De 10 belangrijkste barokschilderijen

De barok is een tijdperk en een artistieke stroming die voornamelijk in de 17e eeuw plaatsvond. Deze artistieke stijl kent tal van meesterwerken, verdeeld over de beste musea ter wereld.

In dit artikel we zullen ons concentreren op de barokschilderkunst en we zullen 10 van zijn belangrijkste schilderijen redden.

• Gerelateerd artikel: "Wat zijn de 7 Schone Kunsten? Een samenvatting van de kenmerken"

Barok schilderij

De 17e eeuw was getuige van de opkomst van ware meesters in de schilderkunst. Kunstenaars als Velázquez, Vermeer, Rubens of Ribera vulden op tal van manieren de pagina's van de kunstgeschiedenis. meesterwerken, essentieel om zowel deze historische periode als de evolutie van kunst in te kennen algemeen.

Zoals met de meeste kunststromingen, is de barok geen enkele stijl.. Elke regio en elk land had zijn eigen kenmerken, gedreven door zijn eigen economische, religieuze en sociale context. Zo diende deze stijl in katholieke landen als vehikel voor de contrareformatie, in de regio's Protestanten werden veel intiemer en persoonlijker, omdat het werd gepromoot door de kooplieden en bourgeois van de steden.

• Mogelijk bent u geïnteresseerd in: "De 4 belangrijkste kenmerken van de barok"

De 10 belangrijkste schilderijen van de barok

Vervolgens maken we een korte trip langs de 10 belangrijkste barokschilderijen.

1. Las Meninas, door Diego Velázquez (Museo del Prado, Madrid)

Het is waarschijnlijk een van de meest gereproduceerde schilderwerken en een van de beroemdste ter wereld. Het canvas staat bekend als Las Meninas, hoewel de oorspronkelijke naam was De familie van Felipe IV. Het is zonder twijfel een van de meesterwerken van de barokschilderkunst en de kunstgeschiedenis in het algemeen.

Het werd geschilderd in 1656 in de Cuarto del Príncipe del Alcázar in Madrid en het creëert een verbazingwekkend spel van licht en perspectief. Op de achtergrond, weerspiegeld in een spiegel, zien we de bustes van de vorsten, koning Felipe IV en zijn vrouw Mariana van Oostenrijk. Links van het doek maakt Velázquez een zelfportret bij de ezel. Interpretaties van het werk zijn en blijven zeer gevarieerd. Ben je de koningen aan het schilderen en word je plotseling onderbroken door de kleine infanta Margarita, die wordt vergezeld door haar menina's en haar entourage? Hoe het ook zij, het schilderij dompelt de toeschouwer volledig onder in de scène, alsof hij er een ander personage in is.

2. Judith en Holofernes, door Artemisia Gentileschi (Uffizi Gallery, Florence)

Sinds enkele jaren krijgt het buitengewone werk van Artemisia Gentileschi de plaats terug die het verdient in de geschiedenis van de schilderkunst. Judit en Holofernes is een van de meesterwerken, niet alleen van zijn picturale corpus, maar van de barokke schilderkunst in het algemeen.

De kunstenaar vertegenwoordigt ons het moment, vastgelegd in de Bijbel, waarop Judith, de joodse heldin, Holofernes onthoofdt, een Babylonische generaal die haar wil hebben. Artemisia vertegenwoordigt het moment met een wreedheid die je adem bevriest. Veel critici hebben in de ruwheid van dit schilderij alle woede en het lijden willen zien dat de overtreding waarvan hij het slachtoffer was kort voor de uitvoering van de eerste versie van het schilderij, bewaard in het Museum van Capodimonte, Napels. Het prachtige clair-obscur, de compositie en de dynamiek van de personages maken dit werk in ieder geval tot een van de beste staaltjes van de barokke schilderkunst.

• Gerelateerd artikel: "De 7 beste musea in Spanje die je niet mag missen"

3. Meisje dat een brief leest voor het open raam, door Johannes Vermeer (Alte Meister, Dresden)

Het grote en tegelijkertijd intieme picturale universum van Vermeer is helaas teruggebracht tot een dertigtal erkende werken. Deze schaarste aan artistieke productie maakt deze Nederlandse barokkunstenaar tot een schilder omgeven door een halo van mysterie. De interieurs werden destijds enorm gewaardeerd, hoewel ze later in de vergetelheid raakten en pas veel later werden opgeëist door de 19e-eeuwse impressionisten.

