10 dzieł sztuki o czasie

Tempus fugit, powiedzieli Latynosi; "czas leci". I tak jest. Poza najnowszymi teoriami względności zawsze istniała konkretna koncepcja czasu. Dla starożytnych było to coś cyklicznego, co zawsze wracało do punktu wyjścia; dla średniowiecznych mężczyzn i kobiet był liniowy i zakończył się drugim przyjściem Chrystusa.

Dla epoki baroku był wielkim niszczycielem piękna i rzeczy efemerycznych, stąd wielka obfitość próżność (marności), dzieła, w których wprowadzono elementy świadczące o upływie czasu i jego nieustannej destrukcji. Dla XIX-wiecznych romantyków czas był natomiast głównym konstruktorem ich nostalgii; nostalgia za przeszłością, która przełożyła się na zamiłowanie do ruin i dekadencji.

10 słynnych dzieł sztuki o czasie

Trudno wybrać spośród tak wielu prac, które poruszają temat czasu; Ten To bardzo powracająca koncepcja w historii sztuki.. Poniżej przedstawiamy niektóre z najbardziej istotnych.

1. miesiączkowy Królewskiego Panteonu San Isidoro de León (s. XI)

Królewski Panteon Królów León uważany jest za jeden z najdoskonalszych klejnotów sztuki romańskiej na półwyspie. Nic dziwnego, że została nazwana „Romańską Kaplicą Sykstyńską” ze względu na wspaniałe freski, w tym wysokiej jakości menzarium.

Czym były średniowieczne mensaria? Były to kalendarze, których rytm wyznaczały czynności rolnicze odpowiadające poszczególnym miesiącom.. W przypadku mensario San Isidoro de León miesiące znajdują się na intrados łuku, który znajduje się obok Pantokratora. Miesiąc styczeń obejmuje, zgodnie z tradycją w tych przedstawieniach, boga Janusa, pochodzenia rzymskiego, który oznaczał początek roku. W lutym, najzimniejszym ze wszystkich, przedstawiony jest stary człowiek osłonięty przed ogniem. Miesiąc kwiecień, splendor wiosny, uosabia młody człowiek, który niesie w dłoniach kwiaty, a wrzesień to rolnik, który zbiera winogrona...

w Średniowiecze, czas kręcił się wokół Boga. Linia czasu średniowiecznych chrześcijan była skończona, ponieważ czas ludzki miał się zakończyć wraz z powtórnym przyjściem Chrystusa. Równolegle do tego liniowego czasu istniał inny, odziedziczony po starożytności, który postrzegał czas jako coś cyklicznego, związanego ze zmianami natury i cyklami życia.

2. Saturnprzez Petera Paula Rubensa (1636)

Nie można zrozumieć czasu w sztuce bez mówienia o Saturnie. Ten bóg był starożytnym bóstwem z Półwyspu Apenińskiego, które później zostało zasymilowane z greckim bogiem Kronosem, od którego przejął atrybuty. Chociaż Crono nie był bogiem czasu, podobieństwo między jego imieniem a grecką nazwą czasu spowodowało asymilację między nimi.

Mit mówi, że Chrono/Saturn, Obawiając się wyroczni, która przepowiedziała, że ​​jeden z jego synów zdetronizuje go, jeden po drugim pożarł wszystkie pędy, które dała mu jego żona, Rhea.. Ta legenda nie zrobiła nic poza podkreśleniem boga jako uosobienia czasu, ponieważ czas jest nie do zatrzymania i pożera do ludzi.

Rubens namalował to płótno dla Torre de la Parada w Madrycie. Przedstawia w nim Saturna jako starca, choć o wciąż muskularnym ciele (w końcu był Tytanem), odrywającego ciało od swojego nowonarodzonego syna. Charakterystyczne dla baroku mocne, teatralne światło, które oświetla oba ciała i zarysowuje je na ciemnym tle, nadaje scenie dramatyzmu.

• Powiązany artykuł: 7 Sztuk Pięknych”

3. W udarze okuliprzez Juana de Valdésa Leala (1672)

To ponure płótno, które należy do najsłynniejszych dzieł sztuki epoki, zestawia się z tzw Finis Gloriae Mundi, również przez Valdésa Leala. Oba obrazy znajdują się w dolnym chórze Hospital de la Caridad w Sewilli i zostały zamówione przez humanistę Miguela Mañarę w celu zilustrowania dwa kluczowe pojęcia w mentalności barokowej: chwila śmierci („pamiętaj, że umrzesz”) i vanitas (marność świata).

