Realisme i kunst: egenskaper, opprinnelse og eksempler

Kunst er et iboende menneskelig uttrykk. Nettopp av denne grunn, og på grunn av det ekstraordinære kulturelle mangfoldet som alltid har eksistert, hver epoke og hvert samfunn har utøvd kunstnerisk skaperverk på ulike måter, tilpasset kunst til egne behov for uttrykk og kommunikasjon.

Kunsten har ikke alltid søkt å etterligne virkeligheten; ikke bare i avantgarden på 1900-tallet opplevde den en betydelig avvik fra den, men den gjorde heller ikke vi finner realisme i det kunstneriske uttrykket til sivilisasjoner som det gamle Egypt eller Vesten middelaldersk. Det har imidlertid vært kulturer og historiske øyeblikk der imitasjonen av naturen var det viktigste, og ideen var fullstendig underordnet representasjonen av virkeligheten.

Hvordan har realisme oppstått i kunsten? Hva har vært utviklingen din? I denne artikkelen vil vi prøve å tegne en omvisning gjennom de forskjellige kunstneriske manifestasjonene og deres grad av realisme.

Hva er realisme i kunst?

Det er viktig å skille mellom to begreper: Realisme som kunstnerisk retning og Realisme som kjennetegn ved et kunstverk.

. Mens den første er således en plastisk og litterær bevegelse som begrenser seg til tiårene som går fra 1840 til 1880, er realismen mht. karakteristisk for et kunstverk har å gjøre med graden av realisme som verket presenterer, nemlig: perspektiv, proporsjoner, volumer, rom, etc

På denne måten hører ikke alle realistiske verk til realismens strømning, så vel som et innrammet verk i denne bevegelsen trenger den ikke å presentere realistiske kjennetegn (selv om sistnevnte ikke er den mest vanlige).

Kjennetegn på realismen som en kunstnerisk strømning på 1800-tallet

Realismebevegelsen oppsto i Frankrike og betydde et klart svar på forgjengeren romantikken. På denne måten, mens sistnevnte ble inspirert av legendariske temaer og brakte menneskelige følelser til deres paroksisme, Realismen foreslo en radikal vending og rettet blikket mot den omgivende virkeligheten i dag til dag. Denne realistiske visjonen av fagene ble, med naturalismen (den "mørke" sønnen til realismen), en elendig utforskning av underverdenen og menneskehetens mørkeste situasjoner. Noen av de viktigste billedmessige representantene for denne strømmen er Jean-François Millet og, i den litterære sfæren, Émile Zola, regnet som naturalismens far.

Så vi har at realisme og naturalisme, når det gjelder kunstneriske strømninger i XIX, utforsker temaer knyttet til hverdagen og gå bort fra motiver som ikke er basert på en empirisk observasjon av omgivelsene av kunstneren. Det er derfor både det ene og det andre (spesielt naturalismen) ofte representerer en sur fordømmelse av den sosiale prekæriteten som fulgte med den industrielle revolusjonen.

På den annen side er realisme som et kjennetegn ved et kunstverk knyttet, som vi allerede har sagt, til dets formelle egenskaper. Med dette eksemplet vil det være ganske klart: et renessanseverk som kan skryte av et matematisk perspektiv og respekterer volumer av figurer er et formelt realistisk verk, men det er på ingen måte avgrenset til dagens 1800-talls realist

• Relatert artikkel: Hva er de 7 kunstene?

Siden når eksisterer realisme i kunsten?

Allerede i de første kunstneriske manifestasjonene (den såkalte bergkunsten) finner vi egenskaper som vi kunne vurdere realistisk. For til tross for at i bisonen i Altamira og i hestene representert i hulene i Lascaux (Frankrike) finner vi ingen indikasjoner på perspektiv eller et autentisk ønske om å representere en ekte scene, finner vi uvanlige detaljer i representasjonen av dyr.

Til tross for dette kan vi ennå ikke snakke om realistisk kunst, siden hulemalerier Generelt presenterer de en tydelig skjematisering og vil snarere være relatert til en kunst konseptuelle. Faktisk, stort sett, menneskehetens kunst var aldri strengt realistisk før ankomsten av Renessanse, med unntak, selvfølgelig, gresk og romersk kunst.

I Egypt finner vi igjen en eminent konseptuell kunst: det gjøres forsøk på å uttrykke konsepter og ideer, og til og med scener daglige aktiviteter følger markante konvensjoner som ikke har noe å gjøre med en mimetisk representasjon av virkeligheten rundt. I det gamle Egypts kunst er scenene organisert i horisontale bånd, og det er ingen realistisk rekkefølge av elementene i representasjonen.. I tillegg ble de mest betydningsfulle delene av hvert element valgt, slik at ansiktet ble representert i profil, øynene og overkroppen foran, og bena til siden. Dette adlød ikke noen virkelighet og var utelukkende underordnet ønsket om å representere de mest gjenkjennelige delene av hvert element.

