Szkoła Paryska i 5 jej najważniejszych artystów

Nazywani są „szkołą paryską”, choć w rzeczywistości nie tworzyli żadnej szkoły. Pod tą nazwą kryje się kilku artystów, którzy tworzyli swoje dzieła w międzywojennym Paryżu i byli związani z różnymi ruchami.. Nie reprezentują żadnej spójnej grupy, nie kierowali się nawet podobnymi założeniami artystycznymi; Każdy z nich był twórcą wolnym i pełnym pasji, często oddanym atmosferze paryskiej bohemy. W dzisiejszym artykule mowa o słynnej „szkole paryskiej” i 6 jej najważniejszych artystach.

• Zalecamy przeczytanie: „Jakie było pojęcie czasu w średniowieczu?”

Czym jest „szkoła paryska”?

„Szkoła paryska” odnosi się do heterogenicznej grupy artystów (malarzy, rzeźbiarzy, projektantów itp.) który mieszkał w Paryżu w okresie międzywojennym, czyli od I wojny światowej do początków II wojny światowej Drugi. W szczególności czas trwania szkoły jest zwykle ograniczony do lat 1915–1940, czyli lat, które wyznaczają wielką tragedię wojen.

Większość z tych artystów znała się, wielu z nich to imigranci, którzy przybyli do stolicy Francji na początku XX wieku, którzy sobie pomagali i wspierali. Lata 1905 i 1906 są zwykle wspólne dla ich przybyszów; Są to kluczowe lata, w których nie opuszcza się atrakcja, jaką niesie ze sobą kulturalny wigor miasta obojętni na rzeszę młodych Europejczyków, żywo zainteresowanych najbardziej wściekłymi bieżącymi wydarzeniami na świecie Sztuki.

Większość tych młodych ludzi pochodzi z Europy Wschodniej, ale większość życia spędzą we Francji, kraju przyjmującym. Ale Co łączy wszystkich artystów szkoły paryskiej? Nic, chyba że jest to jego miłość do sztuki, do życia bohemy i zbieżności w czasie i przestrzeni.. Każdy podąża za swoim stylem i wyznaje jakiś ruch, więc nazwa szkoły jest w zasadzie czymś dość nieprecyzyjnym.

Ważni artyści międzywojennego Paryża

Wielu z tych artystów to nazwiska nieśmiertelne. Amedeo Modigliani, Jules Pascin, Chaïm Soutine, Robert i Sonia Delaunay, Olga Sacharoff… i oczywiście genialny Pablo Picasso, który, co ciekawe, zwykle nie jest umieszczany na tej liście, mimo że przemieszczał się przez Paryż w tym samym czasie co jego towarzysze. Być może przyczyny należy dopatrywać się w tym, że inni zaczynali umiejscawiać się w świecie artystyczny świat stolicy Francji, Picasso, Braque i Matisse byli już prawdziwymi potworami w swoim rodzaju style.

Na początku XX wieku Paryż stał się jednym z największych ośrodków kreatywnych w Europie.. Mnogość galerii oraz liczni handlarze i kolekcjonerzy przyciągali początkujących artystów, więc w latach poprzedzających Podczas pierwszej wojny światowej młodzi ludzie z całego świata zaczęli gromadzić się w Mieście Świateł z wspólnym pragnieniem: odnieść sukces w świecie sztuki.

Jego twórczość często schodzi na drugi plan. Wielu z nich zasłynęło w nocnym życiu Paryża, wdając się w burzliwe epizody związane z alkoholem, prostytutkami i narkotykami. Oczywiście to, co powszechnie nazywa się „życiem bohemy”. A międzywojennego Paryża tego wszystkiego było mnóstwo.

Następnie przedstawiamy 6 artystów, którzy zwykle dodają do listy malarze szkoły paryskiej, każdy z nich o zupełnie odmiennym charakterze twórczym niewątpliwie jednak otrzymali pewien wzajemny wpływ. Zobaczmy.

1. Amedeo Modigliani, „przeklęty”

Aby uczcić prawdę, Włoch dzieli się tym epitetem z kilkoma innymi kolegami, m.in Oni, Chaïm Soutine i Jules Pascin, autentyczni enfants strasznych paryskiej bohemy międzywojenne. Jednak przydomek szczególnie dobrze pasuje do Modiglianiego, ponieważ pokrywa się z francuską wymową jego zdrobnienia, jak go znali jego bliscy przyjaciele: Modì (maudit, przeklęty).

