conventies die niets te maken hebben met een mimetische weergave van de werkelijkheid omgeving. In de kunst van het oude Egypte zijn de scènes georganiseerd in horizontale banden en is er geen realistische volgorde van de elementen van de voorstelling.. Bovendien werden de belangrijkste delen van elk element gekozen, zodat het gezicht in profiel werd weergegeven, de ogen en romp vooraan en de benen aan de zijkant. Dit gehoorzaamde aan geen enkele realiteit en was uitsluitend ondergeschikt aan de wens om de meest herkenbare delen van elk element weer te geven.

Dat wil zeggen, de Egyptenaren 'vormden' de werkelijkheid op hun eigen manier. De kunstenaars uit de Nijlvallei volgden strikt een schaalsysteem dat verband hield met het belang van het vertegenwoordigde individu. Zo vinden we in dezelfde scène en op hetzelfde vlak sommige figuren veel groter dan andere. Dit verschil in grootte is niet te wijten aan enige poging tot perspectief, maar is eerder gekoppeld aan de (overigens zeer strikte) hiërarchie van de Egyptenaren: een god zal altijd veel groter worden voorgesteld dan een farao, deze zal altijd veel groter zijn dan zijn vrouw en kinderen, enz

Deze conceptuele representatie zal teruggevonden worden in de middeleeuwse kunst, zoals we later zullen zien. Maar tussen de kunst van oude beschavingen en de middeleeuwen was er een kort haakje van realistische kunst: Griekse kunst en Romeinse kunst, die we hieronder zullen bespreken.

• Mogelijk bent u geïnteresseerd in: "10 curiositeiten over beroemde kunstwerken"

Het "realistische" haakje: Griekenland en Rome

Archaïsche Griekse kunst was nauw verwant aan de manier van representatie van de volkeren van het Oosten, vooral Egypte. Echter, tegen de VI eeuw a. C. er begon iets te veranderen. Het is de zogenaamde klassieke Griekse periode, waarin een soort plastische voorstellingen die meer aansluiten bij de werkelijkheid wordt aangemoedigd.

De groeiende belangstelling van de Grieken voor de menselijke anatomie heeft geleid tot een sculpturale productie die de natuur strikt imiteert. is de griekse mimesis, de poging om de werkelijkheid vast te leggen zoals ze is, dus volgens criteria van proportie, volume en symmetrie.

Ondanks het vastleggen van enorm realistische anatomieën in marmer en brons, mogen we echter niet vergeten dat deze werken tegelijkertijd gehoorzaamden aan wat zij begrepen als "ideale schoonheid". Met andere woorden, hoewel anatomisch perfect, vertegenwoordigen de goden en godinnen in de Griekse beeldhouwkunst prototypen, geen concrete, identificeerbare personen.

Daarvoor moeten we wachten op Rome, waar de individualisering via het portret ongekende hoogten bereikt. Aan de andere kant, de fresco's gevonden in Pompeii, vooral die overeenkomen met de zogenaamde tweede en vierde Pompeiaanse stijl, toon een realisme dat pas in de westerse schilderkunst terug te vinden zal zijn XV eeuw.

Deze schilderijen bleven eeuwenlang verborgen, begraven door de overblijfselen van de as geproduceerd door de uitbarsting van de Vesuvius. Paradoxaal genoeg zorgde de ramp ervoor dat de overblijfselen praktisch intact bleven tot de ontdekking van de ruïnes in de 18e eeuw. De verrassing van de ontdekkers was enorm, want voor hun ogen werden enkele schilderijen van voortreffelijke kwaliteit en een nog verrassender realisme getoond.

Inderdaad, in de fresco's van de zogenaamde tweede Pompeiaanse stijl worden ze door een raam getoond fictieve, zeer uitgebreide architectonische perspectieven, die echt een ruimte lijken te "openen". Muur. Dezelfde techniek werd vele eeuwen later door Masaccio gebruikt in zijn fresco van de Drie-eenheid, uit de Florentijnse Santa Maria Novella, die zijn tijdgenoten verbaasde omdat het een gat in de muur van de kerk leek te openen.

middeleeuws kunststof

Masaccio's werk was voor zijn tijd zeer vernieuwend; Laten we aannemen dat er sinds de fresco's van Pompeius geen poging is gedaan om een ​​ruimte te creëren met zo'n uitgesproken realisme. De middeleeuwse kunst die volgde op de laatste jaren van het Romeinse rijk is over het algemeen (we kunnen hier niet bij alle stijlen en verschijningsvormen stilstaan) schematisch en bij uitstek conceptueel.

Op dezelfde manier als de Egyptenaren vertegenwoordigden middeleeuwse kunstenaars geen echte ruimtes en elementen, maar brachten ze via schilderkunst en beeldhouwkunst een reeks concepten en ideeën tot uitdrukking. Elementen als symmetrie en volume gaan in dit soort werk verloren., maar niet, zoals velen hebben beweerd (en helaas nog steeds beweren) omdat "ze niet wisten hoe ze moesten schilderen", maar omdat hun doel bij het weergeven van deze werken niet was om de natuur te imiteren.

