Luis Buñuel: hoofdfilms en podia van het genie van de Spaanse cinema

Luis Buñuel is een van de meest eigenaardige filmmakers in de filmscene. Zijn filmische taal en zijn manier om cinema te begrijpen, hebben door de geschiedenis heen als referentie gediend voor grote regisseurs.

In bijna alle filmografie van de Aragonese regisseur zie je kenmerken van zijn persoonlijkheid. Zijn cinema spreekt van een non-conformistisch persoon met zijn tijd en zeer kritisch over conventies burgerlijk en religieus, wat hem er zelfs toe bracht zijn geboorteland te verlaten en te vechten tegen de censuur van de moment.

Zijn werk wil de ogen openen van een conformistische kijker, de gevestigde sociale orde ondermijnen en kwesties als de samenleving, het gezin, in de schijnwerpers zetten. religie, de bourgeoisie of de politiek, dit alles zonder toespelingen op de droomwereld en de innerlijke wereld van het individu te missen, thema's die altijd al geobsedeerd.

Het lijdt geen twijfel dat de cinema van Luis Buñuel een grote fase in de geschiedenis van de cinema markeerde. De regisseur gebruikte cinematografische kunst als een soort canvas waarop hij alle bekommernissen vastlegde die zich in zijn binnenwereld afspeelden.

Buñuel deed iets dat maar weinig filmmakers van die tijd konden bereiken: latere generaties maken make hun cinema zullen erven en, ondanks het verstrijken van de tijd, dat het erin slaagt gewetens te blijven prikkelen en te maken reflecteren.

1. Surrealistisch podium

Halverwege de jaren twintig ging Buñuel naar Parijs. Daar deelde hij ideeën met verschillende kunstenaars uit die tijd en onderhield hij onbedoeld zijn eerste contact met de surrealistische stroming toen hij André Breton ontmoette.

Later werd hij onderdeel van de surrealistische groep, met wie hij sympathiseerde en met de film de stroming maximaal tot uiting bracht in het cinematografische medium Een Andalusische hond (1929).

Een Andalusische hond (1929)

Het gaat om jouw debuut als regisseur die samen met Salvador Dalí schreef. Het wordt beschouwd als een van de grootste surrealistische werken in de geschiedenis van de cinema. In 1929 ging het in première in Parijs tijdens de Studie van de Ursulinen en veroorzaakte een grote controverse voor de critici van de tijd.

Het is een film die de kijker uitnodigt om de wereld van dromen binnen te treden, de realiteit buiten beschouwing latend. Het gaat verder dan waar onze zintuigen of onze rede ons leiden. De onwerkelijkheid heerst en opent de deur naar een onlogisch verhaal. Wat maakt het open voor verschillende interpretaties.

Vanaf het eerste moment is de film al schokkend. Een man (Buñuel) verschijnt op een balkon om een ​​scheermes te slijpen en vervolgens wordt gezien hoe hij het oog van een vrouw snijdt. Het is een van de beroemdste scènes in de film.

Vanaf dit moment wordt de film ondergedompeld in een authentiek schotspel dat, hoewel blijkbaar betekenen ze niets, ze slagen erin om sensaties te genereren bij de kijker dankzij een magnifieke montage.

In de meeste gevallen gebruikt het het aan elkaar geketend. Een prominent voorbeeld is wanneer mieren uit de hand van de ruiter tevoorschijn komen en plotseling veranderen in het okselhaar van een vrouw en vervolgens in een egel.

Het breekt ook met lineariteit dankzij het onsamenhangende gebruik van tussentitels die, in plaats van de kijker te leiden, misleiden: "Er was eens", "Acht jaar later", "Tegen drie uur in de ochtend", "Zestien jaar eerder" en "In voorjaar".

In de loop der jaren zijn er verschillende interpretaties van de film gemaakt, hoewel geen enkele volledig accuraat is. Buñuel beschreef het zelf:

De film is niets meer dan een publieke oproep tot moord.

De realiteit is dat, hoewel hij er nooit in geslaagd is de reden voor deze film uit te leggen, er onderliggende elementen zijn die dat wel zullen doen gedurende zijn hele carrière behouden, zoals bijvoorbeeld zijn obsessie met de dood, de wereld van dromen en de onbewust.

