Neoimpresjonizm: czym jest i jakie są jego cechy charakterystyczne

Momentami fabuła wydaje się skrupulatnie przemyślana. I to właśnie George Seurat wystawił swoje Niedzielne popołudnie na wyspie La Grande Jatte, uważany za wielkie dzieło neoimpresjonizmu, w ostatniej z impresjonistycznych wystaw. impresjonizm został śmiertelnie wzruszony i rozpoczynała się nowa era artystycznej ekspresji.

Był rok 1886, a obraz Seurata wywołał prawdziwą sensację. Nie ze względu na temat; publiczność była więcej niż przyzwyczajona, dzięki Monetowi i firmie, do miejskich i wiejskich krajobrazów zalanych światłem. Ale jego kolosalne wymiary (207,6 x 308 cm), a przede wszystkim nowatorska technika, wyznaczyły punkt zwrotny między tym wspaniałym dziełem Seurata a wcześniejszą impresjonistyczną produkcją.

Zainaugurowano nowy styl, neoimpresjonizm. Ale co to było? Jakie były jego cechy? Dlaczego była to rewolucja w technice impresjonistycznej? W tym artykule zamierzamy się dowiedzieć.

Co to jest neoimpresjonizm?

Termin „neoimpresjonizm”, jak również „postimpresjonizm” jest nieco niejasnym odniesieniem do produkcji artystycznej, która rozwinęła się w Europie po powstaniu impresjonizmu. W latach osiemdziesiątych XIX wieku impresjoniści przeżywali kryzys, który w rzeczywistości oznaczał ich łabędzi śpiew. Po rozpadzie grupy pojawili się nowi artyści, którzy zniekształcili to, co dekadę wcześniej proponował impresjonizm.

To krytyk sztuki Félix Féneon (1861-1944), bardzo bliski kręgom impresjonistycznym, ukuł termin. Wszystko to wydarzyło się w 1886 roku; właśnie w odniesieniu do ostatniej wystawy ruchu, w której, jak zauważyliśmy, brał udział George Seurat (1859-1891) ze swoim niedzielne popołudnie.

Féneon napisał tom o malarstwie impresjonistycznym i był dobrze zaznajomiony z techniką i procesem twórczym grupy. Z tego powodu, kiedy natknął się na płótno Seurata, był zdumiony techniczną innowacją, jaką przedstawiało w porównaniu z jego poprzednikami.

Na czym polegała ta innowacja, która umieściła Seurata na czele paryskiego życia kulturalnego? Właściwie twój niedzielne popołudnie Nie była to pierwsza praca o wyraźnie „neoimpresjonistycznym” charakterze, którą artysta pokazał publiczności. Jego płótno Kąpiący się w Asnières, przedstawiające wyspę La Grande Jatte z innej perspektywy, zostało zaprezentowane na oficjalnym Salonie w 1884 roku i zostało natychmiast odrzucone. Praca została wystawiona w słynnym Salón de los Independientes, gdzie wystawiali się artyści nie akceptowani przez „oficjalną” sztukę. Tam właśnie odkrył ją Paul Signac (1863-1935), najgorętszy wyznawca Seurata i jego wierny przyjaciel.

• Powiązany artykuł: „Czym jest 7 Sztuk Pięknych? Podsumowanie jego właściwości”

Odrobina impresjonizmu

Zarówno w Kąpielach w Asnières, jak i w niedzielne popołudnie wyraźnie doceniono to, co zauważył Féneon i zdecydował się nazwać ten nowy styl „neoimpresjonizmem”. Ta innowacja była techniką zastosowaną przez Seurata. Ponieważ, podczas gdy impresjoniści wykonywali szybkie i luźne pociągnięcia pędzla, a przede wszystkim mieszał kolory na płótnie, tonacje obrazów Seurata pozostały „nienaruszone” na szmatce.

Już na początku XIX wieku chemik Michel Eugène Chevreul (1786-1889) wprowadził swoje „prawo kontrastu Simultaneous Color”, w którym argumentował między innymi, że dwa kolory wydają się znacznie bardziej różne, jeśli są zestawili się. Chevreul mówił, że ludzkie oko ma zdolność „interpretowania” kolorów.

Wychodząc od tej teorii, a także w oparciu o badania nad kolorem Ogdena N. Rood (1831-1902), Seurat opracował technikę obrazkową opartą na punktach czystego koloru nałożonych równomiernie na płótno.. Kolory były po prostu zestawione na płótnie; w odpowiedniej odległości siatkówka widza miesza je za pomocą złudzenia optycznego. Czynnik ten sprawia, że ​​Seurat i jego następcy są znacznie bardziej „analitycznymi” artystami niż ich poprzednicy. Płótnom neoimpresjonistycznym brakuje spontaniczności, jaką cieszą się impresjonistyczne kreacje, ponieważ doprowadzają swój pozytywizm do skrajności. W neoimpresjonizmie wszystko jest dokładnie badane, a teorie optyczne i naukowe, które zyskały wówczas tak duży oddźwięk, są wykorzystywane.

