Fowizm: co to jest i charakterystyka tego ruchu artystycznego

18 października 1905 roku w Grand Palais na Polach Elizejskich w Paryżu zainaugurowano tzw. Salon Jesienny. Chociaż ta wystawa rozpoczęła się w 1903 roku, ta z 1905 roku była czymś wyjątkowym. I to właśnie w tym roku do katalogu wystawy weszli najnowocześniejsi artyści, wielu z nich wywodzących się ze szkoły symbolisty Gustave'a Moreau. Wśród tych artystów byli fauny, bestie".

Dlaczego tak się nazywali i kto nadał im to dziwne imię? Kim byli owi „Fauves” i co ich twórczość oznaczała dla przyszłej awangardy XX wieku? W tym artykule proponujemy podróż do serca tego, co uważa się za pierwszy ruch awangardowy: fowizmu.

Co to jest fowizm?

„Fauwizm” pochodzi od francuskiego słowa fauve, co oznacza „bestię, dzikie zwierzę”. Prawdę mówiąc, nazwa ta idealnie pasowała do tej grupy artystów, ponieważ ich płótna, w jaskrawych i jaskrawych kolorach, wstrząsnęły zakutym w gorset burżuazyjnym społeczeństwem.

To nie było nic nowego. Kilka lat wcześniej Van Gogh i Gauguin zrewolucjonizowali świat malarstwa; Cézanne, który był podziwiany przez fauwów, zaznaczył także przed i po na scenie artystycznej końca wieku. Ale prawdziwym szokiem dla naukowców było spotkanie twarzą w twarz z pracami tych nowatorskich artystów na Salonie d'Automne w 1905 roku. Cała kaskada jasnych kolorów i bez niuansów, która bez wątpienia zrobiła wrażenie na publiczności.

Oczywiście nie wszystkie zdziwienia były pozytywne. Louis Vauxcelles, krytyk sztuki, był tym, który definitywnie poświęcił grupę swoim słynnym powiedzeniem: „Donatello wśród bestii”. Komentarz odnosił się do tego, że w słynnej sali VII wystawy znajdowała się rzeźba klasycystyczna, otoczona obrazami malarzy fowistów. Vauxcelles był pod wielkim wrażeniem kontrastu oferowanego przez spokój renesansowych form rzeźby. (co, nawiasem mówiąc, wykonał Marquet, fowista) i jaskrawość kolorów płócien, które zawinęli. W ten sposób nazwa ruchu „Fowizm” została ustalona dla potomności.

• Powiązany artykuł: „Czym jest 7 Sztuk Pięknych?”

„Pierwsza awangarda”

Fowizm powszechnie nazywany jest pierwszą awangardą XX wieku. Tak jednak nie jest. I to nie z istotnego powodu: Fowowie, w przeciwieństwie do późniejszych awangard, nigdy nie tworzyli solidnego ani spójnego ruchu. Nie mieli nawet jasnych wytycznych (tym bardziej teoretycznego manifestu), więc każdy z artystów należących do grupy szedł własną drogą. Dlatego fowizm, ściśle mówiąc, trwał zaledwie kilka lat (od 1905 r 1907), mimo że jego wpływ na późniejsze ruchy był ogromny, jak zobaczymy później. do przodu.

Początków Fauves można doszukiwać się w Szkole Sztuk Pięknych w Paryżu, gdzie wykładał Gustave Moureau (1826-1898). Moureau był jednym z wielkich przedstawicieli symbolizmu i dekadencji i wywarł ogromny wpływ na tzw malarstwo trzech jego uczniów: Henri Matisse (1869-1954), Georges Rouault (1871-1958) i Albert Marquet (1875-1947). Ci trzej artyści stanowili zalążek późniejszego ruchu fowistów, do którego należeli malarze tzw. Szkoła Chatou (André Dérain i Maurice de Vlaminck) oraz Le Havre (Othon Friesz, Raoul Dufy, Georges Braque i Kees van Dongen). Ci młodzi malarze spotykają się w słynnej galerii sztuki Berthe Weill, gdzie zaprzyjaźniają się i dzielą wrażeniami na temat teraźniejszości i przyszłości sztuki.

cechy fowizmu

Można powiedzieć, że tym, co naprawdę zjednoczyło Fauwów, była szczera przyjaźń i wspólne sympatie, ale nigdy solidnej i ustrukturyzowanej teorii artystycznej, jak surrealiści czy futuryści. Fauves podzielali entuzjazm dla koloru jako podstawowego środka wyrazu, podążając śladami swoich wielbicieli Van Gogha i Gauguina., a także zamiłowanie do artystycznych przejawów ludów pierwotnych i sztuki dziecięcej. Nie bez powodu wspomniany już Louis Vauxcelles twierdził, że obrazy fowistów przypominają „dziecko bawiące się pudełkiem z farbami”.