Obie koncepcje są ściśle związane z czasem: z jednej strony memento przypomina nam, że przemija nieubłaganie i że śmierć w końcu dosięgnie każdego z nas; co do drugiego, to przypomnienie o przemijaniu życia io tym, że wszystko, co piękne, z czasem znika lub psuje się. W przypadku omawianej pracy In ictu oculi można by przetłumaczyć jako „w mgnieniu oka”, bardzo wyraźna aluzja do efemeryczności istnienia.

Na płótnie Valdésa Leala widzimy mrożący krew w żyłach szkielet wznoszący się na ziemskiej kuli ziemskiej (śmierć, która dominuje nad ziemią); w lewej ręce dzierży kosę, a prawą gasi płomień świecy życia. Poniżej góra elementów, których nie możemy zabrać ze sobą ze śmiercią, symbol, że wszystko przemija.

• Możesz być zainteresowany: „Chronopatia: charakterystyka obsesji na punkcie wykorzystania czasu”

4. Ostatnia kropla (Wesoły rycerz)autorstwa Judith Leyster (1639)

W ciemnym pokoju, praktycznie pozbawionym jakichkolwiek odniesień przestrzennych, malarka Judith Leyster sytuuje dwóch młodych mężczyzn, którzy radośnie piją i palą. Ich ubrania są w ciepłych i krzykliwych kolorach, a ich twarze są wykrzywione przez alkohol i euforię. To scena imprezowa, prawda?

Cóż… właściwie nie. Bo Leyster umieszcza za siedzącym po lewej młodzieńcem niepokojący szkielet, oświetlony płomieniem świecy, którą sam ze sobą nosi. Chodzi o płomień życia; życie szczęśliwego młodzieńca, którego śmierć ma zamiar unicestwić. Szkielet zbliża się do chłopca i zdaje się szeptać mu coś. Bez wątpienia ostrzega cię: czas przemija, a twój jest policzony. Dla podkreślenia swojego przesłania, podnosi prawą rękę, gdzie zauważamy biegnącą klepsydrę...

Judith Leyster, wierna przedstawicielka swoich czasów, uchwyciła w tym wspaniałym dziele barokową vanitas, według której czas biegnie, a nic nie stoi. Znacznie mniej młodości i przyjemności...

5. Autoportrety Rembrandta

Jeśli istnieje artysta zainteresowany zmianami, które czas pozostawił na jego twarzy, to jest nim Rembrandt van Rijn (1606-1669). W ciągu czterdziestu lat artysta wykonał nie mniej niż sto przedstawień samego siebie (choć co do niektórych kwestionuje się jego tożsamość), dlatego możemy Ci towarzyszyć na trajektorii Twojego życia.

Rembrandt wykonał swój pierwszy autoportret w 1628 roku, mając zaledwie dwadzieścia dwa lata. Artysta wydaje się śmiać, z wciąż niepewnym pociągnięciem pędzla. Znacznie lepszy jest autoportret z 1629 roku, na którym widzimy malarza popiersi z bardzo poważnym grymasem na twarzy. I tak dalej; Śladami rysów malarza możemy podążać aż do roku 1669, roku jego śmierci, kiedy to w wieku 63 lat namalował swój ostatni autoportret. Prawdziwe świadectwo dla potomnych.

6. Czas palenia obrazuprzez Williama Hogartha (1732)

William Hogarth jest jednym z najbardziej cenionych artystów satyrycznych XVIII wieku w Anglii. Znane są jego obrazy i ryciny, które krytykują zwyczaje ówczesnej Anglii. W tym przypadku znajdujemy alegoria upływu czasu i tego, jak niszczy wszystko, czego dotknie, w tym sztukę.

Starzec z długą brodą i muskularnym ciałem (personifikacją czasu) kontempluje obraz, który spoczywa na jego sztalugach. W lewej ręce dzierży kosę, utożsamianą ze śmiercią, końcem i zniknięciem, w drugiej trzyma fajkę. Dym, który się z niej wydobywa, uderza prosto w płótno, brudząc je i czerniąc.

