10 najważniejszych artystów baroku

Trudno, jeśli nie niemożliwe, wybrać 10 artystów spośród wielkich nazwisk, jakie dała nam epoka baroku. Jednak w tym artykule spróbujemy. Oferujemy Ci lista 10 najlepszych artystów baroku, którzy byli prawdziwymi geniuszami malarstwa, rzeźby i architekturywraz z jego (często bogatą w wydarzenia) biografią.

• Powiązany artykuł: „Czym jest 7 Sztuk Pięknych? Podsumowanie jego właściwości”

Artyści baroku, których powinieneś znać

Oczywiście jest ich znacznie więcej. Barok to ruch, który nadał splendor sztuce i pozostawił dla potomności tak znamienite nazwiska jak Velázquez, Rubens czy Bernini. Tutaj zostawiamy ci tylko 10 z tych najważniejszych artystów, ale zachęcamy do zbadania, aby poznać innych barokowych artystów, którzy pozostają w kolejce. Ciesz się wycieczką!

1. Diego Velazqueza

Diego Rodríguez de Silva Velázquez (1599-1660) jest niewątpliwie jednym z największych przedstawicieli baroku. Urodził się w kosmopolitycznej Sewilli pod koniec XVI wieku, jednym z najbardziej dynamicznych ośrodków gospodarczych i artystycznych w Europie. Już w młodości, prosto z warsztatu Francisco Pacheco (z którego córką, nawiasem mówiąc, był żonaty), Velázquez demonstruje rzadki talent, widoczny w takich dziełach jak

Stara kobieta smaży jajka (1618) lub Waterboy z Sewilli (1620). Wyjątkowy portret Jerónimy de la Fuente, wykonany w wieku zaledwie 21 lat, jest wspaniałym przykładem wrodzone mistrzostwo artysty w uchwyceniu psychologii swoich poddanych.

W wieku 24 lat znajdujemy Velázqueza w Madrycie, gdzie z pomocą teścia i niektórych kontaktów zostaje przedstawiony Filipowi IV. Wkrótce monarcha, któremu jakość artystyczna nie jest obojętna, zauważa jego pracę. Dla tego monarchy i jego otoczenia artysta stworzył autentyczne arcydzieła, takie jak seria portretów Filipa IV, wspaniały konny portret hrabiego-księcia Olivares czy też bardzo ceniony Las Meninas, zrealizowany już w fazie artystycznej pełni.

Rubens, którego poznał osobiście, błaga Felipe IV o wysłanie Velázqueza do Włoch. Ta pierwsza wyprawa na Półwysep Apeniński daje artyście możliwość poznania klasyków i mistrzów renesansu. Efektem jego włoskiej podróży jest jego praca Kuźnia Wulkana (1630), jeden z nielicznych obrazów o tematyce mitologicznej, które znajdujemy w jego malarskim korpusie. Podczas drugiego pobytu we Włoszech stworzył jedyny akt w swojej pracy, tzw lustrzana wenus (1647-1651), który będzie jednocześnie jednym z nielicznych aktów w malarstwie hiszpańskim obok Tłuczek Goya.

• Możesz być zainteresowany: „10 najważniejszych obrazów baroku”

2. Gian Lorenzo Berniniego

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) to jedna z tych przytłaczających osobowości artystycznych, które od czasu do czasu pojawiają się w historii sztuki.

Znany rzeźbiarz, ale także malarz i architekt, często porównywano go do Michała Anioła ze względu na jego wiele aspektów, wszystkie wykonane z wielką jakością artystyczną. Młody Gian Lorenzo był szkolony w warsztacie ojca, który był rzeźbiarzem, i wkrótce zademonstrował wrodzony talent, który posiadał. Grupy rzeźbiarskie zlecone przez kardynała Borghese uczyniły go jednym z najlepszych rzeźbiarzy swojego pokolenia. Rzeczywiście, w niektórych z tych prac, jak np Porwanie Prozerpiny albo Apollo i Dafne, artysta pokazuje całe swoje mistrzostwo w posługiwaniu się dłutem. Rzeźby prezentują imponujący realizm i tworzą niezwykłą iluzję ruchu.

