Kunst in de nieuwe media: wat is het en wat zijn de kenmerken ervan

De wereld is voortdurend in beweging en gebeurtenissen versnellen en creëren nieuwe situaties, die een nieuwe taal en een nieuwe manier van kijken vereisen. Kunst, een echte uitdrukking van de mens, kon in die zin niet achterblijven.

Al in de 20e eeuw was, hand in hand met de artistieke avant-gardes, een nieuw concept van kunstenaar geboren; het individu dat niet alleen niemand iets verschuldigd was, maar ook in opstand kwam tegen de wereld die hem op een bepaalde manier had geschapen. Dit gevoel van rebellie vormde de behoefte om de concepten van kunst en artistieke creatie te herstructureren en te vernieuwen. Zo ontstond in het midden van de 20e eeuw populaire kunst of pop-art, die het artistieke object democratiseerde en ten dienste stelde van de massa. Uit deze nieuwe realiteit werd de kunst van de nieuwe media geboren, geroepen om de artistieke vaandeldrager van het begin van de 21e eeuw te worden.

We stellen een interessante reis voor door de transformatie van kunst in de vorige eeuw, waardoor je beter kunt begrijpen wat het is en

Wat zijn de kenmerken van de zogenaamde nieuwe mediakunst of nieuwe mediakunst.

• Gerelateerd artikel: "Wat zijn de 7 Schone Kunsten? Een samenvatting van de kenmerken"

Wat verstaan ​​we onder kunst in de nieuwe media of nieuwe mediakunst?

We noemen nieuwe mediakunst kunst die nieuwe technologieën incorporeert, hetzij in de creatie ervan, hetzij in het gebruik ervan, of in beide situaties. In het Engels heet het concept nieuwe mediakunst; in dit geval, het nieuwe verwijst naar het gebruik van strikt geavanceerde technologieën, om deze kunst te onderscheiden van de kunst die verband houdt met de rest van de technologieën die al volledig in ons dagelijks leven zijn geïntegreerd.

Wat belangrijk is, is dat nieuwe mediakunst niet alleen het toenemende gebruik van de meest innovatieve technologie met zich meebrengt, maar op een dieper niveau de absolute democratisering van cultuur inhoudt. Met andere woorden, het gebruik van nieuwe technieken bij de realisatie van kunstwerken zorgt voor een grotere publieke toegang tot deze kunstwerken; niet alleen op het resultaat, maar ook op het creatieproces zelf. Dit is, zoals we zullen zien, niets nieuws; Het was al voorspeld sinds de technologische revolutie die de komst van de 20e eeuw markeerde.

Nieuwe mediakunst stelt een nieuw voorbeeld van een kunstenaar voor: degene die niet alleen samenwerkt met andere collega's, maar ook met de grote massa van het publiek. Door vaak met bestaand beeld te werken, breekt de nieuwe mediakunstenaar met het idee dat creatie uniek is en gebonden aan één persoon. Zoals we in de volgende paragraaf zullen zien, deed Marcel Duchamp in de jaren twintig al hetzelfde toen hij snorren schilderde op een reproductie van de beroemde Monna Lisa.

De reeks creaties die onder dit soort kunst vallen, is erg breed. In dit artikel zullen we de belangrijkste manifestaties ervan analyseren; maar laten we eerst eens kijken wat de meest directe historische achtergrond is.

• Mogelijk bent u geïnteresseerd in: "Wat is creativiteit? Zijn we allemaal "would-be genieën"?"

De historische achtergrond: de avant-garde en de democratisering van de kunst

Een beweging of een stijl ontstaat niet spontaan. Het heeft eerder een reeks antecedenten die het, soms onbedoeld, configureren en de betekenis ervan vormgeven. We kunnen dus zeggen dat het dadaïsme, het stridentisme en de pop-art een deel bevatten van wat later nieuwe mediakunst zou worden. Laten we het hieronder in meer detail bekijken.

Dadaïsme of de ontkenning van kunst

De oudste voorloper van de zogenaamde 'nieuwe mediakunst' is het dadaïsme of de dada-beweging, waaruit nieuwe mediakunst enkele van zijn meest essentiële kenmerken ontleent; speciaal, formele elementen zoals collages en fotomontages, maar ook satire en spot.

