Wat zijn de Beauty Canons van middeleeuwse kunst?

Een donkere tijd. Weinig eruditie. Een ruwe en onhandige kunst. Zeer religieuze wezens die altijd aan het bidden waren... Dat zijn de vooropgezette ideeën die we hebben over de middeleeuwen, deels aangespoord door films en romans. De werkelijkheid was echter heel anders.

De mensen van de Middeleeuwen ze hadden artistieke gevoeligheid en hadden hun eigen canons met betrekking tot schoonheid. In feite verschillen deze in veel opzichten niet al te veel van de oudheid, hoewel de onderwerpen ons het tegendeel hebben proberen te leren.

Hoe waren de canons van schoonheid in de Middeleeuwen?

Zodat, Wat zijn de belangrijkste canons van schoonheid in middeleeuwse kunst? Wat werd in de Middeleeuwen als mooi beschouwd? In het volgende artikel, en steunend op auteurs die zo illuster zijn als Umberto Eco, zullen we proberen een korte schets te geven van schoonheid in de Middeleeuwen en hoe deze werd weerspiegeld in hun artistieke werken.

een symbolisch universum

Allereerst is het belangrijk om te benadrukken dat we middeleeuwse kunst, bij uitstek symbolisch, niet kunnen vergelijken met de kunst van andere tijden, veel naturalistischer. Wat bedoelen we hiermee? Nou, gewoon

wat voor middeleeuwse kunstenaars de overhand had bij het maken, was niet hoe iets werd weergegeven, maar wat werd weergegeven.

Om deze reden is het ronduit absurd om te bespreken of de middeleeuwen ze wisten of niet van perspectief, of proportie, of symmetrie. Denken we hieraan als we voor een Egyptisch fresco staan? Waarschijnlijk niet, en dat komt omdat we gewend zijn om in het oude Egypte een dogmatische beschaving te zien, helemaal niet naturalistisch.

Dus als we heel duidelijk zijn dat Egypte een religieuze wereld was en dat was de enige bedoeling die ze hadden de tijd om te creëren was om dat spirituele universum vast te leggen, waarom zijn we zo oneerlijk tegenover plastic middeleeuws? Waarom vergelijken we de schilderijen uit de Middeleeuwen met klassieke kunst, en fronsen we en zeggen we dat ze "niet wisten hoe ze moesten schilderen", maar doen we niet hetzelfde met de kunst van de Egyptenaren?

In werkelijkheid liggen de Egyptische en middeleeuwse werelden niet zo ver uit elkaar. We leggen onszelf uit. Voor middeleeuwse mannen en vrouwen was de kosmos Gods schepping, het perfecte werk van de perfecte architect, en daarom was alles doordrenkt met zijn goddelijkheid.

Dit betekende dat elk element van de schepping met elkaar verbonden was en alles had een diepere betekenis dan het op het eerste gezicht had. Voor de middeleeuwen was een dier niet zomaar een dier, maar was het bedekt met een symboliek: de pelikaan, van waarvan werd aangenomen dat het zijn borst zou openen om zijn jongen met zijn bloed te voeden, was een symbool van Christus en de zijnen offer. De struisvogel was de belichaming van het idee van rechtvaardigheid, aangezien zijn veren strikt symmetrisch waren. De hermelijn was puur vanwege zijn smetteloze witte kleur. En zo met een lange etcetera.

In de goddelijke schepping werd niets bij toeval in de wereld gevonden. De middeleeuwse mentaliteit geloofde niet in toeval, zoals later de moderne wetenschappelijke mentaliteit. Elk element was onderworpen aan een oorzaak, vastgesteld door God, dus soms kon het bestaan ​​van iets alleen door de Schepper worden begrepen.

Het was het geval van lelijkheid, misvorming, het monster, die trouwens de middeleeuwse kunst teisteren, vooral in kapitelen en zuilen. Als ze bestonden, was dat omdat God ze een missie had gegeven, een betekenis. In de Middeleeuwen was niets overbodig en ontbrak er niets in de wereld.

• Gerelateerd artikel: "Canons van schoonheid: wat zijn het en hoe beïnvloeden ze de samenleving?"

