Realizm w sztuce: charakterystyka, geneza i przykłady

Sztuka jest z natury ludzką ekspresją. Właśnie z tego powodu iz powodu niezwykłej różnorodności kulturowej, która istniała zawsze, w każdej epoce iw każdej społeczności uprawiała twórczość artystyczną na różne sposoby, dostosowując sztukę do własnych potrzeb wyrazu i Komunikacja.

Sztuka nie zawsze starała się naśladować rzeczywistość; nie tylko w awangardzie XX wieku doświadczyła od niej znacznego odejścia, ale też nie odnajdujemy realizm w artystycznym wyrazie cywilizacji, takich jak starożytny Egipt czy Zachód średniowieczny. Były jednak kultury i momenty historyczne, w których naśladowanie natury było najważniejsze, a idea była całkowicie podporządkowana odwzorowaniu rzeczywistości.

Jak pojawił się realizm w sztuce? Jaka była twoja ewolucja? W tym artykule postaramy się nakreślić trasę po różnych manifestacjach artystycznych i ich stopniu realizmu.

Czym jest realizm w sztuce?

Ważne jest rozróżnienie dwóch pojęć: realizmu jako kierunku artystycznego i realizmu jako cechy dzieła sztuki.. Tak więc, podczas gdy pierwszy to ruch plastyczny i literacki, który ogranicza się do dziesięcioleci od 1840 do 1880, realizm w sensie Charakterystyka dzieła sztuki związana jest ze stopniem realizmu dzieła, a mianowicie z perspektywą, proporcjami, objętością, przestrzenią, itp

W ten sposób nie wszystkie dzieła realistyczne należą do nurtu realizmu, podobnie jak dzieło oprawne w tej części nie musi przedstawiać cech realistycznych (choć ta ostatnia nie jest najczęstsza).

Charakterystyka realizmu jako nurtu artystycznego XIX wieku

Ruch realizmu powstał we Francji i był wyraźną odpowiedzią na swojego poprzednika, romantyzm. W ten sposób, podczas gdy ta ostatnia czerpała inspirację z legendarnych tematów i doprowadzała ludzkie emocje do paroksyzmu, Realizm proponował radykalny zwrot i kierował spojrzenie na otaczającą go codzienność. Ta realistyczna wizja przedmiotów stała się, wraz z Naturalizmem („mrocznym” synem realizmu), obskurną eksploracją podziemnego świata i najciemniejszych sytuacji ludzkości. Jednymi z najważniejszych malarskich przedstawicieli tego nurtu są Jean-François Millet, aw sferze literackiej Émile Zola, uważany za ojca naturalizmu.

Mamy więc taki realizm i naturalizm, jeśli chodzi o nurty artystyczne XIX wieku, eksplorują tematykę związanych z życiem codziennym i odejść od motywów, które nie opierają się na empirycznej obserwacji otoczenia artysty. Dlatego zarówno jeden, jak i drugi (zwłaszcza naturalizm) często reprezentują kwaśne potępienie społecznej niepewności, która pojawiła się wraz z rewolucją przemysłową.

Z drugiej strony realizm jako cecha dzieła sztuki wiąże się, jak już powiedzieliśmy, z jego cechami formalnymi. Na tym przykładzie będzie całkiem jasne: dzieło renesansu, które szczyci się perspektywą matematyczną i szanuje tomy figur jest dziełem formalnie realistycznym, ale bynajmniej nie ogranicza się do nurtu realista XIX wieku

• Powiązany artykuł: Jakie są 7 Sztuk Pięknych?

Od kiedy realizm istnieje w sztuce?

Już w pierwszych przejawach artystycznych (tzw. sztuce naskalnej) odnajdujemy cechy, które moglibyśmy wziąć pod uwagę realistyczny. Ponieważ pomimo tego, że u żubrów z Altamiry i koni reprezentowanych w jaskiniach Lascaux (Francja) nie znajdujemy żadnych śladów perspektywa lub autentyczna chęć przedstawienia prawdziwej sceny, znajdujemy niezwykłe szczegóły w przedstawieniu Zwierząt.

Mimo to nie możemy jeszcze mówić o sztuce realistycznej, ponieważ malowidła jaskiniowe Ogólnie rzecz biorąc, prezentują one ewidentną schematyczność i byłyby raczej związane ze sztuką konceptualistyczny. Właściwie, mówiąc ogólnie, sztuka ludzkości nigdy nie była ściśle realistyczna, aż do nadejścia renesans, z wyjątkiem oczywiście sztuki greckiej i rzymskiej.

W Egipcie po raz kolejny znajdujemy sztukę wybitnie konceptualną: podejmuje się próby wyrażenia pojęć i idei, a nawet scen codzienne czynności przebiegają według określonych konwencji, które nie mają nic wspólnego z mimetycznym przedstawieniem rzeczywistości otaczający. W sztuce starożytnego Egiptu sceny układają się w poziome pasy, brak jest realistycznej kolejności elementów przedstawienia.. Ponadto wybrano najważniejsze części każdego elementu, dzięki czemu twarz została przedstawiona z profilu, oczy i tułów z przodu, a nogi z boku. Nie było to zgodne z żadną rzeczywistością i było podporządkowane wyłącznie chęci przedstawienia najbardziej rozpoznawalnych części każdego elementu.