Er zijn veel onderwerpen over Romaanse "onuitsprekelijkheid"; onuitsprekelijkheid die niet zo is, die snel kan worden gewaardeerd als men zorgvuldig nadenkt over enkele van de bewaard gebleven reliëfs. Want hoewel romaanse beeldende kunst (en middeleeuwse kunst in het algemeen) bij uitstek conceptueel is (net als Egyptische beeldende kunst), is het niet waar dat het aan expressie ontbreekt. Het probleem is dat hun uitdrukkingsvorm niet de onze is, dus veel van de manieren waarop romaanse kunstenaars gevoelens en emoties moesten vastleggen, komen niet overeen met onze huidige taal.

Aan de andere kant zijn veel van de kunstwerken van de romaanse kunst geladen met details, die zich kunnen manifesteren in de herfst van de plooien van een tuniek (schematisch, maar vaak zeer gedetailleerd) of in de boorden die een tafelkleed uit de Laatste Diner.

Het bereiken van perspectief

Aan het begin van de vijftiende eeuw markeerde Filippo Brunelleschi een mijlpaal in de kunstgeschiedenis door de procedure voor wiskundig of lineair perspectief vast te stellen. Even later schreef Alberti de nieuwe theorieën van Brunelleschi in zijn werk van foto (1435). Vanaf dat moment zal de westerse kunst worden gebouwd op deze voorschriften, die zullen worden beschouwd als de basis van "goede" schilderkunst.

Dus, Gedurende de hele 15e eeuw en een deel van de 16e eeuw probeerde de Italiaanse renaissance in haar picturale werken een lineair perspectief te reproduceren.. Dit perspectief wordt bereikt door het creëren van een verdwijnpunt, van waaruit alle lijnen tevoorschijn komen die de ruimte van het schilderij vormen. Dit produceert een optische illusie die de hersenen het gevoel van diepte geeft.

De zogenaamde Vlaamse Renaissance bestaat naast de Renaissance van het Italiaanse schiereiland, een andere van de grote revoluties in de schilderkunst die in dit geval door de kunstenaars van Vlaanderen in de 18e eeuw werden bewerkstelligd. XV. Deze “Vlaamse primitieven” gaven hun werken diepte door de opeenvolging van vlakken en, Bovenal zetten ze een mijlpaal in het picturaal realisme door alle details van de voorwerpen. Er wordt gezegd dat in de schilderijen van Jan van Eyck alle plantensoorten die voorkomen, gecatalogiseerd kunnen worden dankzij de overvloed aan details.

Het Italiaanse wiskundige perspectief was echter de grote winnaar van de westerse kunst van de moderne tijd en vanaf de 16e eeuw markeerde het realisme de Europese schilderkunst. Barokke kunst is een bij uitstek realistische kunst omdat ze, ondanks dat ze (redelijk) bekend staat als een verheven en zeer emotionele kunst, ook een plaats voor de weergave van de werkelijkheid: oude mannen met rimpels, tandeloze gezichten, kinderen met vieze voeten, stillevens van fruit vastgelegd met buitengewone realisme…

Keer terug naar de oorsprong van het artistiek realisme

Realistische kunst domineerde de westerse kunstscène tot halverwege de 19e eeuw, toen de eerste breuken met 'traditionele' kunst opdoken.. Impressionisten, esthetische stromingen en, later, fauvisten, vroeg zich af wat sinds de vijftiende eeuw was vastgesteld als de onbetwistbare basis van 'goede' kunst.

De avant-garde van de 20e eeuw vormt dus een soort terugkeer naar de oorsprong. Avant-gardekunstenaars zoeken, in hun gretigheid om afstand te nemen van academische en officiële kunst, nieuwe manieren van expressie en vinden die in de vernietiging van het 'realisme'; dat wil zeggen, het perspectief, de proportie, de compositorische samenhang. Kortom, de strikte nabootsing van de werkelijkheid.

Bekend is het geval van Picasso, wiens tekeningen vaak doen denken aan Mozarabische miniaturen, of de kubisten die, zoals de Egyptenaren braken meer dan twee millennia eerder de realistische visie van objecten en reproduceerden ze in een absoluut subjectief.

Hyperrealisme en de nieuwe realistische stromingen

Vaak reageren de verschillende stromingen en artistieke uitingen op elkaar. We hebben in de inleiding al vermeld hoe de realistische beweging van de 19e eeuw een reactie was op de Romantiek van de voorgaande decennia. Welnu, momenteel vinden we in het artistieke panorama een stroming die het picturaal realisme tot onvermoede grenzen verheft; we spreken van de zogenaamde hyperrealistische stroming.

Het hyperrealisme ontstond aan het eind van de 20e eeuw, mede als reactie op de conceptuele en abstracte tendens van de beeldende kunst.. Deze stroming brengt de imitatie van de natuur tot zijn maximale expressie, waardoor zijn schilderijen fotografische reproducties worden (in feite wordt het ook wel fotorealisme genoemd). De scherpte van de composities is van dien aard dat het vaak echt overweldigend is voor de kijker; Natuurlijk is er geen tekort aan tegenstanders, die het een simpele imitator van de werkelijkheid noemen.

De vraag is: moet kunst de natuur kopiëren, zoals de oude Grieken betoogden met hun mimesis, of heeft ze een 'plicht' om iets nieuws bij te dragen? Als we uitgaan van de basis dat een imitatie nooit een exacte reproductie is van het echte werk (aangezien het altijd door de zeef van de kunstenaar gaat), moeten we ons misschien afvragen of "kunst realistisch".