Hoewel elke analyse van de film geldig kan zijn, Een Andalusische hond probeert een indruk op de ontvanger achter te laten, zodat hij bij het herinneren van de film niet naar een plot probeert te zoeken, maar de emoties probeert te beschrijven die hij tijdens zijn kijkervaring heeft ervaren.

De Gouden Eeuw (1930)

Begin jaren dertig ging Buñuel in première met zijn tweede surrealistische film, dit keer met geluid en Franse taal. Het is een baanbrekend en uniek werk dat werd gefinancierd door burggraaf de Noailles, een lid van de aristocratie. De lancering van de film bracht het schandaal en het verbod op de projectie ervan door de Franse regering met zich mee.

Daarin onthult Buñuel een kritiek op de gewoonten en tradities van de burgerlijke samenleving van die tijd. De regisseur zelf beschreef de film als:

Het seksuele instinct en het gevoel van dood vormen de essentie van deze film. Het is een romantische film gemaakt met surrealistische razernij.

Het is de strijd van twee geliefden om hun hartstochtelijke liefde voort te zetten in een door regels gedomineerde samenleving. Het lijdt geen twijfel dat de film een ​​verheerlijking van waanzinnige liefde is, absoluut gratis en vooral een aanklacht tegen al die factoren die de ontwikkeling ervan onderbreken, in het algemeen de conventies van de samenleving burgerlijk.

De vertelling, die begint met een documentaire over het leven van schorpioenen, trekt vanaf het eerste moment de aandacht. Misschien is de opname van beelden die in 1912 zijn opgenomen niet toevallig, als we er rekening mee houden dat Buñuel geobsedeerd leefde door insecten.

Later proberen enkele criminelen uit hun hut te ontsnappen terwijl een groep bisschoppen een soort ritueel uitvoeren voor de zee en uiteindelijk lijken ze dood op het strand.

Een groep mensen arriveert in een boot om de ziel van de bisschoppen te vereren. De ceremonie wordt onderbroken door het lawaai van geliefden, een man en een vrouw, die hun liefde de vrije loop laten op het strand. De man wordt uiteindelijk gearresteerd.

Vanaf dat moment draait de film om de vrouw, die in een welvarend huis woont en probeert haar seksuele verlangens te vervullen ondanks de belemmering van de samenleving die haar omringt.

Zijn meest kritische analyse komt met het invoegen van schoten die zijn gebleven ter nagedachtenis van de toeschouwers. Bijvoorbeeld het beeld van de gemummificeerde bisschoppen, de hoofdpersoon die op de grote teen van een standbeeld zuigt of een koe die op een elegant burgerlijk bed zit.

Dit vind je misschien ook leuk Surrealisme: kenmerken en belangrijkste kunstenaars.

2. Stadium van de Tweede Spaanse Republiek

Het schandaal veroorzaakt door gouden eeuw, doet Holywood beseffen dat Buñuel een "goudmijn" voor de filmindustrie zou kunnen zijn. Daarom stak hij in 1931 de Atlantische Oceaan over, aangetrokken door een aanbod van Metro Goldwyn Mayer. Ze zijn van plan het daar in het cinematografische systeem te introduceren; De verschillende spot en grofheid van Buñuel tegenover hoge posities in de industrie brengen hem echter terug naar Spanje.

Land zonder brood (1933)

Kort na zijn terugkeer maakte hij de documentaire Land zonder brood met het geld van een loterijprijs. Het is bedoeld om het leven van Las Hurdes (Extremadura) weer te geven, waar de situatie echt dramatisch was, hoewel Buñuel het een beetje meer overdrijft.

De film toont beelden van het gebied als een Voice over hij geeft commentaar op wat erin staat. Het begint met een situatie-infographic, waarin een kaart van Europa verschijnt en geleidelijk nadert in zoom en het geeft het exacte punt aan waarover het gaat spreken. Terwijl een stem vertelt:

In sommige delen van Europa zijn er brandpunten van bijna paleolithische beschaving. In Spanje, op 100 km van Salamanca, een plaats van hoge cultuur, zijn Las Hurdes geïsoleerd van de wereld door moeilijk bereikbare bergen (...)

De film is als Buñuels eigen wandeling door het gebied, de kijker ziet wat zijn ogen zien. Probeer het leven van de mensen daar op een "neutrale" manier te onderwijzen. Het toont armoede, ziekte, kinderen en ondervoeding.

