Gustav KLIMT i jego 5 najważniejszych prac

Gustav Klimt (1862-1918) jest jednym z odniesień modernistycznego ruchu wiedeńskiej secesji, będąc jednocześnie jego współzałożycielem i pierwszym prezydentem. ZA Malarz-symbolista pochodzenia austriackiego charakteryzuje się osobliwościami, prestiżem i jest jednym z najbardziej dekoracyjnych malarzy wielcy XX wieku, rozwijający własny styl, przeładowany erotyzmem, eklektyczny, pełen fantazji i bogactwo.

W tej lekcji z unPROFESOR.com proponujemy Ci, które są najważniejsze dzieła Gustav Klimt oraz podstawowe cechy jego stylu artystycznego.

Indeks

1. Charakterystyka prac Gustava Klimta
2. Audytorium Starego Burgtheater: jedna z prac Gustava Klimta
3. Pallas Atenea (1898)
4. Medycyna (1900-1901), bardzo ważne dzieło Kimta
5. Adele Bloch-Bauer (1903-1907), najlepsze dzieło Klimta
6. Pocałunek (1907-1908), jedno z najważniejszych dzieł Klimta

• Klimt był malarz dekoracyjny poświęcony upiększaniu budynków z płaskorzeźbami oraz scenami i postaciami historycznymi. Estetyka, która doprowadziła do tego, że jego obrazy na płótnie stały się
  instagram story viewer
  wykładnik równości między sztuką dekoracyjną a sztukami pięknymi.
• To był jeden z założyciele Secesji Wiedeńskiej, w 1897 roku został wybrany na prezydenta ze względu na swoją buntowniczą i przełomową osobowość. Jego międzynarodowa sława jako najsłynniejszego malarza secesyjnego przyczyniła się do początkowego sukcesu secesji, ale także do jej upadku, gdy opuścił ją w 1905 roku.
• Chociaż obecnie jest to grafika jest kultowa i bardzo popularna, w tym czasie część jego prac była uważana za nieprzyzwoitą ze względu na ich wysoka zawartość erotyczna.
• Jego praca to bardzo osobisty i wyjątkowyDo dziś jego Złota Faza charakteryzuje się wykorzystaniem złotych i srebrnych arkuszy w stylu bizantyjskich mozaik.

Wśród najwybitniejszych dzieł Gustava Klimta jest Audytorium Starego Burgtheater (1888-89), początki malarskiej kariery Klimta.

Było to jedno z najważniejszych zleceń początku kariery Klimta. Rada miejska Wiednia poprosiła malarza o namalowanie kilku obrazów starego Burgtheater, opera miejska, wybudowana w 1741 roku i zburzona w 1888 roku.

Klimt zdecydował się na uchwycenie układu lóż operowych, co było dość oryginalnym wyborem, ale znaczącym z architektonicznego punktu widzenia. Dzieło styl akademicki, typowy Wczesne prace Klimta i w którym wpływ Hans Makart.

Innym interesującym aspektem jest szczegółowość i wirtuozeria Klimta wprowadzając do pracy portrety wszystkich tych osób, które poprosiły go o umieszczenie ich w pudłach. Spektakl jest więc nie tylko wspomnieniem tego, jaki był teatr, ale także politycznych, kulturalnych i ekonomicznych elit miasta: łącznie ponad 150 osób. Wśród słuchaczy m.in. premier Austrii, burmistrz Wiednia, chirurg Theodor Billroth, kompozytor Johannes Brahms i kochanka cesarza, aktorka Katherina Schratt.

Choć secesjoniści z zasady zrywali z dotychczasowymi tradycjami artystycznymi, ich związek z przeszłością nie był tak prosty. Tak więc zarówno on, jak i inni członkowie secesji inspirowali się: Grecko-rzymskie mityczne i alegoryczne postacie i opowieści i inne starożytne cywilizacje.