Fauwi odczuwali niepohamowaną pasję życia, przyjemności i hedonizmu. Obraz był uniesieniem tej radości, tego piękna, któremu chcieli śpiewać, które ich łączyło ściśle związany z estetycznym ruchem „sztuki dla sztuki”, do którego notabene należał jego nauczyciel, Gustawa Moreau. Ta radość życia wyraża się głównie poprzez kolor. Fauves nakładają kolory bezpośrednio z tuby; nie ma wcześniejszego mieszania ani badania odcieni. Tak więc drzewo może być czerwone, rzeka może mieć piękną szmaragdową zieleń, a góra może być pomalowana na kanarkowożółty. W fauwach kolor nie jest już podporządkowany rzeczywistości, a jego wyzwolenie jest wyzwoleniem samego artysty.

Latem 1905 roku, na kilka miesięcy przed wystawą, która przyniosła im sławę i sławę, Henri Matisse i André Derain spotkali się w Collioure. Tam poświęcony reprodukcji na płótnie świateł i wesołych tonów Morza Śródziemnego; Rezultatem jest prawdziwa eksplozja kolorów: Widoki Collioure z Dérain, gdzie kolory portu i domów są przekształcane i nabierają własnej osobowości; a przede wszystkim sławny otwarte okno, autorstwa Matisse'a, gdzie plamy czystego koloru przenikają przez ramę okienną morze i miejskie łodzie.

• Możesz być zainteresowany: „8 gałęzi nauk humanistycznych”

Kolor jako bohater

Wspomnieliśmy już, że te innowacje związane z kolorem i światłem nie były nowe. Kilka dekad temu impresjoniści zrewolucjonizowali scenę malarską swoimi szybkimi, luźnymi pociągnięciami pędzla. Ale prawdziwą innowacją fowistów jest kolor, który nabiera agresywności i autonomii, jakich nigdy wcześniej nie widziano na jego płótnach. Publiczność tamtych czasów nie jest do tego przyzwyczajona; Kolory fowistyczne „ranią” oczy tych, którzy na nie patrzą.

W słynnym obrazie kobieta z kapeluszem, również z lata 1905 roku, Matisse portretuje swoją żonę poprzez grube plamy koloru. Kolor jest formą; wszystko kręci się wokół niego. Portret Madame Matisse, autentyczna orgia kolorów, jest tym bardziej zaskakujący, jeśli weźmiemy pod uwagę, że dama była ubrana na czarno...

Jeszcze bardziej rewolucyjne jest płótno zielony pasek (1905), także przez Matisse'a, gdzie ponownie reprezentuje swoją żonę. Nazwa obrazu pochodzi od wydłużonej zielonej plamy, która bruzduje czoło i nos żony. Kolor uchwycony na płótnie jest z jednej strony śmiały i nierzeczywisty; z drugiej twarz Madame Matisse jest wykonana na wzór tak modnych wówczas afrykańskich masek.

W Houses and Trees (1906) Maurice'a de Vlamincka znaczenie, jakie fowizm przywiązuje do koloru, jest widoczne w plątaninie pociągnięć pędzla wypełniających płótno. Wśród takiego splotu kolorów tytułowe domy są całkowicie ukryte i zlewają się z niebem, drzewami i morzem.

• Powiązany artykuł: „Czym jest kreatywność? Czy wszyscy jesteśmy „niedoszłymi geniuszami”?

etapy fowizmu

J. Elderfield, kurator sztuki, ustalił dwie bardzo wyraźne fazy ewolucji fowizmu. Pierwsza obejmowałaby okres od 1905 do 1906 roku, zbiegając się z wystawą jesienną i kolejnymi miesiącami, i charakteryzowałaby się techniką mieszaną. Na tym etapie Fauves znajdują (lub próbują znaleźć) synteza dywizjonizmu (to pointylistyczne pociągnięcie pędzla malarzy takich jak Seurat) i wolności chromatycznej. Wspomniane prace Collioure Henri Matisse'a i André Déraina są wyraźnymi przykładami tej mieszanej techniki, łączącej krótkie, podzielone pociągnięcia pędzla ze znacznie dłuższymi, grubszymi pociągnięciami.