Het werk dat ons bezighoudt vertegenwoordigt perfect dat universum van huiselijke intimiteit dat kenmerkend is voor de schilder. In een kamer die wordt verlicht door het melkachtige licht dat door een open raam naar binnen valt, is een jonge vrouw geconcentreerd bezig met het lezen van een brief. Haar privéwereld wordt ontoegankelijker omdat we er fysiek niet bij kunnen, aangezien de tafel en het gordijn op de voorgrond ons dat verhinderen. Dit doek is een prachtig voorbeeld van de barokschilderkunst uit Nederland en vooral van die wereld van ongrijpbare en bijna spookachtige personages die het werk van deze buitengewone kunstenaar bevolken.

• Mogelijk bent u geïnteresseerd in: "Verschillen tussen renaissance en barok: hoe ze uit elkaar te houden"

4. Stilleven, door Clara Peeters (Prado Museum, Madrid)

Het genre van stillevens staat in de kunstgeschiedenis niet hoog aangeschreven, ondanks het feit dat het dat wel is van een genre dat veel detail vereist en, natuurlijk, een onbetwistbaar vermogen om texturen vast te leggen en oppervlakken. Een meesterwerk van het genre is dit zonder twijfel Stilleven van de kunstschilder Clara Peeters.

Daarin komt de virtuositeit van de kunstenaar niet alleen tot uiting in de zorgvuldige weergave van de elementen, maar in de reeks zelfportretten die de schilder maakte, als weerspiegeling, in de kan en in de beker. Het vastleggen van een weerspiegeling op een oppervlak was iets dat voortreffelijke virtuositeit vereiste, en Clara legt haar picturale vaardigheid vast door middel van deze bron, maar ook als een manier om je rol als artiest op te eisen in een door mannen gedomineerd beroep.

5. Het ongeloof van Sint Thomas, door Caravaggio (Schloss Sanssouci, Potsdam)

Het bijbelse thema van de twijfel van de heilige voor de opstanding van Christus wordt in dit werk met een indrukwekkend naturalisme gebundeld. Sint Thomas steekt een vinger in de wond die Jezus aan een van zijn zijden bekijkt. Christus zelf leidt zijn hand en moedigt hem aan om door fysiek bewijs te geloven wat hij niet door geloof heeft geloofd. Deze scène was nog nooit met zoveel, we zouden kunnen zeggen, grofheid verteld. Het karakteristieke realisme van Caravaggio komt tot uiting in de anatomie van de lichamen, in de rimpels die de voorhoofden van de apostelen, in de vuile nagels die Sint Thomas zelf presenteert en vooral in het topje van zijn vinger dat het vlees binnendringt Christus. Het werk van Caravaggio is een van de beste voorbeelden dat de barok niet alleen theatraliteit en praal is, maar ook vaak de werkelijkheid benadert met een verrassend naturalisme.

• Gerelateerd artikel: "Is er een kunst objectief gezien beter dan een andere?"

6. gekruisigde Christus, door José de Ribera (diocesaan museum voor heilige kunst, Vitoria-Gasteiz)

Een van de meest indrukwekkende gekruisigde van de barokke schilderkunst. Het wordt bewaard in het Diocesaan Museum voor Heilige Kunst van Vitoria-Gasteiz, uit het verdwenen klooster van Santo Domingo, en wordt beschouwd als een van de beste afbeeldingen van de gekruisigde Christus in de schilderkunst. Spaans. Tegen een neutrale en uitgesproken donkere achtergrond, wat het idee van de bijbelse zonsverduistering die gepaard ging, versterkt dood van Christus, de figuur van Jezus stijgt op het kruis, met het witte lichaam en verwrongen in een gedwongen contraposto. De enige bron van licht is zijn lichaam, aangezien zelfs het zuivere doek dezelfde tint heeft als het hout van het kruis waaraan het is vastgespijkerd. De scène lijkt het moment vast te leggen waarop Christus naar de hemel opkijkt en mompelt: “Alles is voorbij. Consumatum est”.