W tym przypadku Klimt reinterpretuje postać grecko-rzymskiej bogini o delikatnych barwach i skłonności do abstrakcji, stylu, do którego przyłączy się, gdy porzuci secesjonizm. W tej pracy Klimt oferuje potężny i imponujący obraz Ateny, ukazujący boginię spowitą mgłą i androgyniczny wygląd. Ubiera ją w wojskowy strój, który identyfikuje ją jako wojowniczkę i obrońcę miasta Aten, męskie cechy, jednocześnie pokazując jej długie i cienkie włosy jako znak jej kobiecej strony. W ręku trzyma nagą postać Nike, reprezentację zwycięstwa.

W tej mgle reprezentacja oniryczna, łącząc pracę z pracą Zygmunt Freud. Dzieło byłoby więc ucieleśnieniem ideału kobiety silnej, obiektu męskiego pożądania, a także kobiety, która pragnie przebrać się za mężczyznę, by osiągnąć status władzy.

W 1894 r. Ministerstwo Kultury zleciło Klimtowi namalowanie nowego Wielka Sala Uniwersytetu Wiedeńskiego. Praca Klimta polegała na namalowaniu trzech monumentalnych płócien na tematy odpowiednio filozofii, medycyny i orzecznictwa. Kiedy Klimt zaczął malować płótna w 1898 roku, już przyłączył się do secesji i porzucił naturalizm. Z trzech prac Medycyna była płótnem, które wywołało najwięcej kontrowersji.

Lekarstwo pokazuje do Hygeia, mitologiczna córka boga medycyny, znajduje się w dolnej części płótna i jest identyfikowany przez węża i kieliszek Lety. Nad Hygeią wznosi się wysoka kolumna światła, na prawo od której wznosi się sieć nagich postaci, splecionych ze szkieletem Śmierci. Po drugiej stronie słupa światła unosiła się naga kobieta, której miednica była pochylona do przodu, a pod jej stopami unosiło się dziecko owinięte w tiul. Ta kompozycja wywołała wiele krytyki, oskarżając Klimta o wykonanie pracy pornograficznej, bez odniesienia do żadnego tematu medycznego. Postawa odrzucenia, z jaką przyjęto prace Klimta, skłoniła malarza do odkupienia trzech prac w 1905 roku.

Praca Klimta pokazuje, że niejednoznaczność ludzkiego życia, reprezentujące jednocześnie narodziny i śmierć. Odrzucenie dzieła Klimta pokazuje, jak pomimo wielkich postępów, jakie Secesja poczyniła przez lata Od momentu powstania ruchowi nie udało się odwrócić konserwatywnego podejścia do sztuki nowoczesnej w Wiedniu.

Dla Klimta było to definitywne upokorzenie i publiczne odrzucenie, za co nie wystawiał się w Wiedniu. przez pięć lat po 1903 r. i zrezygnował z oficjalnych przydziałów, zgadzając się tylko na przejmowanie przydziałów prywatny. Te trzy obrazy, podobnie jak wiele dzieł Klimta, zostały skonfiskowane przez nazistów i poddane kremacji w maju 1945 roku. wewnątrz Schloss Immendorf, zamku w Dolnej Austrii, gdzie były przechowywane, przez wojska SS w wycofanie.

To jest jeden z Najsłynniejsze dzieła Klimta za bycie jedną z najgłośniejszych spraw dotyczących kradzieży dzieł sztuki prowadzonych przez nazistów. Adele Bloch-Bauer, żona wiedeńskiego bankiera i magnata cukrowego Ferdynanda Bloch-Bauera, była jedną z jego ulubionych muz, będąc wzorem dla kilku innych obrazów, w tym słynnej Judyty I (1901). Chociaż podobno Klimt był romantycznie związany z wieloma kobietami, które namalował, dokładna natura jego związku z Adele Bloch-Bauer jest nieznana.

Na tym płótnie rozpad rzeczywistości przebijając się do najczystsza abstrakcja. Tak więc, chociaż Klimt reprezentuje siedzącą Adele Bloch-Bauer, prawie niemożliwe jest odróżnienie kształtu krzesła lub oddzielenie kształtów jej ubrań od tła. Klimt był w dużej mierze obojętny na przedstawianie charakteru swojego modela, nie mówiąc już o podawaniu lokalizacji i kontekstu. Sposób użycia złoty i srebrny liść Pokazuje wysoką wartość i jakość biżuterii, którą nosi Adele, a także głębię miłości jej męża, który zlecił obraz.