De Dada-beweging werd in 1916 geboren in het Cabaret Voltaire, in de stad Zürich, Zwitserland. Ondanks het feit dat het is ingeschreven in de zogenaamde artistieke avant-gardes van de 20e eeuw, bedoelde het dadaïsme in werkelijkheid het tegenovergestelde. Door hun absurde en vaak onzinnige composities maakten de makers van deze beweging een bittere spot met de gekorsette burgerlijke wereld die hen omringde en die hen uiteindelijk naar de verschrikkingen van de Eerste Wereldoorlog had geleid Wereld.

Wat heeft deze avant-gardekunst met nieuwe mediakunst te maken? Nou ja, veel, zoals we nu zullen zien. Het volstaat om als voorbeeld een van de beroemdste Dada-werken te nemen: de reproductie van La Gioconda door Leonardo da Vinci waaraan Marcel Duchamp, een van de vaandeldragers van het dadaïsme, voegde een paar glanzende snorren toe.

Reeds in 1916 baseerde de Dada-beweging zich op reproducties, assemblages en "bedrog" om haar claim vorm te geven. Op deze manier legde deze ontkenningsbeweging de basis voor toekomstige artistieke uitingen, zoals stridentisme en vooral pop-art, die ook tot de precedenten behoren van de kunst van de nieuwe media.

• Gerelateerd artikel: "Is er een kunst objectief gezien beter dan een andere?"

Mexicaans striëntisme

Deze beweging, geboren in Mexico-Stad in 1921, is nauw verbonden met de technologische vooruitgang die de overgang van de 19e naar de 20e eeuw markeerde. Tijdens de eerste decennia van de laatste Periodieke publicaties verspreiden zich over de hele wereld en bevatten en worden gevoed door de meest innovatieve fotografische en industriële ontwikkelingen.

In die zin is het het Mexicaanse tijdschrift Horizonte dat het voertuig wordt waarmee het stridenisme wordt gepromoot esthetische idealen, een feit waarbij het hielp, en veel, dat haar leden op de een of andere manier deel gingen uitmaken van de nieuwe regering. Manuel Maples Arce, de oprichter van de beweging, was bijvoorbeeld secretaris van de regering van Veracruz.

Hoe kan het ook anders gezien de geboortedatum, het Mexicaanse stridentisme was volledig gehecht aan de avant-garde. Via de pagina's van Horizonte en andere publicaties heeft een heterogene groep kunstenaars en intellectuelen (Maples Arce zelf, maar ook de dichter Germán List, de schrijver en diplomaat Luis Quintanilla of de fotograaf Tina Modotti) claimen de vernietiging van de "oude" wereld en de opkomst van een nieuwe sociale realiteit en artistiek.

Pop-art of "populaire kunst"

Maar misschien is de beweging die het uiterlijk van de nieuwe mediakunst het meest heeft beïnvloed, degene die bekend staat als pop-art of kunst Pop, die in het midden van de 20e eeuw in Groot-Brittannië en de Verenigde Staten opkwam en een ware revolutie in de kunst van het creatie. De essentie van dit soort kunst is dat het gebaseerd is op alledaagse gebruiksvoorwerpen., zoals advertenties, strips en zelfs blikjes eten.

Pop-art (van 'populair') is per definitie in wezen verbonden met het grote publiek en druist daarom in tegen elitaire en intellectuele kunst. Op dit punt schudt hij de hand van de avant-garde van de 20e eeuw; zowel het dadaïsme als het oestridentisme, waarop we in de voorgaande punten hebben gereageerd, evenals vele andere stromingen waarin dat we niet binnen zullen komen, komen ze in opstand tegen de officiële culturele theorie en gebruiken ze middelen die de massa ter beschikking staan ​​om dat te doen populair.

Pop-art creëert populaire iconen en vermenigvuldigt ze tot in het oneindige. Hiervoor gebruikt hij industriële en consumententechnieken, zoals grootschalig printen. Dit alles maakt de introductie van pop-afbeeldingen in alle huizen mogelijk en zorgt zo voor de popularisering van het kunstobject.