Czyli Egipcjanie „kształtowali” rzeczywistość na swój sposób. Artyści z Doliny Nilu ściśle przestrzegali systemu skali związanego ze znaczeniem reprezentowanej jednostki. Tak więc w tej samej scenie i na tej samej płaszczyźnie niektóre postacie są znacznie większe od innych. Ta różnica wielkości nie wynika z jakiejkolwiek próby perspektywy, ale jest związana z (nawiasem mówiąc, bardzo ścisłą) hierarchią Egipcjanie: bóg zawsze będzie przedstawiany znacznie większy niż faraon, ten zawsze będzie znacznie większy niż jego żona i dzieci, itp

Ta konceptualna reprezentacja zostanie przywrócona w sztuce średniowiecznej, jak zobaczymy później. Ale między sztuką starożytnych cywilizacji a średniowieczem istniał krótki nawias sztuki realistycznej: sztuka grecka i sztuka rzymska, które omówimy poniżej.

• Możesz być zainteresowany: „10 ciekawostek o słynnych dziełach sztuki”

Nawias „realistyczny”: Grecja i Rzym

Archaiczna sztuka grecka była ściśle związana ze sposobem przedstawiania ludów Wschodu, zwłaszcza Egiptu. Jednak w kierunku VI w. p.n.e. C. coś zaczęło się zmieniać. Jest to tak zwany okres klasycznej Grecji, w którym zachęca się do tworzenia plastycznych przedstawień bardziej zgodnych z rzeczywistością.

Rosnące zainteresowanie Greków anatomią człowieka zapoczątkowało produkcję rzeźbiarską, która ściśle naśladuje naturę. jest grecka mimesis, próba uchwycenia rzeczywistości taką, jaka jest, a więc przestrzeganie kryteriów proporcji, objętości i symetrii.

Jednak pomimo uchwycenia niezwykle realistycznych anatomii w marmurze i brązie, nie zapominajmy, że jednocześnie prace te były zgodne z tym, co rozumieli jako „idealne piękno”. Innymi słowy, choć anatomicznie doskonali, bogowie i boginie w rzeźbie greckiej reprezentują prototypy, a nie konkretne, możliwe do zidentyfikowania osoby.

Aby to zrobić, musimy poczekać na Rzym, gdzie indywidualizacja osiąga nieoczekiwane wyżyny poprzez portret. Z drugiej strony, freski znalezione w Pompejach, zwłaszcza odpowiadające tzw. drugiemu i czwartemu Styl pompejański, wykazują realizm, którego nie odnajdziemy ponownie w malarstwie zachodnim aż do czasów współczesnych XV wiek.

Malowidła te pozostawały ukryte przez wieki, zasypane pozostałościami popiołu powstałego w wyniku erupcji Wezuwiusza. Paradoksalnie katastrofa pozwoliła na zachowanie szczątków praktycznie w nienaruszonym stanie aż do odkrycia ruin w XVIII wieku. Zaskoczenie odkrywców było ogromne, gdyż przed ich oczami ukazały się obrazy o znakomitej jakości i jeszcze bardziej zaskakującym realizmie.

Rzeczywiście, na freskach tzw. drugiego stylu pompejańskiego ukazani są przez okno fikcyjne, wysoce rozbudowane perspektywy architektoniczne, które naprawdę wydają się „otwierać” przestrzeń Ściana. Tę samą technikę wiele wieków później zastosował Masaccio na swoim fresku z 1920 roku Trójca, z florenckiej Santa Maria Novella, co zadziwiło współczesnych, ponieważ zdawało się otwierać dziurę w murze kościoła.

średniowieczne tworzywo sztuczne

Praca Masaccio była jak na swoje czasy bardzo innowacyjna; Pomyślmy, że od czasów pompejańskich fresków nie podjęto próby stworzenia przestrzeni o tak wyraźnym realizmie. Sztuka średniowieczna, która nastąpiła po ostatnich latach cesarstwa rzymskiego, jest na ogół (nie sposób tu omawiać wszystkich stylów i przejawów) schematyczna i wybitnie konceptualna.

Podobnie jak Egipcjanie, średniowieczni artyści nie przedstawiali rzeczywistych przestrzeni i elementów, ale wyrażali poprzez malarstwo i rzeźbę serię koncepcji i idei. Elementy takie jak symetria i objętość giną w tego typu pracach., ale nie dlatego, jak wielu utrzymywało (i niestety nadal utrzymuje), że „nie umieli malować”, ale dlatego, że ich celem przy przedstawianiu tych dzieł nie było naśladowanie natury.

Tematów o romańskiej „niewyrazistości” jest wiele; brak wyrazu, który nie jest taki, co można szybko docenić, jeśli uważnie przyjrzymy się niektórym zachowanym płaskorzeźbom. Bo chociaż romańska sztuka plastyczna (i sztuka średniowieczna w ogóle) jest wybitnie konceptualna (podobnie jak plastyka egipska), to nie jest prawdą, że brakuje jej wyrazu. Problem w tym, że ich forma wypowiedzi nie jest nasza, więc wiele sposobów, w jakie artyści romańscy mieli uchwycić uczucia i emocje, nie odpowiada naszemu obecnemu językowi.