Bernini rozwija swój dorobek artystyczny pod kierownictwem co najmniej siedmiu papieży. Począwszy od 1629 roku, mając zaledwie 31 lat, Bernini przejął opiekę nad największym zabytkiem chrześcijaństwa: Bazyliką św. Pedro, którego reforma rozpoczęła się kilka wieków wcześniej i obejmowała autentycznych geniuszy, takich jak Michał Anioł, Rafael i Szpagat. Bernini zajmuje się również imponującym baldachimem z litego brązu, który zdobi główny ołtarz bazyliki katedry San Pedro (również z brązu), a także nie mniej imponujący Plaza de San Pedro i jego okolice kolumnada. Wyniesiony na szczyt przez papieża Urbana VIII, barokowy Rzym jest częściowo zasługą jego płodnej i zadziwiającej pracy.

3. Petera Paula Rubensa

Dla wielu osób przywoływanie malarstwa barokowego jest przywoływaniem Rubensa (1577-1640). Rzeczywiście, Był płodnym malarzem, który miał w swoim warsztacie wielu uczniów i pomocników ustąpić ogromnemu popytowi, jaki otrzymał. Wszystkie domy arystokratyczne chciały dzieła Rubensa. A wśród jego największych klientów była hiszpańska korona Habsburgów.

Peter Paul Rubens urodził się w Westfalii, na terenie dzisiejszych Niemiec. Wkrótce osiadł w Antwerpii, gdzie otrzymał wykształcenie malarskie i humanistyczne pod kierunkiem manierystycznych artystów. Po pobycie we Włoszech, a później w Hiszpanii, gdzie wykonał słynny i efektowny portret jeździec księcia Lermy, zaufany przez króla Filipa III, Rubens osiadł w Antwerpii i poślubił Izabelę Brant. W tamtych latach artysta był u szczytu sławy i tworzył imponujące płótna o tematyce religijnej i wywyższeniu monarchii. Ale prawdopodobnie obrazy, z których najlepiej pamiętany jest Rubens, to obrazy o tematyce mitologicznej.

Artysta miał solidne wykształcenie humanistyczne, ugruntowane podróżami do Włoch, i wiedział, jak przenieść tę wiedzę na swoje płótna. Wyróżniają się wyrafinowanymi kolorami i zmysłowymi pociągnięciami pędzla. Trzy Gracje (1639), dzieło dość późne w jego wykonaniu, zawierające przedstawienie jego drugiej żony, Heleny Fourment; the Stworzenie Drogi Mlecznej (1636-38) i Wyrok Parysa (1638).

4. anton vandyck

Anton Van Dyck jest jednym z najwybitniejszych przedstawicieli angielskiego malarstwa barokowego. Przez wielu autorów uważany jest za ucznia Rubensa, ale kwestia ta wciąż podlega dyskusji. Fakt, że w zamówieniach, które otrzymali, obaj malarze otrzymali identyczne wynagrodzenie, każe przypuszczać, że Van Dyck był kimś więcej niż tylko uczniem.

Pomimo bycia wyjątkowym malarzem we wszystkich dziedzinach, Van Dyck jest szczególnie pamiętany ze swoich portretów.. Karol I z Anglii, zafascynowany jego twórczością, wzywa go do siebie i w 1632 r. mianuje malarzem kameralnym, więc Flamandowie osiedlają się na stałe w Londynie i ożenił się z Mary Ruthwen, z której wykonał w 1639 roku zachwycający portret, na którym pojawia się dama ubrana w jedwabną suknię niebieska sukienka. Mary cierpiała na łysienie, a jej mąż nie ukrywa tej „defektu” na swoim portrecie. Przedstawia jednak młodą kobietę ze słodyczą i godnością charakterystyczną dla jego prac, w których realność postaci miesza się z aureolą elegancji i wyrafinowania.