Zoals we kunnen zien, heeft dit veel gemeen met het internet en de nieuwe media, die de massale toegang tot artistieke producties mogelijk maken. Al in de jaren negentig maakten de lagere kosten van computerproducten het voor pc-gebruikers gemakkelijker had toegang tot eenvoudige beeld-, geluids- en videoverwerkingssoftware, waardoor mediakunst zijn primeur kon geven Stappen.

Soorten nieuwe mediakunst

De typologie van artistieke uitingen van nieuwe mediakunst is enorm en in sommige gevallen kunnen ze in elkaar worden opgenomen. In deze sectie zullen we ons alleen concentreren op de meest karakteristieke.

1. interactieve kunst

Dit type kunst heeft als belangrijkste kenmerk (overigens gebruikelijk in bijna alle uitingen van nieuwe kunstmedia) de zeer hoge mate van interactie met het publiek (vandaar de naam). In een tijd waarin kunst wordt niet langer opgevat als een op zichzelf staand element waarin de kunstenaar creëert en het publiek alleen maar contempleert, gebruikt interactieve kunst alle beschikbare technologische middelen om een ​​netwerk te creëren dat kunstenaar en kijker omvat. Zoals Luis Andrade Baldeón verzamelt in zijn werk Digitale interactieve kunstruimte: "Interactive Art duidt artistieke praktijken aan waarbij de kijker direct deelneemt aan de totstandkoming van het werk, niet alleen als tolk of ontvanger."

We hebben enerzijds de interactieve kunst die gebaseerd is op versnellingen en hendels die geactiveerd worden. Het vertegenwoordigt natuurlijk een vroeg stadium van interactieve kunst. Ten tweede vinden we interactieve kunst gebaseerd op elektronische technologie, die computergestuurde beelden, geluid en video gebruikt om met de kijker te interageren. Dit soort interactieve kunst is steeds vaker aanwezig in musea.

2. De netkunst

Onder deze merkwaardige naam vinden we alle creaties die speciaal voor internet zijn gemaakt, waarvan de oorsprong teruggaat tot de jaren 90 van de 20e eeuw, net toen het wereldwijde web begon te worden ontwikkeld. Een van de wezenlijke kenmerken van een net.art-werk is dat het uitsluitend via elementen van het netwerk, zoals hypertekst, waarmee informatie van verschillende websites kan worden gekoppeld internetten.

Veel kunstenaars gebruikten en gebruiken nog steeds hypertext om reeds bestaande werken te herstructureren, volgens het zogenaamde Hypertext Narrative.

Enkele van de bekendste net.art-artiesten zijn Mark Amerika, een kunstprofessor aan de Universiteit van Colorado, of het kunstenaarsduo Jodi.org, bestaande uit Joan Heemskerk en Dirk Paesmans.

3. Artivisme

Het woord is ontstaan ​​uit "kunst" en "activisme", en verwijst naar de artistieke manifestaties die worden gecreëerd om te protesteren tegen een feit of een ander te claimen. Over het algemeen gebruiken de 'kunstenaars' hun creaties om te protesteren tegen de politiek en de consumptiemaatschappij, en daarvoor hebben ze internet en andere communicatiemiddelen.

4. Augmented reality-kunst

Letterlijk, augmented reality-kunst. Zoals de naam al aangeeft, is dit type kunst maakt gebruik van grafische computertechnologie zodat de kijker wordt ondergedompeld in een virtuele realiteit. Het idee is om deze virtuele elementen te combineren met fysieke elementen en zo een unieke ervaring te creëren. Het basisdoel van augmented reality-kunst is educatief en er zijn al veel musea en culturele centra die het gebruiken voor hun bezoekers.

5. de metafoor

Voor velen de toekomst van kunst. Nauw verbonden met augmented reality, dompelt het metaverse systeem de gebruiker onder in een virtuele 3D-wereld waarin hij nog maar één element is. Er is gesproken over de geweldige mogelijkheden die de metaverse zou kunnen hebben, niet alleen als een speels element, maar ook als een educatief element.