Beethovens Negende Symfonie: geschiedenis, analyse, betekenis en playlist

De Negende symfonie of Symfonie nr. 9 Het is een van de meest emblematische composities van Ludwig van Beethoven, die het tussen 1818 en 1824 uitvoerde in opdracht van de London Philharmonic Society. Het belang is zo groot dat het in 2002 werd uitgeroepen tot werelderfgoed.

Toen het stuk opende, was Beethoven doof. Ze zeggen dat hij de Negende symfonie gebruikmakend van zijn verbazingwekkende lezing, maar toen het laatste deel eindigde, niet in staat om de applaus van het publiek, hij moest worden gewaarschuwd door de musici van het orkest zodat de terugkeren.

Dit, zijn laatste publieke optreden, was ook de geboorte van een legende: de man die de... geschiedenis van de muziek was doof geworden, en doof zijn - dit was inderdaad een geniale daad - schreef hij he de Negende symfonie dat vormde zonder enig voorbehoud een authentieke muzikale revolutie. Laten we begrijpen waarom.

Analyse van de Negende symfonie

Om het revolutionaire karakter van de Negende symfonieHet is noodzakelijk om te weten hoe de symfonieën waren vóór dit werk, wat de symfonische traditie was waaraan de componisten zich op dat moment aanhielden.

De symfonie als genre

Een symfonie noemen we een voor een orkest geconcipieerd muzikaal werk dat in zijn klassieke vorm uit vier delen bestaat. Elke beweging heeft zijn eigen kenmerken. In de tijd van Beethoven waren symfonische bewegingen als volgt opgebouwd:

• Eerste deel: Allegro.
• Tweede deel: Adagio.
• Derde deel: Scherzo.
• Vierde deel: Allegro.

Deze structuur ontwikkelde zich gewoonlijk in een periode van ongeveer dertig minuten of iets meer. Wat het formaat betreft, werden de symfonieën meestal gecomponeerd voor strijkerssectie, kopersectie en houtblazerssectie. Daarom was het een absoluut instrumentaal genre.

Hoewel Beethoven al tekenen van serieuze en belangrijke transformaties van het genre had laten zien, vooral profiteren van het uiterste van de klankkleurontwikkeling, de dynamiek (agogisch), naast de harmonische veranderingen en tonaal, in de Negende symfonie brengt echt nieuws.

De Negende symfonie en zijn innovaties

Aan de oppervlakte ontwikkelt Ludwig van Beethoven de Negende symfonie volgens de conventionele structuur: vier bewegingen. Deze bewegingen zijn echter zo ontwikkeld dat ze de weg openen naar een nieuwe fenomenale perceptie van muziek en hun duur verlengen tot enkele zestig minuten ruwweg een merkbare verandering in de gewoonten van muziek en entertainment.

Wijzigingen in structuur

De structuur van de Negende symfonie Het is als volgt:

• Allegro ma non troppo, een beetje maestoso
• Scherzo: Molto vivace - Presto
• Adagio molto e cantabile - Andante Moderato - Tempo Primo - Andante Moderato - Adagio - Lo Stesso Tempo
• Recitatief: (Presto - Allegro ma non troppo - Vivace - Adagio cantabile - Allegro assai - Presto: Of Freunde) - Allegro assai: Freude, schöner Götterfunken - Alla marcia - Allegro assai vivace: Froh, wie seine Sonnen - Andante maestoso: Seid umschlungen, Millionen! - Adagio ma non troppo, ma divoto: Ihr, stürzt nieder - Allegro energico, semper ben marcato: (Freude, schöner Götterfunken – Seid umschlungen, Millionen!) - Allegro ma non tanto: Freude, Tochter aus Elysium! - Prestissimo, Maesteoso, Prestissimo: Seid umschlungen, Millionen!

Zoals te zien is, ontwikkelt Beethoven ritmische transformaties door de hele structuur die absoluut contrasteren, en breken met het gevoel van evenwicht en maatstaf van de classicisme.

Wat betreft het eerste deel zegt de onderzoeker Josep Pascual in zijn boek Universele gids voor klassieke muziek, stelt dat "De symfonie begint met een reeks van perfecte kwarten en kwinten, ontstaan ​​als uit het niets (...)", en schrijft aan de ontwikkeling ervan "een bijna gewelddadig klimaat". Voeg hieraan toe:

... in de hele compositie domineren de contrasten en wordt het drama van het eerste deel vitaliteit in de tweede, die soms terecht is gedefinieerd als een overgang van obscuriteit naar het licht.

Het derde deel, zegt de onderzoeker, wordt gedomineerd door een lyrische geest, opmaat naar het vierde deel, waarin de Hymne aan vreugde. De onderzoeker classificeert het als 'een emotionele hymne aan universele broederschap'. Josep Pascual besluit door te stellen dat het vierde deel als een compleet werk op zich kan worden beschouwd, dat wil zeggen, "een hele symfonie".

Maar we moeten zeggen dat niet iedereen het vierde deel van Beethoven positief zag. De durf van de componist in deze beweging leverde hem kritiek op van personages als such Giuseppe Verdi, voor wie het een krampachtige en rampzalige beweging leek die brak met de voortreffelijkheid van de eerste drie.