• Powiązany artykuł: „Czym jest kreatywność? Czy wszyscy jesteśmy „niedoszłymi geniuszami”?

5. Artemisia Gentileschi

Jedna z najsłynniejszych malarek baroku, Artemisia Gentileschi (1593-1656), jest jednak pamiętana niemal wyłącznie ze smutnego epizodu gwałtu. Swoje pierwsze duże dzieło wyprodukował w wieku zaledwie 17 lat, Zuzanna i stary (1610), gdzie w realistyczny i surowy sposób ilustruje dobrze znany fragment Biblii.

Wyszkolony w warsztacie swojego ojca, Orazio Gentileschiego, w wieku 18 lat oddaje jej do dyspozycji prywatnego nauczyciela, gdyż status Artemizji jako kobiety uniemożliwił jej dostęp do akademii. Ten nauczyciel, Agostino Tassi, wykorzystuje ją seksualnie, więc ojciec podaje przestępcę do sądu. Artemizja (która w rzeczywistości jest ofiarą) zostaje poddana upokarzającemu przesłuchaniu, haniebnemu kontroli ginekologicznej i wreszcie do bardziej niż przerażającej tortury, aby „zweryfikować”, o co chodzi PRAWDA. Artemisia stawia na swoim, a Tassi zostaje skazana na rok więzienia i wygnanie.

Komentowano, że jedno z najsłynniejszych dzieł artysty, Judyta ścina Holofernesowi (1612-13), jest rodzajem zemsty, krzykiem wściekłości rzuconym na cztery wiatry, aby dać upust bólowi, jaki zadał mu ten epizod z jego życia. Nie wiemy, czy dokładnie tak było, ale pewne jest, że płótno ma rozdzierającą serce surowość i prawdopodobnie przewyższa homonimiczne dzieło Caravaggia, od którego, nawiasem mówiąc, Artemizja przejęła swój tenebryzm oraz wspaniały i przytłaczający światłocień.

6. Francesca Borrominiego

Biografia Francesco Castelli (1599-1667), który później zmienił nazwisko na Borromini, słynie z tragicznego zakończenia. Rankiem 2 sierpnia 1667 roku artysta, pogrążony prawdopodobnie w głębokiej depresji, rzucił się na szablę. zgasł razem z nim jedno z najjaśniejszych świateł włoskiego baroku.

Odwieczny wróg Gian Lorenzo Berniniego, życie Borrominiego było ciągłą walką o utrzymanie się na szczycie. Rzym był w tamtych czasach epicentrum sztuki europejskiej. Papieże podążali jeden za drugim i jeden po drugim zlecali prace z zamiarem upiększenia Wiecznego Miasta i uczynienia z niego żywego symbolu kontrreformacji. Francesco Borromini przybył do papieskiego miasta mając zaledwie 20 lat, po pobycie w Mediolanie, gdzie pracował w Duomo. W Rzymie Borromini wraz ze swoim późniejszym rywalem Berninim rozpoczął prace nad Bazyliką św. Piotra, a później nad Pałacem Barberinich.

Wielu autorów zastanawiało się, jaki był prawdziwy powód, dla którego wielki artysta zakończył życie. Wydaje się, że Borromini miał charakter melancholijny, który z biegiem lat pogłębiał się i widział, że główne rozkazy papieskie spadają na jego wroga. Jest więcej niż prawdopodobne, że to, wraz z jego własną niestabilnością emocjonalną i śmiercią przyjaciela i powiernika Fioravante Martinellego, pogrążyło go, jak już powiedzieliśmy, w poważnej depresji. Tak czy inaczej, 2 sierpnia 1667 roku świat stracił jednego z największych artystów baroku, autora między innymi wspaniałego kościoła San Carlo alle Quattre Fontane w Rzymie.