Det vil si at egypterne "formet" virkeligheten på sin egen måte. Nildalens kunstnere fulgte strengt et skalasystem knyttet til betydningen av individet som var representert. I samme scene og på samme plan finner vi derfor noen figurer som er mye større enn andre. Denne størrelsesforskjellen skyldes ikke noe forsøk på perspektiv, men er snarere knyttet til (forresten, veldig strenge) hierarkiet til Egyptere: en gud vil alltid være representert mye større enn en farao, denne vil alltid være mye større enn hans kone og barn, etc

Denne konseptuelle representasjonen vil bli gjenvunnet i middelalderkunsten, som vi vil se senere. Men mellom kunsten til gamle sivilisasjoner og middelalderen var det en kort parentes av realistisk kunst: gresk kunst og romersk kunst, som vi vil diskutere nedenfor.

• Du kan være interessert i: "10 kuriositeter om kjente kunstverk"

Den "realistiske" parentesen: Hellas og Roma

Arkaisk gresk kunst var nært knyttet til måten å representere folkene i øst på, spesielt Egypt. Men mot det VI århundre a. c. noe begynte å endre seg. Det er den såkalte klassiske greske perioden, der en type plastiske representasjoner som er mer konsistente med virkeligheten oppmuntres.

Grekernes økende interesse for menneskelig anatomi stammer fra en skulpturell produksjon som strengt etterlikner naturen. er den gresk mimesis, forsøket på å fange virkeligheten slik den er, derfor etter kriterier for proporsjon, volum og symmetri.

Men til tross for at de fanger enormt realistiske anatomier i marmor og bronse, la oss ikke glemme at disse verkene samtidig adlød det de forsto som "ideell skjønnhet". Med andre ord, mens gudene og gudinnene i gresk skulptur er anatomisk perfekte, representerer de prototyper, ikke konkrete, identifiserbare personer.

For å gjøre dette må vi vente på Roma, hvor individualiseringen når uanende høyder gjennom portrettet. På den andre siden, freskene som finnes i Pompeii, spesielt de som tilsvarer den såkalte andre og fjerde Pompeiansk stil, viser en realisme som ikke vil bli funnet igjen i vestlig maleri før den XV århundre.

Disse maleriene forble skjult i århundrer, begravet av restene av asken produsert av Vesuvs utbrudd. Paradoksalt nok tillot katastrofen at restene ble bevart praktisk talt intakte frem til oppdagelsen av ruinene på 1700-tallet. Oppdagernes overraskelse var enorm, for foran øynene deres ble det vist noen malerier av utsøkt kvalitet og en enda mer overraskende realisme.

Faktisk, i freskene i den såkalte andre pompeianske stilen, vises de gjennom et vindu fiktive svært forseggjorte arkitektoniske perspektiver, som virkelig ser ut til å "åpne" et rom i Vegg. Den samme teknikken ble brukt mange århundrer senere av Masaccio i hans freskomaleri av Treenighet, fra den florentinske Santa Maria Novella, som forbløffet hans samtidige fordi det så ut til å åpne et hull i veggen til kirken.

middelalderplast

Masaccios arbeid var veldig nyskapende for sin tid; La oss tenke at siden de pompeianske freskene hadde det ikke blitt gjort noe forsøk på å skape et rom med så uttalt realisme. Middelalderkunsten som fulgte de siste årene av Romerriket er generelt (vi kan ikke dvele her ved alle stiler og manifestasjoner) skjematisk og eminent konseptuell.

På samme måte som egypterne representerte ikke middelalderkunstnere virkelige rom og elementer, men uttrykte snarere, gjennom maleri og skulptur, en rekke konsepter og ideer. Elementer som symmetri og volum går tapt i denne typen arbeid., men ikke, som mange har hevdet (og dessverre fortsatt hevder) fordi "de ikke visste hvordan de skulle male", men fordi deres mål med å representere disse verkene ikke var å etterligne naturen.

Det er mange temaer om romansk "uttrykksløshet"; uuttrykksomhet som ikke er slik, som raskt kan forstås hvis man nøye vurderer noen av relieffene som er bevart. For selv om romansk plastikk (og middelalderkunst generelt) er eminent konseptuell (akkurat som egyptisk plastikk), er det ikke sant at den mangler uttrykk. Problemet er at deres uttrykksform ikke er vår, altså mange av måtene romanske kunstnere hadde for å fange følelser og følelser samsvarer ikke med vårt nåværende språk.