Drugi (i ostatni) etap fowizmu to ten, który trwa od 1906 do 1907 roku. Zbiega się to z włączeniem grupy Le Havre (Friesz, Dufy, Van Dongen, Braque) i charakteryzuje się „stabilizacją” kształtów i obszarów chromatycznych. To właśnie zostało nazwane „fauwizmem płaskiego koloru”. Płótna nadal prezentują jasne i uderzające kolory, ale nie tak jaskrawe jak te z poprzedniego etapu. Niektóre reprezentatywne prace tego etapu są Ulica obwieszona flagami w Le Havre (1906), Raoul Dufy, lub Zakręt drogi w l'Estaque (1906), autorstwa Andre Deraina.

Fowizm w pozostałej części Europy

Jak dotąd odnosiliśmy się tylko do francuskiego ruchu fowistycznego. Jednakże, Wpływy grupy przekroczyły granice, a wyrazy fowistyczne odnajdujemy w Niemczech, krajach nordyckich, a nawet w Hiszpanii..

W czerwcu 1905 roku studenci Wyższej Szkoły Architektury założyli w Dreźnie grupę artystyczną: umrzeć (Most). Obejmuje nazwiska takie jak Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Erick Heckel (1883-1970) i ​​Karl Schimdt-Rottluff (1884-1976). Najbardziej znany będzie Kirchner, który później stanie się jednym z największych przedstawicieli niemieckiego ekspresjonizmu.

Choć samemu Kirchnerowi nie podobało się, że w jego pierwszym dziele wskazywali na wpływ francuskich fauwów, to faktowi temu nie można zaprzeczyć. Pierwsze prace „El Puente” miały swoje korzenie w zasadach wolności koloru jako jedynego środka wyrazu. Widzimy to w pracach takich jak Dziewczyna pod Japońskim parasolem (1909), Kirchnera lub w Młoda kobieta leży na kanapie (1909) Heckela, chociaż prawdą jest, że niemiecki fowizm jest znacznie silniejszy i bardziej wyrazisty niż francuski. Na przykład twarze bohaterów zapowiadają zbliżający się ekspresjonizm.

Z kolei w Monachium spotykamy Aleksieja von Jawlensky'ego (1864-1941) i przede wszystkim Wassily'ego Kandinsky'ego (1866-1944), którzy na długo przed wyborem abstrakcji bawili się dziełami figuratywnymi o wyraźnym wpływie fowistyczny.

Nordycki fowizm ma w Emilu Nolde (1867-1956) jednego ze swoich największych przedstawicieli. Jego Tańczyć wokół złotego cielca (1910) ma już niezaprzeczalną ekspresjonistyczną siłę. Z kolei w Hiszpanii Francisco Iturrino (1864-1924) jest jednym z najbardziej wpływowych artystów fauna. W latach 1911 i 1912 przebywał w Maroku w towarzystwie Henriego Matisse'a, gdzie studiował światło i nowe możliwości malarskie.

„Śmierć” fowizmu

Jako ruch fowizm trwał zaledwie dwa lata, od 1905 do 1907 roku. Salon d'Automne z 1907 roku ma kluczowe znaczenie dla Fauves: reprezentuje zarówno ich poświęcenie, jak i łabędzi śpiew. Od tego dnia jego członkowie rozpraszają się i podążają różnymi ścieżkami. Na przykład Braque w końcu przyjmuje kubizm; inni, jak Dérain i Matisse, pogrążyli się w studiach nad prymitywizmem i twórczością swojego idola, Paula Cézanne'a. W tym okresie, bezpośrednio po rozczłonkowaniu grupy fowistów, Henri Matisse maluje jedno z jego arcydzieł: Taniec (1909). Widać w nim już pragnienie powrotu do utraconej i upragnionej Arkadii, które tak bardzo charakteryzowało Matisse'a w latach po 1907 roku. Pasja fowistów ostygła i teraz sztuka jest dla niego czymś, co powinno budzić spokój i ciszę.