Nieuwe tools en bronnen

Deze creatieve en creatieve vrijheid van Beethoven komt niet alleen tot uiting in de structurele veranderingen van de sonatevorm, maar ook in de configuratie van het orkest, dat wil zeggen in de instrumenten deelnemers. Deze configuratie zou de volgende zijn:

• Houtblazers sectie:
  • Piccolo;
  • 2 fluiten;
  • 2 hobo's;
  • 2 klarinetten (in A, Bes en C);
  • 2 fagotten;
  • 1 contrafagot;
• Metalen windsectie:
  • 4 hoorns (2 in D en 2 in Bes);
  • 2 trompetten (in Bes en Es);
  • 3 trombones (alt en tenor);
• String sectie:
  • Violen;
  • altviolen;
  • Cello's;
  • Contrabas.
• Percussie:
  • pauken,
  • trommel,
  • schotels,
  • driehoek;
• Stemmen:
  • Refrein,
  • Sopraan-, alt-, tenor- en bassolisten.

In de Negende, introduceerde Beethoven de percussie voor het eerst in de geschiedenis van de symfonie. In feite werd slagwerk in die generatie niet eens beschouwd als een vaste sectie van orkesten.

Het opnemen van percussie zou een nieuw personage afdrukken dat de emotionele kracht zou verhogen. Vanaf het eerste deel voelen we de kracht van de percussieve sectie, die contrasteert met de delicatesse van de snaren die naar de pianissimo.

Hiermee weet Beethoven de kracht, intensiteit en expressiviteit van de bereikte klanken te verhogen door het hele orkest, totdat er werkelijk indrukwekkende effecten op de ervaring zijn bereikt auditief.

Een andere belangrijke innovatie van Beethoven was de opname van: koor en solo zangers, die hij arrangeert in het vierde deel, het climaxmoment van het werk.

De tekst gekozen door de componist was de beroemde Ode aan de Vreugde door Friedrich Schiller, die het schreef in het jaar 1786. Na verloop van tijd, de naam Hymne aan vreugde begon te worden gebruikt om te verwijzen naar het muzikaal werk.

Met dit gebaar gaf Beethoven de stem dezelfde waardigheid als muziekinstrumenten. Met andere woorden, hij maakte van de stem een ​​instrument van het orkest dat nieuwe texturen, klankkleuren en effecten in de muziek bracht samenstelling.

Maar het gaf ook waarde aan poëtisch woord, verheven tot de vorm van de symfonie. Zeker, poëzie was gerechtvaardigd in het genre van gelogen Duits lang daarvoor, maar nu deed hij zijn triomfantelijke intrede in de symfonie die toen als de hoogste vorm van academische muziek werd beschouwd.

Dit alles maakte het voor Ludwig van Beethoven mogelijk om zich te vestigen als de voorloper van de zgn koorsymfonie, wat de weg vrijmaakte voor emblematische figuren van dit genre als Hector Berlioz.

Zie ook Hymne aan vreugde: analyse en betekenis.

De uitdrukking van een nieuwe gevoeligheid

Beethoven ontwikkelt verschillende ritmische concepten en intensiteiten die de emotie tot een echt klimatologisch punt verheffen. Het werk krijgt een diep dramatisch, emotioneel, ontroerend gevoel. Muziek zelf wordt een louterend, bevrijdend schouwspel.

Deze nieuwe gevoeligheid, die "extase" zoekt door creatieve activiteit, die emotie verkondigt tegenover evenredige en symmetrische klassieke vormen, is niet vreemd in zijn tijd.

Beethoven drinkt uit de geest die tegen het einde van de 18e eeuw in Duitsland opkwam met de beweging Sturm en Drang, het startpunt van de romantische revolutie die de beeldende kunst, literatuur en muziek voor altijd veranderde, en die vooral in de laatste twee vruchtbaar was.

In de 19e eeuw werd muziek zelfs belangrijker dan de beeldende kunst en architectuur. De onderzoeker Matías Rivas Vergara, in een essay getiteld Beethovens Negende Symfonie: geschiedenis, ideeën en esthetiek Houdt vol dat:

... Romantische muzikale esthetiek is in wezen een opvatting van muziek als een "metafysische taal" die in staat is tot het onuitsprekelijke en het Absolute uitdrukken - zowel topos, poëtisch als metafysisch, die de essentie vormen van Romantiek.

Het einde van de 18e eeuw en het begin van de 19e eeuw waren turbulente, revolutionaire tijden. Het is bekend dat Beethoven communiceerde met de moderne waarden van de Franse Revolutie, zozeer zelfs dat hij geloofde dat hij Napoleon Bonaparte als een held zag, en zelfs zijn imperialistische bedoelingen realiseerde.

Gebruik dit als voorbeeld om te laten zien in hoeverre Beethoven zich inzet voor de idealen van gelijkheid, vrijheid en broederschap, ver boven de vergoddelijking van individuen. Daarom eindigt dit werk, zijn laatste symfonie, met de verheerlijking van de Ode aan de Vreugde van Schiller.

Het was Beethoven die in academische muziek de ruimte opende voor creatieve vrijheid, subjectiviteit en de eigen emotionele expressie, waarden die consistent zijn met de romantische esthetiek. Het legt de dominantie vast van de klassieke traditie in de beginjaren, en de dorst naar vrijheid en creativiteit in de laatste. Beethoven was de sleutel tot een deur die toegang gaf tot een nieuw muzikaal universum.

Afspeellijst

Referenties

• Pascual, Josep: Universele gids voor klassieke muziek. Barcelona: Robinbook-edities. 2008.
• Rivas Vergara, Matias: Beethovens Negende Symfonie: geschiedenis, ideeën en esthetiek. Teruggevonden op Academia.edu. 2013.