De overdreven toon van de verteller is opvallend bij het beschrijven van wat hij ziet, soms verdacht van echt zijn. Een duidelijk voorbeeld is wanneer hij een vrouw met struma beschrijft die volgens de verteller 32 jaar oud is, hoewel het ongelooflijk lijkt.

Wat Buñuel met deze film wil provoceren, zodanig dat een bevolking in de schijnwerpers wordt gezet die in erbarmelijke omstandigheden leeft, ondanks dat ze dicht bij geëvolueerde plaatsen zijn en gekweekt.

Aan de andere kant wil de regisseur het meest landelijke en retrograde Spanje van die tijd bekendmaken, in een tijd van vermeende ontwikkeling, vergeten door politici en leiders.

Het toont ook de hypocrisie van de kerk, wanneer ze een christelijke plaats waar de boeren in vervallen huizen wonen, vergelijkt met de rijkdom die ze bezit.

Ten slotte verbood de Republikeinse regering de film, omdat deze een slecht beeld van Spanje gaf. Dit weerhield Buñuel er echter niet van om het later over de grenzen heen op de markt te brengen.

3. Stadium van ballingschap: Mexico

Met het begin van de burgeroorlog moest Buñuel, die trouw was gebleven aan de Republikeinse kant, in ballingschap gaan. Eerst migreert hij naar Frankrijk, waar hij een tijd verblijft, en dan gaat hij terug naar Hollywood. Na een periode in Noord-Amerika reisde hij naar Mexico met de bedoeling een verfilming van het werk te filmen. Het huis van Bernarda Alba de Lorca en, hoewel het uiteindelijk niet klaar was, besloot hij zich daar te vestigen.

Het is in 1949, in Mexico, wanneer hij besluit zijn carrière als filmregisseur, die hij met het uitbreken van de oorlog had vastgelopen, weer op te pakken. In deze periode worden enkele van de belangrijkste films van Buñuel's filmografie opgenomen. Onder hen zijn:

De vergeten (1950)

In deze film geeft de regisseur nogmaals blijk van zijn zorg voor maatschappelijke problemen. Net als bij de documentaire Land zonder brood, Hij begint met te benadrukken dat onder de schaduw van de rijkdom van grote steden de armste en meest achtergestelde gebieden liggen.

Deze keer kijkt hij niet naar zijn thuisland, maar naar de sloppenwijken van Mexico-Stad. En het keert terug om de aandacht te vestigen op de meest kwetsbare bevolkingsgroep: kinderen.

De plot draait om Jaibo, een tiener die ontsnapt uit een tuchthuis en terugkeert naar zijn buurt. Dagen later pleegt hij een moord in het bijzijn van zijn vriend Pedro, een jongen die goed probeert te zijn. Vanaf dat moment leidt Jaibo Pedro op een dwaalspoor en wordt hun lot afgebroken.

Deze film is een ode aan de harde realiteit. De wreedheid waarmee kwesties als machismo en alcoholisme aanwezig zijn in de samenleving die het weerspiegelt, is verrassend.

Aan de andere kant is de visie die kinderen hebben op school opmerkelijk, voor hen is het als een straf. Als Pedro naar school gaat om een ​​vak te leren, denkt hij dat hij zijn vrijheid zal verliezen en de school gelijk zal stellen aan een gevangenis.

Het onthult ook de onwetendheid van de bevolking, die gehecht blijft aan populaire overtuigingen. Een zieke vrouw denkt bijvoorbeeld dat ze door een duif zal worden genezen.

De filmmaker laat ook de kans niet voorbij gaan om de wereld van dromen te onderzoeken en doet dat via het personage van Pedro. Opvallend is de vertragingstechniek die hij gebruikt om de droomwereld van het kind te beschrijven, waarin hij de zorgen van het personage laat zien.

Wat Buñuel en Luis Alcoza, scenarioschrijvers van de film, in dit verhaal willen laten zien, is de hypocrisie die bestaat tussen de twee kanten van dezelfde medaille. Enerzijds de evolutie en rijkdom van het centrum van een grote stad, met een welgestelde bevolking. Anderzijds een arme periferie waar misdaad, armoede en involutie de boventoon voeren, problemen die in de schaduw van het politieke systeem blijven.

Met een volle maag zijn we allemaal beter.

De reactie na de première van de film in Mexico City was allerminst vriendelijk. Hoewel ze later erkenning kreeg op het filmfestival van Cannes en werd genoemd Geheugen van de wereld door Unesco.