Urodzony w Livorno w 1884 r. Modigliani przybył do Paryża w 1906 r., gdy rozpoczynał się nowy wiek, a tętniące życiem miasto przepełnione było radością i radością życia.. Nadszedł czas Belle Époque, a stolica Francji stanowi niezaprzeczalną atrakcję dla młodych Europejczyków, którzy chcą zaistnieć w świecie sztuki.

Początkowo Modigliani chciał być rzeźbiarzem, ale materiał był za drogi na jego biedne kieszenie. Co więcej, gruźlica, na którą cierpiał od najmłodszych lat, czyni go szczególnie podatnym na pył marmurowy. Porzuciwszy pomysł poświęcenia się rzeźbie, Amedeo zdecydował się podążać ścieżką malarstwa, aspektu, w którym zacznie się wyróżniać pod koniec swojego życia, w najbardziej produktywnym okresie. Swoim niepowtarzalnym stylem, inspirowanym plemiennymi statuetkami i maskami (które kontemplował i podziwiał w czasach Muzeum Mężczyzn) wykonał serię znakomitych portretów, wśród których wyróżniają się portrety Jeanne Hébuterne (1898-1920), jego ostatniej muzy i ostatniej wielkiej miłości.

Poza pracą Modigliani zapisał się w powszechnej wyobraźni ze względu na swoje surowe życie, zalane alkoholem, seksem i haszyszem. Jego przedwczesna śmierć w wieku zaledwie 35 lat przerwała obiecującą karierę, która właśnie wtedy zaczynała się rozwijać.. Dzień później Jeanne Hébuterne, która była także malarką, popełniła samobójstwo.

2. Chaïm Soutine, malarz ciała

Nie mówimy o „mięsie” w pożądliwym znaczeniu tego słowa, ale w najbardziej prozaicznym znaczeniu, jakie możesz sobie wyobrazić. I pomimo uprawiania innych gatunków, Soutine słynie z martwych natur, składających się z wyłącznie na kawałki wołowiny i kurczaka, których malarz chętnie poszukiwał na targowiskach i w sklepach mięsnych Paryż.

Dobrym przykładem jego dziwnej fascynacji mięsistymi szczątkami jest jego malarstwo oskórowany wół, gdzie szczątki zwierzęcia są ledwo widoczne wśród plątaniny luźnych pociągnięć pędzla. Swoją drogą wygląda na to, że malarz tak długo trzymał mięso w swojej pracowni, że zaczęło mocno śmierdzieć i zaalarmowało całą okolicę.

Soutine chciał zostać malarzem, ale jego pragnienie w rodzinie rosyjskich ortodoksyjnych Żydów, gdzie jakakolwiek reprezentacja była zabroniona, było trudne do urzeczywistnienia. Ojciec oczywiście nie pochwalał jego marzeń, więc młody Chaïm już w wieku szesnastu lat musiał wyemigrować do Mińska, aby studiować sztuki piękne i rozpocząć karierę artystyczną.

Po ukończeniu studiów, które zaprowadziły go także do Wilna, w 1913 roku przybył do tętniącego życiem Paryża, gdzie osiadł na Montparnasse i zaprzyjaźnił się z drugim „przeklętym” – Amedeo Modiglianim. Twórczość Soutine'a o wyraźnym ekspresjonizmie zyskała dużą sławę w latach dwudziestych XX wieku, a w 1937 roku niektóre jego prace znaleźliśmy na Wystawie Artystów Niezależnych.

Nazistowska inwazja na Paryż i II wojna światowa napawają go niepokojem, bo pamiętajmy, że Soutine jest Żydem. W obliczu takiego zagrożenia malarz postanawia uciec i opuścić miasto goszczące. Osiedla się w małym miasteczku niedaleko Tours, gdzie stara się pozostać niezauważonym, jednak udręka nazistowskiego natarcia trzyma go w napięciu i znacznie pogarsza jego zdrowie. W 1943 roku przeszedł operację perforowanego wrzodu i zmarł w trakcie operacji.

3. Robert i Sonia Delaunay, siła koloru

Małżeństwo zawarte przez Francuza Roberta Delaunaya (1885-1941) i Ukrainkę Sarah Sophie (Sonia) Stern (1885-1979) nie tylko stanowiło solidny związek oparty na miłości i absolutnym współudziale, ale jednocześnie stanowił jeden z najskuteczniejszych tandemów w historii sztuka. Obaj całkowicie poświęcili się sztuce i byli jednymi z największych sponsorów abstrakcjonizmu i zestawienia kolorów..

Robert stworzył ten termin symultanizm nawiązać właśnie do faktu stosowania małych, zestawionych ze sobą tonów, które razem utworzą dla ludzkiego oka harmonię barw. Idea ta jest ściśle związana z czystym abstrakcjonizmem (jak ten propagowany przez Kandinsky'ego), w którym kolory „tańczą” na płótnie niczym w rytm doskonałej muzyki.

