System Stanisławski: co to jest, cechy i jak jest wykorzystywany w działaniu

Mówią, że ulubionym słowem Stanisławskiego do jego uczniów aktorów było: „Nie wierzę ci, nie przekonujesz mnie”. Jego sposób patrzenia i rozumienia, jak powinni postępować artyści teatralni, był wymagający, ale też skrupulatny. Tak bardzo, że stała się własną metodą: system Stanisławski.

Jego systematyczne podejście do aktorstwa nie tylko zrewolucjonizowało sposób gry aktorskiej Rosja swoich czasów, ale też zdołał przekroczyć granice, zmieniając kierunek teatru Zachodni.

Ta metoda była kluczowa przy tworzeniu sztuk, seriali i filmów, jakie znamy dzisiaj, a potem dowiemy się dlaczego.

• Powiązany artykuł: „Czym jest 7 sztuk pięknych? Podsumowanie jego cech ”

Czym jest system Stanisławski?

Konstantin Sergeevich Alekseyev (Moskwa 1863-1938), lepiej znany jako Stanisławski, był płodnym rosyjskim aktorem, reżyserem i pedagogiem teatralnym Znany z tego, że jest autorem jednej z najważniejszych metod w historii sztuk performatywnych: systemu Stanisławskiego. Jego metoda, będąca efektem wieloletnich wysiłków, miała na celu umożliwienie aktorom kontrolowania aspektów najbardziej niematerialne i niekontrolowane ludzkie zachowanie na scenie, takie jak emocje i inspiracja artystyczny.

Stanisławski badał, co robili aktorzy, którym oczywiście udało się wejść w postać. Opierając się na swoich obserwacjach i doświadczeniach, ten rosyjski reżyser stworzył system, w którym każdy aktor, zarówno nowicjusz jako weterani w zawodzie, mogliby zastosować w swoich pracach czystsze, bardziej realne i naturalny. Ta metoda była tak rewolucyjna w momencie swojego pojawienia się, że oznaczała przed i po w świecie aktorskim, ustanowienie standardów, które wytyczyły granicę między przekonującym wykonaniem sztucznym a złym reprezentowane.

Metoda ta została sformułowana w czasie, gdy sztuki sceniczne jego ojczyzny, Rosji, charakteryzowały się konwencjonalnymi i stereotypowymi frazesami. Aktorzy zachowywali się sztucznie, wręcz histrionicznie. Spektakle skąpane były w aureoli fałszywej emocjonalności i niewielkim przygotowaniu ze strony aktorów, tak małym, że już na scenie dowiedzieli się, co mają do powiedzenia. Niewiele lub nic nie obejrzano skryptów, z których wyszło to, co powinni byli zapamiętać.

Stanisławski przeprowadził drobiazgowe badania, aby jego aktorzy od początku pracowali z czymś, co postrzegali jako realne., ludzie, elementy i przedmioty postrzegane nie jako zwykłe elementy sceny, ale jako części rzeczywistej, przyziemnej sceny, część samego życia. Ludzie nie są aktorami w naszym życiu, ale jesteśmy ich częścią, żyjemy nimi bardziej niż je odgrywamy.

Aby skłonić aktora do wejścia na scenę, którą reprezentuje, Stanisławski broni użycia pamięci emocjonalnej. Aktor lub aktorka musi pamiętać osobiste doświadczenie podobne do tego, które próbuje przedstawić, pomagając mu poczuć się bardziej zanurzonym i zaangażowanym w to, co próbuje przedstawić na scenie. Powinieneś poszukać sytuacji w swojej historii życia, w której odczułeś emocję analogiczną do swojej postaci.

Ale nie osiąga się tego wyłącznie poprzez wzbudzanie szczerych emocji. Niezbędne jest również niewielkie wsparcie zewnętrzne, zmodyfikowanie naszego wyglądu i zachowania w celu ożywienia postaci że ma reprezentować, a raczej ożywiać. Makijaż, ubieraj się, chodź, w skrócie zachowuj się jak postać, ponieważ zewnętrzne akty fizyczne pomagają wyzwolić poszukiwaną emocję, kierując się zasadą, że jeśli zaczniesz płakać, skończysz jako smutny.

• Możesz być zainteresowany: „20 filmów o psychologii i zaburzeniach psychicznych”

Zasady systemu Stanisławskiego

System Stanisławski jest dość złożony i nie można powiedzieć, że jest statyczny właśnie ze względu na to, jak bardzo ewoluował od czasu jego konceptualizacji na początku XX wieku. Możliwe jest jednak podkreślenie niektórych z jego najważniejszych zasad, które przyczyniły się do zaznaczenia przed i po w sposób, w jaki artyści teatralni, a później filmy i seriale reprezentowali swoją postacie:

1. Koncentracja na postaci

Aktor musi odpowiedzieć na wyobraźnianauczyć się myśleć jak postać, koncentrując się na byciu tym, co gra.

2. Poczucie prawdy

Z poczuciem prawdy moglibyśmy powiedzieć, że jednym z pomysłów tej metody jest rozróżnienie między tym, co organiczne, a tym, co sztuczne. Stanisławski był głęboko przekonany, że w sztukach scenicznych istnieją prawa natury., który, jeśli jest szanowany, odróżnia dobry, naturalny i harmonijny utwór od złego, wymyślonego i przereagowanego.

• Powiązany artykuł: „Trzynaście rodzajów uczenia się: czym one są?”