Hij (1952)

Het is een film opgenomen in 1952 gebaseerd op het gelijknamige boek van de Spaanse schrijver Mercedes Pinto. Het vertelt het verhaal van Francisco, een man van hoge afkomst die geobsedeerd is door de liefde van Gloria, de vriendin van zijn vriend.

Uiteindelijk trouwen de geliefden en verandert hun huwelijk in een hel vanwege de jaloezie en obsessies van de hoofdpersoon.

In dit melodrama komen ook twee fundamentele ingrediënten voor in Buñuels films: de kerk en de high society. Het is in een kerkelijke omgeving waar de vertelling begint, tijdens de viering van Witte Donderdag. Daar zullen de hoofdrolspelers, beiden van de welgestelde klasse, elkaar ontmoeten.

Al snel duikt een van de fundamentele concepten op die tijdens het kijken van de film aan belang zullen winnen: paranoia. Als ware het een studie over een rationeel dier, "ontleedt" de regisseur de geest van de hoofdpersoon. En het is dat wij als toeschouwers getuige zijn van de " Francisco's reis naar delirium door de subjectieve werkelijkheid en de zoektocht naar zijn eigen perceptie van de werkelijkheid.

Je kunt ook verwarring zien tussen de concepten liefde en obsessie. Er is in het begin een duidelijke onderwerping van de kant van Gloria jegens haar man, zelfs een soort "giftige tolerantie" jegens zijn gedrag.

Beetje bij beetje begint Francisco te geloven dat alles wat er gebeurt tegen hem werkt en denkt dat zijn vrouw Ze is ontrouw aan elke man die haar benadert, en gaat zelfs zo ver dat ze haar fysiek en psychisch misbruikt.

Aan de andere kant kan worden waargenomen hoe de toenmalige samenleving dit gedrag van de man tegenover de vrouw rechtvaardigt wanneer Francisco zijn schoonmoeder en de priester manipuleert met zijn waanideeën. Deze impliceren dat de jonge vrouw de grillen van haar man moet bevredigen. De priester noemt zijn gedrag zelfs 'licht'.

Buñuel laat ook zijn obsessie met dieren die, hoewel ze niet expliciet voorkomen, Ze doen het door de toespraak van de hoofdpersoon terwijl hij op de toren van de Klokkentoren. Daarin stelt hij mensen gelijk aan wormen.

Hij misschien is het een van de meest persoonlijke films van de filmografie van de regisseur, of dat is in ieder geval hoe hij het af en toe heeft laten zien, om ervoor te zorgen dat "misschien wel de film is waar ik het meest in heb gezeten. Er zit iets van mij in de hoofdpersoon."

Het is zonder twijfel een kritiek op de mentaliteit van de toenmalige samenleving, gebaseerd op conventies en overtuigingen die geworteld zijn in religieuze ideeën. Een film die weliswaar niet zoveel impact had als andere films van de regisseur, maar niemand onverschillig laat.

Essay van een misdaad (1955)

Essay van een misdaad Het is ook een bewerking van een roman, dit keer van de Mexicaanse schrijver Rodolfo Usigli. Dit verhaal, in de toonaard van zwarte humor, draait om het karakter van Archibaldo, een verwend kind dat afstamt van een rijke familie, die geobsedeerd leeft door de muziekdoos van zijn moeder.

Zijn gouvernante vertelt hem een ​​verhaal met betrekking tot de doos, waarin hij bekent dat deze de macht heeft om wensen in vervulling te laten gaan. Op deze manier wil het kind dat zijn oppas sterft en wordt zij het slachtoffer van een schot.

Vanaf dat moment draait alles wat Archibaldo als volwassene overkomt om die gebeurtenis, aangezien hij denkt dat zijn wensen zijn toegekend door de box en pleit voor een rechter schuldig aan de golf van misdaden die hij zogenaamd zelf heeft gepleegd ontketend.

De film begint met het contextualiseren van het verhaal in de Mexicaanse Revolutie als een Voice over, die van de volwassen hoofdpersoon, beschrijft zijn jeugd en hoe, sinds een gebeurtenis die zich in die tijd heeft voorgedaan, zijn leven sindsdien is geconditioneerd. Op dat moment presenteert hij ons het katalysatorelement van het verhaal: de muziekdoos.