7. Michał Anioł Merisi (Caravaggio)

Michelangelo Merisi, lepiej znany jako „Il Caravaggio” (1571-1610) jest kolejnym z tych artystów, który, podobnie jak Vermeer, pozostawił nam kilka przykładów swojej wspaniałej pracy. Rzeczywiście, jest ich mało caravaggia które zachowały się w świecie, po części dzięki jego ulotnemu przejściu przez świat (zmarł w wieku 39 lat). caravaggia Zasłynął między innymi jako „wynalazca” tenebryzmu, efekt kontrastów między światłem a ciemnością, które miały nadać wszystkim jego piętno osobowości malarstwa, które naśladowaliby inni artyści, wśród nich także wielka Artemizja Gentileschi.

Kiedy rodzina Caravaggia przeniosła się do Rzymu, młody człowiek zaczął szkolić się w skromnych warsztatach malarskich. Jego pierwszym znanym dziełem jest tzw chłopiec obierania owoców, z 1592 roku, wykonany, gdy Caravaggio mieszkał z prałatem Colonną, którego młody malarz nazywał „sałatą prałatną” ze względu na mało urozmaiconą dietę, jaką oferował mu duchowny. Wielu autorów zwracało uwagę na możliwe przysługi seksualne, jakich udzielali młodzi malarze w zamian za dom i ochronę. Fakt jest niepewny, ale jest to całkowicie prawdopodobna możliwość. W rzeczywistości życie Caravaggia zawsze prześlizgiwało się przez najniższe i najbardziej mroczne głębiny społeczeństwa.

Z tych środowisk czerpał modele do swoich obrazów iz tego powodu znajdujemy w jego pracach tę atmosferę rzeczywistości i naturalizmu, która nas porusza. W rzeczywistości niektóre z jego prac zostały odrzucone przez swoich mecenasów ze względu na akcentowany naturalizm, który zgrzeszył przeciwko „decorum” (nazwa nadana poprawnemu sposobowi przedstawiania scen religijny). Znany jest przypadek Śmierć Dziewicy (1604), dla którego Caravaggio wzorował się na prostytutce, która utonęła w Tybrze.

Sam Caravaggio nie uniknął szkodliwego wpływu ciemnych kręgów, w których przebywał. Znany ze swoich awantur i gwałtownego pijaństwa, w 1607 roku zabił człowieka w bójce i musiał uciekać z Rzymu. Odtąd jego życie będzie ciągłą pielgrzymką, aż do śmierci, która nastąpiła w 1610 roku.

8. Luisa Roldán („La Roldana”)

Luisa Roldán (1652-1706) jest jedno z imion żeńskich, które w historii sztuki powinny być obramowane złotymi literami. Niesłusznie zapomniana w księgach, podobnie jak większość jej towarzyszek, Luiza prowadziła w połowie XVII wieku pracownię rzeźbiarską. Urodził się w gorączkowej i dynamicznej XVII-wiecznej Sewilli, w której trenowali także inni wielcy, tacy jak Velázquez czy Murillo, a trenował w warsztacie swojego ojca, Pedro Roldána. W pierwszych latach Luisa rzeźbiła imponujące postacie naturalnej wielkości, które były zgodne z wytycznymi katolickiej kontrreformacji; większość z nich przeznaczona na procesje andaluzyjskie. Słynie również z produkcji figurek z terakoty do szopek w stylu neapolitańskim, które były wówczas bardzo modne.

Luisa mieszkała z mężem w Sewilli (którego poślubiła w wieku 19 lat bez zgody rodziców) do 1686 roku, kiedy to przeprowadzili się do Kadyksu. Scena pełni Luizy Roldán to jednak jej scena w Madrycie, mieście, do którego przybyła w 1689 roku w towarzystwie męża i dzieci. W 1692 roku nadchodzi długo oczekiwana nominacja: król Karol II mianuje jej rzeźbiarza kameralnego. Jego małoformatowe prace z terakoty pochodzą z tego okresu madryckiego, przeznaczone dla rodzin szlacheckich i mieszczańskich do prywatnej dewocji. Podobnie jak w przypadku większości artystek, do niedawna większość jej prac przypisywano jej ojcu lub mężowi. Na szczęście, obecnie nowe badania postawiły kropkę nad i i pokazały płodną twórczość tego sewilskiego artysty, jednego z wielkich rzeźbiarzy latynoskiego baroku.