Oczywiście Hogarth zastanawia się nad wpływem czasu na rzeczy. Zwłaszcza o obrazach; W tym sensie rycina jest satyrą na ówczesny nurt myślowy, propagowany zwłaszcza przez Addisona, który utrzymywał, że ten czas „namalował” i udoskonalił dzieło. Nie, zdaje się mówić Hogarth z tym grawerem; czas nie ulepsza dzieła, tylko je zmienia i niszczy.

• Powiązany artykuł: „8 gałęzi nauk humanistycznych”

7. Losy (Atropos), Francisco de Goya (1820-23)

Losy były trzema pomniejszymi bóstwami w mitologii greckiej, które były odpowiedzialne za czas i istnienie człowieka; to oni decydowali, jak długo trwa życie człowieka. W inwentarzu majątku syna Goi przeprowadzonym w XIX w. obraz jest opisany jako Atropos, nawiązujący do imienia Ponurego Żniwiarza, który ma za zadanie przeciąć nić życia.

Podobnie jak reszta wezwań czarne farby, chromatyka tego dzieła jest posępna i ciemna, oparta na tonacji szarawej, brunatnej i czarnej. Trzy Losy zawieszone są w powietrzu, jakby lewitowały, a pośrodku grupy zwraca uwagę czwarta postać ze związanymi rękoma. Człowieka, o którego życiu decydują?

8. Śniący (ruiny Oybin)autorstwa Caspara Davida Friedricha (1835)

W okresie romantyzmu czas przechodzi od czegoś groźnego do czegoś pięknego. Artysta romantyczny jest kwintesencją artysty nostalgicznego; dobrze czuje się wśród pozostałości świątyni czy zamku i wyobraża sobie dla nich wyidealizowaną przeszłość, która nie ma nic wspólnego z rzeczywistością.

Friedrich był jednym z najwybitniejszych artystów malujących pamiątki przeszłości.. Potwierdzamy to wspomnianą pracą, gdzie widzimy mężczyznę siedzącego na pozostałościach czegoś, co wygląda na gotycką katedrę. Przez szczelinę w łukach tego, co pozostało z okna, widzimy piękny zachód słońca (lub wschód słońca), który otula płótno szczególnym światłem. Friedrich uchwycił czystość religii i duchowości odległych czasów, a przy okazji wysławia przeszłość narodu niemieckiego. Mężczyzna, marzyciel tytułu, jawi się jako doskonały przykład romantycznego uczucia.

9. Martwa natura z przewróconą świecąautorstwa Maxa Beckmana (1930)

Pomimo tego, że moment świetności tzw próżność To właśnie, jak już komentowaliśmy, barok był przyczyną upływu czasu i przemijania życia, które nie zostało zapomniane w późniejszym malarstwie. Nawet nie w XX wieku, jak ta praca Maxa Beckmanna z 1930 roku i która pokazuje nam A próżność z awangardowym językiem.

Trzy świece spoczywają na stole. Dwa z nich są nadal włączone; trzeci został zestrzelony i zgasł. Lustro umieszczone pod ścianą niepokojąco odbija ogień dwojga ocalałych: czy będą chcieli przedłużyć życie wbrew wszelkim prawom natury? Pstrokata kompozycja daje klaustrofobiczny efekt, który podkreśla uczucie niepokoju i rozpaczy.

10. Trwałość pamięciprzez Salvadora Dali (1931)

Słynne stopione zegary Dali mają w tej pracy swój maksymalny wyraz. Według słów samego geniusza, są one „camembertem czasu”, w stosunku do ich wiotkiej konsystencji, przypominającej roztopiony ser.

Płótno (na okładce) jest częścią słynnej metody opracowanej przez Dalego, którą on sam nazwał „paranoiczno-krytyczną”, za pomocą których artysta uchwycił wizje i optyczne gry zwodzące i dezorientujące widza. W obrazie, który nas dotyczy, czas stracił wszelkie znaczenie: rzeczywistość i sen mieszają się, jak we śnie. Porozrzucane po krajobrazie, ponure jak w koszmarze, pojawiają się na wpół zużyte zegary; po lewej mrówki gromadzą się wokół jedynego zegara, który wydaje się zachowywać swój kształt. W centrum obrazu dziwna twarz z długimi rzęsami zdaje się symbolizować schyłek śmierci. W Persistencia de la memoria czas zostaje wywrócony do góry nogami i nabiera nowego znaczenia.