Een "onnatuurlijke" kunst

Dit symbolische universum werd voortdurend weerspiegeld in schilderkunst en beeldhouwkunst. Uiteraard kunnen we niet zoeken naar naturalistische elementen in middeleeuwse kunst. We hebben al gezegd dat het niet de bedoeling was het hoe, maar het wat. De middeleeuwse kunstenaar legt dus niet vast wat hij ziet, maar wat hij middelen realiteit. Om dit te doen, worden volumes, verhoudingen en elke andere "academische" regel achterwege gelaten en wordt op deze manier een grotere expressieve vrijheid verkregen. Laten we ons voorstellen dat de middeleeuwse kunstenaar hemel en aarde op een strikt naturalistische manier probeerde weer te geven. Onmogelijk. Hoe vat je concepten als redding, veroordeling, God, Christus, onsterfelijkheid, opstanding??? Om vergelijkbare ideeën vast te leggen, is een symbolische taal nodig, en symbolische taal kan niet worden onderworpen aan natuurkundige of wiskundige regels, aangezien, als hij dat deed, zijn expressieve capaciteit zou worden verminderd.

Dit betekent echter niet dat er in de Middeleeuwen geen bepaald idee van proportie en symmetrie bestond. Laten we niet vergeten dat de middeleeuwers veel wisten van de klassieke geschriften en niet zo ver verwijderd waren van de antieke wereld dat ze zichzelf er niet in weerspiegeld zagen. Zelfs in de romaanse kunst, die zo onnatuurlijk is, vinden we duidelijke voorbeelden waarin de kunstenaar heeft geprobeerd de werkelijkheid met enige nauwkeurigheid weer te geven.

Dit is het geval met de reliëfs en sculpturen van de abdij van Moissac, in Frankrijk, waar we een heilige Paulus en een heilige Jeremia vinden verbazingwekkend naturalistisch voor die tijd, met hun kleren die aan het lichaam kleven en in plooien vallen die onvermijdelijk doen denken aan de klassieke techniek. Aan de andere kant, de Vooravond van Soulliac, ook in Frankrijk, is een uitstekend liggend naakt dat heel natuurlijk de borsten reproduceert en het lichaam van de vrouw, dat overigens een ander nogal afgezaagd cliché vernietigt: dat er in de Middeleeuwen "geen naakt".

• Mogelijk bent u geïnteresseerd in: "De 15 takken van de geschiedenis: wat ze zijn en wat ze bestuderen"

Aanpassing aan ruimte en symmetrie

Kenmerkend voor de middeleeuwse beeldende kunst is de aanpassing van de figuren aan de ruimte. In die zin is de Middeleeuwen vrij strikt: degene die de leiding heeft is het gebouw of de plaats waar het werk bestemd is, en dit moet worden aangepast aan zijn kenmerken. Om deze reden komt het vrij vaak voor dat, om de karakters correct te lokaliseren in een timpaan, archivolt of hoofdletter, scènes worden verwijderd of gewijzigd.

Aan de andere kant is het criterium van symmetrie behoorlijk aanwezig in middeleeuwse beeldende kunsten. Umberto Eco, in zijn prachtige essay Kunst en schoonheid in middeleeuwse esthetiek, bevat enkele interessante voorbeelden, zoals die van Soisson, waar een van de wijze mannen wordt "geëlimineerd" om perfecte symmetrie uit te oefenen met de naast elkaar geplaatste scène. We zien hier een duidelijk voorbeeld van de starheid waarmee de middeleeuwen de dispositie en de symmetrie van de figuren, aangezien de totaliteit van de voorstelling absoluut moest voldoen perfect.

In de Middeleeuwen was er geen ruimte voor vernieuwing, althans in de eerste eeuwen. Middeleeuwse ambachtslieden herhalen canons en vormen en passen hun werk aan de ruimte aan volgens duidelijke voorschriften die van generatie op generatie worden doorgegeven. Een Pantokrator zal altijd vergelijkbare modellen volgen, evenals een maagd Theotokos of een aankondiging. We zullen moeten wachten tot het einde van de gotiek voordat er een nieuwe uitdrukking opduikt, namelijk naturaliseert de figuren en uitdrukkingen en probeert hints van perspectief en recreatie van ruimtes echt.