9. Bartolome Esteban Murillo

Jeśli coś jest pamiętane na popularnym poziomie tego znakomitego artysty hiszpańskiego baroku, to jest to jego Niepokalane Poczęcie i jego piękne Dzieci Jezus i Święty Jan.

Rzeczywiście, dzieło Murillo (1617-1682) ucieka od słynnej barokowej monumentalności i wprowadza nas w świat intymnej słodyczy to wydaje się być wzięte z najsurowszego codziennego życia. Znakomitym przykładem tego „zejścia zakonnika na ziemię”, charakterystycznego z kolei dla języka baroku, jest jego słynny obraz Święta Rodzina małego ptaka, gdzie zostajemy ukazani jako zwyczajna rodzina, przydzielona do codziennych obowiązków. Dziewica w tle patrzy na świętego Józefa bawiącego się z Dzieciątkiem. Nic w tej scenie nie mówi nam, że bohaterowie są święci, ani że dziecko jest dzieckiem Bożym. Jest to zdjęcie zwykłej rodziny w siedemnastowiecznej Hiszpanii. I to jest prawdziwa wartość pracy Murillo.

Sewilski artysta zbiera w swojej twórczości także, równolegle z charakterystycznym dla baroku naturalizmem, wyrafinowanie, które niemal zwiastuje rokokową estetykę następnego stulecia. Jego naturalistyczne obrazy wydobywają motywy i postacie z życia codziennego, podobnie jak Caravaggio i Velázquez. na jego płótnie Dzieci jedzące winogrona i melona, widzimy dwóch małych chłopców, których bawi pożeranie owoców, być może jednego z niewielu produktów spożywczych, do których będą mieli dostęp w ciągu kilku dni. Jego brudne nóżki i podarte ubranie to nuty realizmu, z jakimi Murillo zwraca uwagę na biedę chłopców. Z drugiej strony jego słynne Niepokalane Poczęcie, symbol kontrreformacji, pozują jednocześnie monumentalność i słodycz, a twarze tych dziewic należą do najpiękniejszych na świecie malarstwo hiszpańskie.

10. Johannesa Vermeera

Vermeer (1632-1675) jest obok Caravaggia jednym z malarzy, który pozostawił nam najmniejsze dzieło sztuki. Zaledwie trzydzieści prac jest rozpowszechnianych wśród najlepszych muzeów na świecie, ale to niewiele produkcji wystarczającej, by zorientować się, że mamy do czynienia z jednym z wielkich geniuszy malarstwa uniwersalny.

Johannes Vermeer urodził się jesienią 1632 roku w Delft. W tamtych latach tak zwane Zjednoczone Prowincje były już niezależne od hiszpańskiej korony iw kraju powstaje niezwykła produkcja artystyczna, którą nazwano Złotym Wiekiem Krajów Niski. Wielkimi mecenasami, inaczej niż w krajach katolickich, byli mieszczanie i kupcy miast. Dlatego w Holandii spotykamy inny typ języka obrazkowego, który nie ma nic wspólnego z południowym barokiem.

Holenderska burżuazja, która również była protestantem, nie chciała wielkich płócien biblijnej apoteozy, ale wolała sceny z codziennej intymności. I właśnie w tym Vermeer był prawdziwym mistrzem.

Wnętrza Vermeera są przepiękne, mimo że prawie wszystkie rozgrywają się w tym samym pomieszczeniu, w którym zmienia się tylko położenie elementów. We wszystkich swoich dziełach postacie wydają się być zaskoczone, gdy wykonują swoje codzienne czynności. W sztuce widzimy młodą kobietę pochłoniętą czytaniem listu dziewczyna czyta list (1657), który nie zauważył naszej obecności, czy innej młodej kobiety, która opierając głowę na dłoni, ucina sobie krótką drzemkę (śpiąca dziewczyna, 1657). We wszystkich pracach Vermeera mamy wrażenie, że wkraczamy w świat, który do nas nie należy.