3. Postępuj zgodnie z danymi okolicznościami

Aktor musi umiejętnie posługiwać się i radzić sobie z okolicznościami podanymi w tekście, ale za pomocą prawdy i uciekania się do środków organicznych. Jest o trzymanie się scenariusza, ale uwalnianie się poprzez reprezentowanie swojej emocjonalności, pozostając wiernym temu, co pojawia się w scenariuszu, ale nadając spektaklowi osobowość i naturalność.

• Możesz być zainteresowany: „Teksty dramatyczne: czym są, rodzaje, cechy i przykłady”

4. Metoda fizyczna

Stanisławski zauważył, że wielu jego uczniów miało głębokie napięcia emocjonalne i problemy psychiczne. Dzięki swojej metodzie mógł pomóc usunąć fizyczne i emocjonalne napięcie z aktorów, sprawiając, że Podczas prezentacji rozluźnią mięśnie i będą działać w znacznie bardziej wyzwolony sposób.

Do tego rosyjski reżyser przywiązywał niezwykłą wagę do czynnika fizycznego, który służył nie tylko odprężeniu, ale także dokładniejszej scenie. Z tego powodu twój system jest również znany jako metoda działania fizycznego ze względu na duży nacisk na rozluźnienie mięśni podczas wykonywania występu.

• Powiązany artykuł: „Progresywny relaks Jacobsona: zastosowanie, fazy i efekty”

5. Sfery uwagi

Sfery uwagi to właśnie to, co Stanisławski miał na myśli, pracując nad doznaniami. Aktor musi odkryć sensoryczne podłoże dzieła. Twoim zadaniem jest nauczyć się zapamiętywać i zapamiętywać wrażenia, które odczuwa twoja postać, wrażenia które modulują ich stan umysłu i sposób zachowania się z innymi postaciami w sztuce oraz z publiczny.

6. Komunikacja i kontakt

Aktor musi mieć możliwość spontanicznej interakcji z innymi postaciami, bez naruszania treści książki, ale nie wydaje się to w jakiś sposób wymuszone lub sztucznie przygotowane. Komunikacja i kontakt z innymi aktorami jest niezbędna podczas prób i spektakli finałowych.

• Możesz być zainteresowany: „28 rodzajów komunikacji i ich cechy”

7. Role podzielone na jednostki i cele

Artyści muszą nauczyć się dzielić rolę lub rolę swoich bohaterów na sensowne jednostki, które mogą działać osobno. Zadaniem aktora i aktorki jest zdefiniowanie każdej jednostki roli, czując ją jako własne pragnienie. zamiast rozumieć to jako ideę literacką wyrastającą z libretta reżysera.

8. Kreatywność w działaniu i myśleniu

Nie możesz być aktorem, nie będąc kreatywnym. Kreatywność przejawia się zarówno w twórczym stanie umysłu, jak i sposobie działania.

• Powiązany artykuł: „Czym jest kreatywność? Czy wszyscy jesteśmy „potencjalnymi geniuszami”?”

9. Pracuj z tekstem scenariusza

Ta zasada może wydawać się oczywista, ponieważ trudno jest rzetelnie przedstawić utwór, całkowicie ignorując to, co mówi w libretto. Jednak w Rosji na początku ubiegłego wieku nie było to uważane za oczywiste przez niektórych rosyjskich artystów, ponieważ że wielokrotnie zdarzało się, że scenariusze nie były czytane i ufali, że powiedzą im swoje frazy podczas działania.

Aktor musi szanować to, co umieszcza w scenariuszu, zapamiętując i przyswajając swoje kwestie, ale nie ucząc się „wymiotować” w czasie gry. Aktor musi odkryć społeczne, polityczne i artystyczne znaczenie tekstu, zrozum idee, które reżyser uwiecznił w scenariuszu sztuki. Jako artysta, aktor lub aktorka musi służyć jako środek do powierzenia tych wartości i wizji publiczności, która przybyła, aby zobaczyć dzieło.

Znaczenie systemu stanisławowskiego dzisiaj

System Stanisławski ewoluował z biegiem czasu. Na początku tym, co musieli zrobić aktorzy i aktorki, było odnalezienie prawdy o postaci, potraktowanie jej jako realnego bytu. Jednak wraz z upływem czasu praktyka znajdowania we własnym doświadczeniu zasobów, które pozwalają mu poczuć to, co czuje jego postać, została włączona w każdej sytuacji.

Dziś rozumie się, że aktor musi nie tylko rozumieć, co dzieje się z jego postacią wewnątrz pracy, ale także musi znać sytuację życiową, w jakiej się znajduje i w jakich okolicznościach się znajduje otaczać. Wiedząc o tym i żyjąc we własnym ciele, aktor będzie mógł zareagować w taki sam sposób, jak oczekiwałby tego jego bohater, czyniąc przedstawienie tak naturalnym, jak to tylko możliwe.

Poszło to znacznie dalej, dochodząc do obecnego faktu, że wielu artystów żyje na co dzień tak, jak myślą, że ich postać. na przykład, że jego bohaterem jest rolnik mieszkający na wsi, bo wtedy aktor wyjeżdża na sezon na farmę i żyje tak, jakby to był jego zawód w prawdziwym życiu. W miarę upływu lat różne szkoły interpretacji dodawały pewne praktyki do Stanislavski system, stając się z czasem w tym, co w świecie aktorskim jest znane jako „the metoda".