• Możesz być zainteresowany: „Historia sztuki: co to jest i co studiuje ta dyscyplina?”

George Seurat, wielkie imię neoimpresjonizmu

W firmie Seurat skrupulatność sięga zenitu. Malarz był niezwykle skrupulatny w komponowaniu swoich obrazów, o czym świadczy 28 rysunków i 28 szkiców olejnych, które wykonał dla swojego niedzielne popołudnie, nie licząc trzech płócien, które wcześniej wykonał, aby oprawić scenę. W ciągu długich miesięcy, które poświęcił swojemu arcydziełu, Seurat kilkakrotnie zmieniał kompozycję i postacie. Paul Signac, jego naśladowca i wielki przyjaciel, skomentował, że kiedy odwiedzał malarza w jego pracowni, płótno wydawało się zbyt duże w stosunku do niewielkiego miejsca pracy. Niektórzy uczeni wskazują na to jako powód, dla którego figury niedzielne popołudnie Wyglądają trochę nieproporcjonalnie.

Motyw inauguracyjnego dzieła neoimpresjonizmu był powszechny; niektórzy ludzie (głównie eleganccy i dystyngowani) spędzają niedzielne popołudnie na Grande Jatte, małej wyspie na Sekwanie. Technika jednolitych kropek (nazywana później dywizjonizmem lub puentylizmem) sprawia, że ​​z odpowiedniej odległości widać harmonijne zestawienie barw. Jeśli jednak podejdziemy bliżej, będziemy mogli zweryfikować, że rzeczywiście Seurat nakłada zestawione ze sobą punkty czystego koloru, bez mieszania.

Imperium neoimpresjonizmu trwało aż do przedwczesnej śmierci Seurata, który zmarł na zapalenie opon mózgowych w wieku 31 lat. Jego przyjaciel Signac był odpowiedzialny za rozwijanie jego teorii i rozpowszechnianie stylu. Szczególnie ważne dla trajektorii puentylizmu była jego praca Od Eugène'a Delacroix do neoimpresjonizmu, opublikowana w 1899 roku, która położyła techniczne podstawy ruchu.

Wpływ neoimpresjonizmu na artystów przełomu wieków

Dzieła Signaca wiernie podążają za wskazaniami jego przyjaciela, choć w niektórych z nich obserwujemy już rodzajfowizm. Nie możemy zapomnieć o ogromnym wpływie, jaki twórczość Seurata wywarła na artystów fauny, który podchwycił ideę „czystego koloru” i zaczął nakładać kolory bezpośrednio na tkaninę bez wcześniejszego mieszania. W ten sposób Fauves Henri Matisse (1869-1954) lub André Dérain (1880-1954) otrzymali wielką praktykę z obrazowego dziedzictwa pozostawionego przez Seurata.

Paul Signac ewoluował w ostatnim etapie w kierunku wysoce dekoracyjnej pracy, inspirowanej japońskimi plakatami i grafikami. Wyraźnym tego przykładem jest jego słynny Portret Félixa Féneona na emalii na rytmicznym tle miar i kątów, tonacji i kolorów, gdzie krytyk sztuki, który nadał temu stylowi nazwę, pojawia się jako czarodziej oprawiony w tło falujących i niemal onirycznych kolorów.

Malowidła już nigdy nie oddadzą prawdziwych kolorów świata. Pod koniec wieku artyści tacy jak Paul Gauguin (1848-1903), Vincent van Gogh (1853-1890) czy Paul Cézanne (1839-1906), których wielkie nazwiska Zostało to nazwane postimpresjonizmem, uchwycili tonacje jako ekspresyjny pojazd, zjawisko, które wspomniani Fauves doprowadzą do granic możliwości w 1905 roku.

Inni neoimpresjoniści

Chociaż Seurat i Signac są najbardziej znanymi nazwiskami neoimpresjonizmu (nic dziwnego, że to oni opracowali tę technikę) są inni artyści, którzy kierowali się zasadami tego nowego stylu, jak Henri-Edmond Cross (1856-1910). Prawdziwe imię Crossa brzmiało Delacroix, ale jego nazwisko zostało zmienione, aby zdystansować się od swojego romantycznego imiennika i zapobiec dezorientacji opinii publicznej. Jego zanurzenie w puentylizm seuracki było późno, ponieważ jego pierwsze prace puentylistyczne pochodzą z 1891 roku, dokładnie w roku śmierci Seurata.

Z drugiej strony neoimpresjonizm wywarł głębokie wrażenie w Belgii i Holandii. Seurat został wezwany przez grupę Les Vingt (The Twenty) z siedzibą w Brukseli do wspólnego wystawiania. Wcześniej grupa belgijskich artystów interesowała się impresjonistami, takimi jak Pissarro, Monet i Berthe Morissot, których również zapraszano do wystawiania razem z nimi. Niektóre z belgijskich i holenderskich nazw neoimpresjonizmu to malarze A. W. Finch (1854-1930) i Henry van Velde (1863-1957).