Z drugiej strony wiele dzieł sztuki romańskiej jest naładowanych detalami, co objawiać się może u schyłku fałdach tuniki (schematycznych, ale często bardzo szczegółowych) lub w bordiurach zdobiących obrus z czasów Kolacja.

Osiągnięcie perspektywy

Na początku XV wieku Filippo Brunelleschi wyznaczył kamień milowy w historii sztuki, ustanawiając procedurę perspektywy matematycznej lub linearnej. Nieco później Alberti spisał w swojej pracy nowe teorie Brunelleschiego z pictury (1435). Odtąd sztuka zachodnia będzie budowana na tych zasadach, które będą uważane za podstawę „dobrego” malarstwa.

Więc, Przez cały XV wiek i część XVI wieku włoski renesans próbował odtworzyć perspektywę linearną w swoich obrazach.. Perspektywa ta osiągana jest poprzez ustanowienie znikającego punktu, z którego wyłaniają się wszystkie linie budujące przestrzeń obrazu. Powoduje to złudzenie optyczne, które daje mózgowi wrażenie głębi.

Tak zwany renesans flamandzki współistnieje z renesansem Półwyspu Apenińskiego, kolejnym z tzw wielkie rewolucje w malarstwie, jakie w tym przypadku przeprowadzili artyści Flandrii w XVIII wieku. XV. Ci „flamandzcy prymitywni” nadawali swoim dziełom głębi poprzez następstwo planów i, Przede wszystkim ustanowili kamień milowy w realizmie obrazkowym, odtwarzając wszystkie szczegóły obiekty. Mówi się, że na obrazach Jana van Eycka wszystkie pojawiające się gatunki roślin można skatalogować dzięki obfitości szczegółów.

Włoska perspektywa matematyczna była jednak wielkim zwycięzcą zachodniej sztuki epoki nowożytnej, a od XVI wieku realizm naznaczył malarstwo europejskie. Sztuka baroku jest sztuką wybitnie realistyczną, bo choć ma (dość) sławę sztuki wzniosłej i bardzo emocjonalnej, rezerwuje też miejsce za odwzorowanie rzeczywistości: starcy ze zmarszczkami, bezzębnymi twarzami, dzieci z brudnymi stopami, martwe natury z owocami uchwycone z niezwykłą realizm…

Powrót do źródeł realizmu artystycznego

Sztuka realistyczna dominowała na zachodniej scenie artystycznej do połowy XIX wieku, kiedy to pojawiły się pierwsze zerwania ze sztuką „tradycyjną”.. Impresjoniści, nurty estetyczne, a później fauny, kwestionował to, co od XV wieku stanowiło niepodważalną podstawę „dobrej” sztuki.

Awangarda XX wieku stanowi więc swego rodzaju powrót do źródeł. Artyści awangardowi, pragnąc zdystansować się od sztuki akademickiej i oficjalnej, poszukują nowych środków wyrazu i znajdują je w niszczeniu „realizmu”; to znaczy perspektywa, proporcja, spójność kompozycyjna. Jednym słowem ścisłe odwzorowanie rzeczywistości.

Znany jest przypadek Picassa, których rysunki często przywodzą na myśl miniatury mozarabskie, czy kubistów, którzy w sposób podobny do tego, co Egipcjanie już ponad dwa tysiące lat temu przełamali realistyczną wizję przedmiotów i odtworzyli je w absolutny sposób subiektywny.

Hiperrealizm i nowe nurty realistyczne

Często różne nurty i środki wyrazu artystycznego wzajemnie na siebie oddziałują. Wspomnieliśmy już we wstępie, że ruch realistyczny XIX wieku był odpowiedzią na romantyzm poprzednich dziesięcioleci. Cóż, obecnie w panoramie artystycznej znajdujemy nurt, który wynosi realizm malarski do nieoczekiwanych granic; odnosimy się do tzw. nurtu hiperrealistycznego.

Hiperrealizm narodził się pod koniec XX wieku, częściowo jako odpowiedź na konceptualną i abstrakcyjną tendencję sztuk plastycznych.. Ten nurt doprowadza naśladownictwo natury do maksimum wyrazu, zamieniając jego obrazy w reprodukcje fotograficzne (nazywa się to również fotorealizmem). Ostrość kompozycji jest taka, że ​​często przytłacza widza; Oczywiście nie brakuje krytyków, którzy nazywają go prostym naśladowcą rzeczywistości.

Pytanie brzmi: czy sztuka powinna kopiować naturę, jak argumentowali starożytni Grecy swoją mimesis, czy też ma „obowiązek” wniesienia czegoś nowego? Jeśli zaczniemy od podstawy, że imitacja nigdy nie jest dokładną reprodukcją prawdziwej rzeczy (ponieważ zawsze przechodzi przez sito artysty), być może powinniśmy zadać sobie pytanie, czy „sztuka realistyczny".