• Gerelateerd artikel: "5 onderwerpen over de Middeleeuwen die we uit ons hoofd moeten krijgen"

licht en kleur

Een ander belangrijk aspect om te begrijpen waar de middeleeuwse mens het concept van schoonheid op baseerde, is licht en kleur. De Middeleeuwen kunnen niet worden begrepen zonder deze twee elementen, aangezien God voor de hoofdrolspelers licht is en licht kleur..

Zo wordt alles een chromatische uitdrukking: de muren en plafonds van kerken en kathedralen, sculpturen, kleding, vaandels, miniaturen, juwelen. Ondanks zijn overtuiging dat schoonheid bovenaards is en bestaat voorbij het zichtbare, staat de middeleeuwse mens niet onverschillig tegenover de aantrekkingskracht die gevoelige schoonheid op hem uitoefent. Suger zelf, abt van Saint-Denis, stond versteld van het kabaal van kleur en licht dat zijn kerk huisvestte, omdat het deze rechtstreeks in verband bracht met goddelijke schoonheid. Iets dat trouwens Bernardo de Claraval en de cisterciënzers als gevaarlijk voor deugd zullen beschouwen en zullen proberen uit hun gebouwen te bannen.

In de middeleeuwse schilderkunst is kleur puur, juist omdat het licht is. De mens van de Middeleeuwen vat kleur niet "half" op; de tonen zijn puur, briljant, helder. Het gebruik van goud bereikt zijn hoogtepunt tijdens de zogenaamde internationale gotiek, waarbij de fondsen zijn versierd met deze tint, die God vertegenwoordigt. Edelstenen en edelstenen worden evenzeer gewaardeerd, niet alleen vanwege hun economische waarde, maar ook omdat ze kleur en licht 'vangen'. In romans en troubadour-poëzie worden de rode wangen van de geliefde, haar witte huidskleur en haar haar verheven. blondines, en de edelen dragen onmogelijke combinaties waaronder blauw met groen en rood met geel of viooltjes. Kortom, in tegenstelling tot wat men (nog) gelooft, zijn de Middeleeuwen een tijd die licht uitstraalt.

De nieuwe "gotische" schoonheid

De Romaanse drukt schoonheid uit door middel van krachtige en "solide" figuren, geïnspireerd door iconografieën van het Byzantijnse Oosten., zoals de iconen van de Maagd en de Christuss in Majesteit. Tegen het einde van de 13e eeuw vertoont de stijl duidelijke tekenen van uitputting en treedt een veel meer "gestileerd" schoonheidsideaal op, kenmerkend voor de gotiek.

Dit betekent niet dat verticaliteit niet bestond in de Romaanse. Een ander terugkerend cliché uit de Middeleeuwen is dat romaanse kerken alleen horizontaal zijn als ze er zijn talloze voorbeelden van kathedralen uit die tijd die getuigen van de liefde voor verticaliteit (de klim naar God). Het is echter waar dat tijdens de gotiek de figuren van plastische voorstellingen waren "verlengen", dus gehoorzamen aan de canon van laatmiddeleeuwse menselijke schoonheid, wat overeenkomt met tien hoofden. Zoals we kunnen zien, is de resulterende figuur buitengewoon slank, als we er rekening mee houden dat in de klassieke tijd de canon werd teruggebracht tot zeven en acht.

Verticaliteit is dus schoonheid tijdens de gotiek. Kathedralen stijgen tot in het oneindige, glas-in-loodramen nemen steeds meer ruimte in beslag (vooral in Noord-Europa), en zelfs mode vangen deze fascinatie voor de "langwerpige": puntige hoofdtooien voor de dames en wambuizen smal in de taille voor de mannen die, aangevuld met Kousen en lange schoenen dragen bij aan het creëren van de ideale mannelijke schoonheid van de late middeleeuwen: een lange en slanke man als de toren van een kathedraal. gotisch.