7. Kinderen die druiven en meloen eten, door Bartolomé Esteban Murillo (Alte Pinakothek, München)

We hebben al opgemerkt dat het realisme ook typerend is voor de barokke kunst. Een goed voorbeeld hiervan is dit prachtige doek van de schilder Bartolomé Esteban Murillo, bewaard in München, dat twee armoedig geklede kinderen voorstelt die druiven en meloen eten. Het Spanje van de 17e eeuw bood duidelijke contrasten en armoede was een normaal verschijnsel in de straten van steden als Madrid. Bij deze gelegenheid vertegenwoordigt Murillo de twee jongens die zich concentreren op hun eten. Ze kijken niet naar de kijker; in werkelijkheid merken ze onze aanwezigheid nauwelijks op. Terwijl ze de meloen en druiven verslinden (misschien een van de weinige voedingsmiddelen waar ze dagenlang toegang toe zullen hebben), praten ze kalm, getuige hun wisselende blikken. Vuile blote voeten en versleten kleding voegen een dramatische noot toe aan de innemende scène.

8. Kluis met de Apotheose van de Spaanse monarchie, door Luca Giordano (Prado Museum, Madrid)

Dit fantastische plafond, gemaakt aan het einde van de 17e eeuw met behulp van de valse fresco-techniek, is momenteel te zien in de bibliotheek van het Prado-museum in Madrid. Oorspronkelijk behoorde de kluis toe aan de oude Ambassadeurszaal van het Buen Retiro-paleis, een plaats van rust en vrije tijd die de graaf-hertog van Olivares liet bouwen voor koning Felipe IV.

Zoals de naam aangeeft, was de Hal van Ambassadeurs de ontvangstplaats voor de vorst, dus de iconografie op het plafond is een verheerlijking van de Spaanse monarchie. Giordano creëert een buitengewone compositie, bezaaid met allegorieën en symbolen uit de mythologie. dat probeerde de oudheid van de Spaanse kroon en zijn superioriteit ten opzichte van de andere koninklijke huizen te benadrukken Europese.

9. de drie bedankt, door Rubens (Prado Museum, Madrid)

Blijkbaar maakte Rubens dit doek, een van zijn beroemdste werken, voor zijn eigen plezier, zoals blijkt uit het feit dat het bij zijn overlijden deel uitmaakte van zijn persoonlijke verzameling. In feite lijken de gelaatstrekken van de vrouw links sterk op die van zijn tweede vrouw, Helena Fourment, met wie Rubens trouwde toen ze nog maar zestien was en hij, vijftig- drie. Sinds de oudheid, Het is gebruikelijk om de reden voor de Gratiën te vinden die verband houden met verlovingen, dus het lijkt niet onredelijk om aan te nemen dat de kunstenaar het schilderij heeft geschilderd als eerbetoon aan zijn eigen band. De drie figuren staan ​​wellustig en slaan hun handen in elkaar in wat een soort dans lijkt. Het is inderdaad een van de meest elegante en sensuele schilderijen van de kunstenaar.

10. boetvaardige magdalena van de lamp, door Georges de La Tour (Louvre Museum, Parijs)

De La Tour is een fantastische schilder die bekend staat om het voortreffelijke clair-obscur in zijn composities, bereikt door de gloed van een of meer kaarsen.

In dit geval toont het schilderij ons een Maria Magdalena die verzonken is in haar meditatie. Haar blik is gefixeerd op het vuur van de kaars die voor haar brandt, de enige lichtbron in het schilderij, zoals gebruikelijk in het werk van de kunstenaar. De heilige ondersteunt haar hoofd in de ene hand, terwijl ze in de andere, die op haar schoot rust, een schedel vasthoudt, een symbool van boetedoening en de vergankelijkheid van het leven, zo typerend voor de barok. Het boetvaardige Magdalena-motief was heel gebruikelijk in de 17e eeuw. De La Tour maakte zelf tot vijf versies van dit schilderij. In twee daarvan ligt de schedel op tafel en verbergt met zijn volume het vuur van de kaars, wat het clair-obscur van het tafereel nog meer accentueert.