Dit object zal een verandering in zijn leven teweegbrengen als kind, met de moord op zijn oppas, en later als volwassene wanneer hij de doos uit een antiekwinkel haalt. Het is interessant hoe hun geluid gebeurtenissen uit het verleden en heden aan elkaar gaat rijgen.

Het gebruik van een cirkelvormige structuur zorgt ervoor dat de film vertrekt van een scène, wanneer Archibaldo bekent zijn vermeende misdaden voor een rechter na de dood van een non, en kom er tegen het einde van het jaar op terug film. De rest van het verhaal wordt verteld via flashbacks.

De rol van de verbeelding van het personage is fundamenteel, de dunne lijn tussen verlangen between van de hoofdpersoon en het samenvallen van de gebeurtenissen, die uiteindelijk leiden tot een "verhaal van" gek ".

Archibaldo wijst het object aan als de boosdoener van het ontwaken van zijn criminele instinct, totdat hij uiteindelijk de doos kwijtraakt door hem in een meer te gooien, alsof hij op deze manier van zijn psychopathie afkomt.

Net als in andere films uit deze Buñueliaanse periode wordt er harde kritiek geuit op de burgerlijke samenleving, bijna alle personages zijn gerelateerd aan deze sociale klasse, en ook aan de kerk.

Viridiana (1962)

Gebaseerd op de roman Halma door Galdós, was deze film een ​​wapenstilstand voor Buñuel's ballingschap. Hoewel het een Spaans-Mexicaanse coproductie is, reisde de regisseur naar zijn geboorteland om de opnames te maken.

Uiteindelijk kreeg het harde kritiek van het Vaticaan, dat het godslasterlijk noemde, en het Franco-regime verbood het vijftien jaar in Spanje.

De film vertelt het verhaal van Viridiana, een novice die het klooster verlaat om haar oom Don Jaime, een rijke landeigenaar, te bezoeken.

Al snel probeert de man de jonge vrouw te verkrachten, fantaserend over de grote gelijkenis die ze hebben met zijn overleden vrouw.

Hoewel hij uiteindelijk berouw heeft en de daad niet uitvoert, pleegt hij uiteindelijk zelfmoord als gewetensgevangene.

Na deze gebeurtenis erft Viridiana de bezittingen van haar oom en, hoewel ze niet terugkeert naar het klooster, besluit ze om goed te prediken door een groep bedelaars in het huis te verwelkomen. Maar zijn liefdadigheid leidt hem uiteindelijk naar het kwaad.

Bij een gelegenheid verwees Buñuel zelf naar de hoofdpersoon als:

Viridiana is een soort Quichot met een rok.

In zekere zin kunnen we Viridiana zien als een zwak en passief personage dat aan het begin van de film beweegt op basis van de beslissingen van anderen. Maar beetje bij beetje evolueert de hoofdpersoon volgens de gebeurtenissen die haar overkomen en wordt uiteindelijk een volwassener en minder invloedrijk personage.

Ook in deze film is de kerk een te beoordelen element. Doorheen verschijnen verschillende voorstellingen van de kerkelijke wereld. De maximale vertegenwoordiging wordt gegeven door Viridiana, een potentiële non en gelovige. Andere religieuze elementen die verschijnen zijn: de kroon van stekels en een kruisvormig mes. Hoewel misschien een van de belangrijkste momenten is wanneer je het schilderij probeert te klonen van Het laatste Avondmaal door Leonardo da Vinci.

Dit werk van Buñuel benadrukt ook de verbetering van de fotografische esthetiek. Ten opzichte van eerdere films zijn de beelden van deze schoner en zorgvuldiger.

Viridiana het was niet zomaar een film van een regisseur. Hoewel het een mislukte poging was om opnieuw te draaien in zijn land en een onderwerp van harde kritiek was, was het ook een van de meest gerespecteerde films van de regisseur toen het de winnaar werd van de Gouden palm op het filmfestival van Cannes.

Dit vind je misschien ook leuk Het laatste avondmaal van Leonardo da Vinci.

De uitroeiende engel (1962)

Na een korte periode in Spanje keert Buñuel terug naar Mexico om verder te gaan met filmen. In 1962 ging hij in première De uitroeiende engel, waarin hij opnieuw het burgerlijke leven onderzoekt.