Praca jest oprawiona w ramy „Złota faza” Klimta pierwszej dekady XX wieku, w której wykorzystał dziesiątki złote wzory i metaliczne odcienie w Twoich obrazach, które dodają przepychu i luksusu do jego dzieł. Technika nawiązująca do bizantyjskich mozaik w bazylice San Vital w Rawennie we Włoszech, którą Klimt odwiedził w grudniu 1903 roku. Wiele z tych mozaik wykorzystuje podobne płaskie złote tło i przedstawia bizantyjską cesarzową Teodorę. Przedstawienie Klimta chokera noszonego przez Adele Bloch-Bauer na tym portrecie jest inspirowane tymi mozaikami. Historycy sztuki wskazują również na egipskie wpływy na kształt oczu i ubiór Bloch-Bauer, a spirale przypominają wzory ze starożytnych Myken i Grecji klasyczny.

Ponieważ Bloch-Bauer byli Żydami, majątek Ferdynanda został zrabowany przez nazistów po aneksji Austrii i zachodniej Czechosłowacji w 1938 roku. Naziści zainstalowali obraz w Galerie Belvedere w Austrii. Ferdinand zmarł w 1946 roku, ale wcześniej przekazał skonfiskowane obrazy, w tym ten i pięć innych dzieł Klimta, swoim siostrzeńcom. Wśród nich był Marii Altmann. W 2000 roku złożyła pozew o odzyskanie obrazów.

Sprawa cieszyła się ogromnym zainteresowaniem mediów i dotarła do Sądu Najwyższego Stanów Zjednoczonych, a obrazy zostały zwrócone rodzinie Bloch-Bauer w 2006 roku. W czerwcu Altmann sprzedał tę pracę amerykańskiemu kolekcjonerowi kosmetyków i potentatowi Ronaldowi S Lauderowi za 135 milionów dolarów, rekordową cenę za każdy obraz. Lauder dostarczył obraz do Neue Galerie Sztuki Niemieckiej i Austriackiej w Nowym Jorku, gdzie jest obecnie wystawiany.

Pocałunek jest jednym z Najbardziej zmysłowe i popularne prace Klimtai prawdopodobnie jego najbardziej reprodukowanym dziełem. Jest to również jeden z kluczowych obrazów tzw „Złota faza” Klimta, faza, która trwa w przybliżeniu od 1903-09 i jest uważana za doskonały przykład example Malarstwo secesyjne.

Praca przedstawia parę obejmującą się na skraju łąki, reprezentowaną przez świetlisty wzór kwiatowy, jak rodzaj kołdry rozłożonej pod ich ciałami. Konstrukcja kompozycji sugeruje wysoki stopień znajomości ruchu Arts and Crafts. W ten sposób płaski wzór kafelkowy łąki i ubrania postaci przypominają tkaniny wyprodukowane przez Williama Morrisa pod koniec XIX wieku.

Wykorzystanie materiałów z złoty i srebrny liść pokazuje wysoki stopień specjalizacji osiągnięty przez Klimta, przywołując średniowieczne rękopisy iluminowane, choć jest to o wiele cenniejszy i bardziej zbliżony do sztuki bizantyjskiej, jak złote pola dla mozaik, które widział w Rawennie w 1903 roku.

Co więcej, podczas gdy Morris i średniowieczne źródła wykorzystują cenne materiały do ​​wysławiania Słowa Bożego lub wielkiej literatury, Klimt Używa ich do uświęcenia natury relacji międzyludzkich i więzi między kochankami, kluczowego motywu secesji. Tak więc pocałunek uosabia uniwersalna i ponadczasowa wizja romantycznej miłości.

Jeśli chcesz przeczytać więcej artykułów podobnych do Gustav Klimt: najważniejsze prace, zalecamy wpisanie naszej kategorii Fabuła.

• Cardona, FL (2016) Gustav Klimt, redaktorzy
• Nieto Yusta, C, (2014) Klimt. Artysta duszy, Libsa