På den annen side er mange av romanske kunstverk lastet med detaljer, som kan manifesteres på høsten foldene på en tunika (skjematisk, men ofte veldig detaljert) eller i kantene som dekorerer en duk fra den siste Middag.

Oppnåelsen av perspektiv

På begynnelsen av det femtende århundre markerte Filippo Brunelleschi en milepæl i kunsthistorien ved å etablere prosedyren for matematisk eller lineært perspektiv. Litt senere skrev Alberti ned Brunelleschis nye teorier i sitt arbeid av pictura (1435). Fra da av vil vestlig kunst bygges på disse forskriftene, som vil bli ansett som grunnlaget for «godt» maleri.

Så, I løpet av hele 1400-tallet og deler av 1500-tallet forsøkte den italienske renessansen å gjengi lineært perspektiv i sine billedverk.. Dette perspektivet oppnås gjennom etableringen av et forsvinningspunkt, hvorfra alle linjene som bygger rommet til maleriet kommer frem. Dette produserer en optisk illusjon som gir hjernen følelsen av dybde.

Den såkalte flamske renessansen eksisterer side om side med renessansen på den italienske halvøya, en annen av de store revolusjoner innen maleriet som i dette tilfellet ble utført av kunstnerne i Flandern på 1700-tallet. XV. Disse "flamske primitivene" ga sine arbeider dybde gjennom rekkefølgen av fly og, Fremfor alt setter de en milepæl i billedrealisme ved å gjengi alle detaljene i gjenstander. Det sies at i Jan van Eycks malerier kan alle planteartene som dukker opp, katalogiseres takket være overfloden av detaljer.

Det italienske matematiske perspektivet var imidlertid den store vinneren av vestlig kunst i moderne tid, og fra 1500-tallet preget realismen europeisk maleri. Barokkkunst er en utpreget realistisk kunst fordi den, til tross for (ganske) berømmelse for å være en opphøyet og svært emosjonell kunst, også reserverer en plass for representasjon av virkeligheten: gamle menn med rynker, tannløse ansikter, barn med skitne føtter, stilleben av frukt fanget med ekstraordinære realisme…

Gå tilbake til opprinnelsen til kunstnerisk realisme

Realistisk kunst dominerte den vestlige kunstscenen frem til midten av 1800-tallet, da de første bruddene med «tradisjonell» kunst dukket opp.. Impresjonister, estetiske strømninger, og senere, fauves, stilte spørsmål ved hva som siden det femtende århundre var blitt etablert som det udiskutable grunnlaget for "god" kunst.

Avantgarden på 1900-tallet utgjør altså en slags tilbakevending til opprinnelsen. Avantgarde-kunstnere, i sin iver etter å distansere seg fra akademisk og offisiell kunst, søker nye uttrykksmåter, og finner dem i ødeleggelsen av «realismen»; det vil si perspektivet, proporsjonen, den kompositoriske sammenhengen. Med et ord, den strenge etterligningen av virkeligheten.

Kjent er tilfelle av Picasso, hvis tegninger ofte minner om mosarabiske miniatyrer, eller kubistene som på en lignende måte som Egyptere, mer enn to årtusener før, brøt den realistiske visjonen om gjenstander og reproduserte dem i en absolutt subjektiv.

Hyperrealisme og de nye realistiske strømningene

Ofte reagerer de ulike strømningene og kunstneriske uttrykkene på hverandre. Vi har allerede nevnt i innledningen hvordan den realistiske bevegelsen på 1800-tallet var et svar på romantikken fra de foregående tiårene. Vel, for tiden finner vi i det kunstneriske panoramaet en strømning som løfter billedrealismen til uante grenser; vi viser til den såkalte hyperrealistiske strømmen.

Hyperrealismen ble født på slutten av 1900-tallet, delvis som et svar på den konseptuelle og abstrakte tendensen til plastisk kunst.. Denne strømmen tar imitasjonen av naturen til sitt maksimale uttrykk, som gjør maleriene til fotografiske reproduksjoner (faktisk kalles det også fotorealisme). Skarpheten i komposisjonene er slik at den ofte er virkelig overveldende for betrakteren; Selvfølgelig er det ingen mangel på kritikere, som kaller det en enkel imitator av virkeligheten.

Spørsmålet er: skal kunst kopiere naturen, slik de gamle grekerne argumenterte med sin mimesis, eller har den en «forpliktelse» til å bidra med noe nytt? Hvis vi tar utgangspunkt i at en imitasjon aldri er en eksakt gjengivelse av den ekte varen (siden det alltid går gjennom kunstnerens sil), kanskje det vi bør spørre oss selv er om «kunst realistisk".