De plot draait om een ​​ontmoeting van de hogere burgerij in het luxueuze herenhuis van het echtpaar Nóbile. Na een lang diner, wanneer het tijd is om naar huis te gaan, ontdekken de gasten dat ze om onbekende redenen de kamer niet kunnen verlaten. Daar brengen ze meerdere dagen door en de situatie gaat van een luxe diner naar een gevecht om te overleven.

Surrealisme overheerst in deze film waarin de kijker zich, net als de personages, afvraagt: waarom mogen ze het huis niet uit?

Niemand weet het, noch de kijker, noch de personages. Het katalysatorelement dat argwaan wekt over wat er mogelijk is gebeurd, is de plotselinge vlucht van de bedienden uit het Nóbile-huis. Het mysterie zal echter nooit worden ontdekt.

Het grootste deel van de toespraak vindt plaats op dezelfde locatie, waardoor de kijker het gevoel heeft dat hij zijn notie van tijd, zo niet voor de dialogen, de verandering in het uiterlijk van de personages, of de klok die op de achtergrond verschijnt in geteld gelegenheden.

Uit de film valt een anti-burgerlijke lezing te halen, die het ware gezicht van de welgestelde klasse laat zien.

Aan het begin van het verhaal, wanneer het feest begint, verschuilen ze zich allemaal achter een façade van hypocrisie en voeren ze onderling niet-substantiële gesprekken, maar als in een reality show In kwestie toont elk van hen beetje bij beetje hun persoonlijkheid.

Er wordt ontdekt dat wanneer ze worden blootgesteld aan een "extreme" situatie, het nog steeds dieren zijn met een overlevingsinstinct. Op dat moment ontdoen ze zich van sieraden en rijkdommen om te laten zien dat ze niet meer zijn dan wie dan ook.

4. Laatste etappe: Frankrijk

De laatste fase van zijn filmcarrière speelt zich af in Frankrijk. Daar verhuisde hij en had hij meer middelen en middelen om enkele van de werken op te nemen die hem naar de top van de zevende kunst leidden.

Overdag mooi (1967)

Overdag mooi Het is gebaseerd op de roman Belle de Jour 1928 door schrijver Joseph Kessel. Het gaat om een ​​heldere maar subtiele kritiek op de hedendaagse high society, waar het surrealisme dat typisch is voor de Buñueliaanse cinema opnieuw wordt hervonden.

Het verhaal vertelt het leven van Séverine, een jong meisje dat getrouwd is met een dokter en geen relaties kan aangaan vanwege een jeugdtrauma. Daarom besluit hij zich voor een paar uur om te toveren tot Belle de Jour, een prostituee, en leidt in het geheim een ​​dubbelleven, hoewel ze uiteindelijk wordt ontdekt door een vriend van haar man.

Een jonge Catherine Deneuve speelt Séverine, een dubbelzinnig en afstandelijk personage met wie het blijkt moeilijk in te leven, die leeft in een burgerlijke omgeving waarin de kilheid van relaties wordt getoond persoonlijk. Op een dag besluit ze dat 'saaie leven' te verlaten om voor een paar uur een andere vrouw in een bordeel te worden.

Via de hoofdpersoon onderzoekt Buñuel opnieuw de wereld van de fantasie door middel van scènes die deel uitmaken van de wereld verbeelding van het personage, hoewel het bij de kijker twijfels oproept of ze echt zijn of niet, tussen wat fantasie of realiteit. Het is grappig hoe ze bijna altijd in de fantasieën van Séverine wordt vernederd door haar man.

Aan de andere kant is het thema dat in de film aan bod komt het blootleggen van veel taboe-onderwerpen in die tijd, zoals prostitutie, in dit geval naar het rijk van de high society gebracht. Al gaat hij er heel subtiel mee om.

Het is mogelijk een van de technisch meest zorgvuldige films van de regisseur, rekening houdend met de behandeling van kleur in de fotografie en het gebruik van aantrekkelijke kaders. De esthetiek van de film duidt op de cinematografische volwassenheid van de filmmaker in zijn laatste fase.

Ondanks de controverse die het gedurfde thema van de film opriep, leidde het ertoe dat de film de titel won Gouden Leeuw op het filmfestival van Venetië.

De discrete charme van de bourgeoisie (1972)

De discrete charme van de bourgeoisie Het is een van Buñuels laatste films en de film die hem ertoe bracht de eerste Spaanse regisseur te worden die de Oscar won in de categorie beste buitenlandse film.