Sonia i Robert poznali się za pośrednictwem Wilhelma Uhde, w którego galerii po raz pierwszy wystawiła w 1908 roku. Młody ukraiński imigrant poślubił Uhde dla wygody, aby uniknąć powrotu do Rosji (pamiętajcie, że Ukraina w tamtych latach należała do Imperium Rosyjskiego). Jednak jej zauroczenie Robertem było natychmiastowe i w 1910 roku Sonia rozwiodła się z Uhde, aby poślubić Delaunaya..

Sonia Delaunay była nie tylko malarką, ale z równą pasją oddawała się projektowaniu przedmiotów utrzymanych w wesołych kolorach, a nawet projektowaniu plakatów reklamowych. Artystka od chwili, gdy zobaczyła twórczość fowisty Matisse’a, wyraźnie wyraziła się, że jej środkiem wyrazu zawsze będzie kolor. Dzięki niemu zarówno ona, jak i jej mąż stworzyli błyskotliwe, żywe dzieła, które głęboko wpłynęły na rozwój sztuki abstrakcyjnej. Delaunayowie to bez wątpienia kluczowa para w artystycznej panoramie XX wieku.

4. Jules Pascin, drugi „przeklęty”

Ernest Hemingway przedstawił go w jednym z rozdziałów „Paris Was a Party”, dzieła, które poświęcił międzywojennemu życiu paryskiej bohemy. Nazwa rozdziału jest dość wymowna: Z Pascinem w Kopule. Pisarz wspomina wieczór w słynnej kawiarni Montparnasse, skąd widzi Julesa Pascina wychodzącego na rękach dwóch modelek.

A postać artysty była dobrze znana na paryskich przedmieściach. Ubrany w nieodłączny melonik, nazywany był „Księciem Montparnasse”., rywalizując swą sławą z samym Modiglianim, z którym, notabene, podzielił się także przydomkiem: „przeklęty”.

Urodzony w Bułgarii, od 1905 roku mieszkający w Paryżu Pascin, prawdziwe nazwisko Julius Mordecai Pincas, bardzo wcześnie próbował zyskać miejsce w świecie artystycznym dzięki swoim wspaniałym rysunkom i akwarelom, które zwykle przedstawiały postacie kobiecy. Jednym z jego modeli była jego kochanka, a później żona Hermine David, z którą dzielił dach i życie od 1907 roku.

Jednak udręczony i niespokojny Pascin czuł się niepewnie co do swojego talentu. Alkohol był stałym towarzyszem jego życia, częste były stany depresyjne. 2 czerwca 1930 roku, w przededniu otwarcia obiecującej wystawy indywidualnej, Pascin podciął sobie nadgarstki i powiesił się w swojej pracowni na Montmartre..

5. Olga Sacharoff, katalońska awangarda

W rzeczywistości była Katalończykiem z adopcji, urodziła się w Tbilisi w 1889 roku. Jednak gruzińską artystkę zawsze łączyła szczególna więź z Katalonią, gdzie osiadła na stałe po zakończeniu wojny domowej i gdzie zmarła w 1967 roku. Jego miłość do ziemi goszczącej znajduje odzwierciedlenie w licznych obrazach, które namalował na temat katalońskiego folkloru, przedstawiających w najczystszym naiwnym stylu tradycje tej ziemi..

Ale przed Hiszpanią malarz osiadł w Paryżu, artystycznym ośrodku par Excellence pierwszych dekad XX wieku. Jest rok 1911, Olga po krótkim pobycie w Monachium trafia do stolicy Francji, gdzie poznaje niemiecki ekspresjonizm, a także fotografa Otto Lloyda, który później zostaje jej mężem. To właśnie w Paryżu Olga zetknęła się z awangardą, którą jest bezgranicznie zafascynowana; zwłaszcza z kubizmem syntetycznym, którym stylistycznie podążał w pierwszych latach swojej twórczości.

Po wybuchu I wojny światowej, podobnie jak Robert i Sonia Delaunay, Olga wraz z mężem szukają schronienia w neutralnej w konflikcie Hiszpanii. Zauroczenie Barceloną następuje natychmiastowo i po drugim pobycie w Paryżu (dokąd udadzą się po wybuchu hiszpańskiej wojny domowej) Olga i Otto wracają do Barcelony. Dom pary staje się centrum tętniących życiem spotkań w Barcelonie, miejscem, którego artysta już nigdy nie opuści..