Daarin keert hij terug, met de Franse bourgeoisie als achtergrond. Het plot beweegt tussen komedie en absurditeit en draait om zes personages, drie koppels, die om verschillende redenen hun intenties om te gaan eten afgekapt zien.

Deze vernieuwende en baanbrekende film in die tijd zou perfect de eigenschap kunnen hebben van: "tijdloos", aangezien het argument kan worden geëxtrapoleerd naar het heden, blijft het de kijker beïnvloeden vandaag de dag.

Net als in de film De uitroeiende engel, maakt een röntgenfoto van de bourgeoisie als geheel. Hij portretteert haar als een sociale klasse die altijd probeert vorm, elegantie en goede manieren te behouden, zelfs in de meest absurde situaties.

Het is een leuke film waarin het niet de aandacht vestigt op een enkel personage, maar de weg opent naar een dubbelzinnige koorrol en geen evolutie van individuen.

Het groepshoofdstuk komt ook tot uiting in de techniek, die het schaarse gebruik van close-ups rechtvaardigt, waardoor bekendheid tot bredere kaders waarin de acteurs zelf een prachtige "choreografie" ontwikkelen binnenin van hetzelfde.

Noch laat Buñuel de wereld van dromen achter zich en de moeilijkheid om onderscheid te maken tussen de droomwereld en de echte. Hij neemt risico's en gaat verder, en presenteert zelfs dromen in een andere droom.

Dit cinematografische juweel, badend in ironie en satire, laat de deur open voor de kijker om verschillende interpretaties te krijgen, en het kijken laat niemand onverschillig.

Korte biografie van Luis Buñuel

Luis Buñuel was een Spaanse filmmaker, geboren in februari 1900 in een kleine Aragonese stad. Daar bracht hij zijn jeugd door en verhuisde later naar Zaragoza, waar hij met zijn broers op religieuze scholen studeerde.

Toen hij naar de middelbare school ging, ontdekte hij het boek Het ontstaan ​​van soorten (1859) door Darwin, wat hem ertoe bracht zijn opvatting van religie te veranderen. In dit stadium ontstond ook zijn interesse in entomologie, die samen met het religieuze feit een van zijn grote obsessies zou worden en zijn cinematografische werk zou bepalen.

In 1917 verhuisde hij naar Madrid met het idee om Landbouwtechniek te gaan studeren, hoewel hij er uiteindelijk niet in slaagde om toegang te krijgen tot de faculteit. In de hoofdstad woont hij in "The Student Residence", het centrum van Krausista, waar hij enkele van de meest prominente avant-gardekunstenaars van die tijd ontmoet, de zogenaamde De generatie van 27: Ramón Gómez de la Serna, Rafael Alberti, Federico García Lorca en Salvador Dalí, met wie hij een hechte vriendschap onderhield.

Hij bracht zeven jaar door in het studentencentrum en veranderde bij verschillende gelegenheden van studie, totdat hij zich uiteindelijk inschreef voor Filosofie en Letteren. Zijn periode in de hoofdstad was bepalend voor zijn carrière, want dankzij zijn interesse in de avant-garde legde hij de fundamenten die zijn manier om cinema te begrijpen zouden verklaren.

Volledige filmografie van Buñuel

• Een Andalusische hond, 1929
• De Gouden Eeuw, 1930
• Las Hurdes, 1933
• Grand Casino, 1947
• De grote schedel, 1949
• De vergeten, 1950
• Suzanne, 1951
• De dochter van bedrog, 1951
• Een vrouw zonder liefde, 1952
• Opstijgen naar de hemel, 1952
• de bruut, 1953
• Hij, 1953
• Illusie reist met de tram, 1954
• Robinson Crusoe, 1954
• Essay van een misdaad, 1955
• De rivier en de dood, 1955
• Dit is aurora, 1956
• Dood in de tuin, 1956
• Nazarin, 1959
• de ambitieuze, 1959
• de jonge, 1960
• Viridiana, 1961
• De uitroeiende engel, 1962
• Dagboek van een serveerster, 1964
• Simon van de woestijn, 1965
• Overdag mooi, 1967
• De melkweg, 1969
• Tristan, 1970
• De discrete charme van de bourgeoisie, 1972
• De geest van vrijheid, 1974
• Dat donkere object van verlangen, 1977