Gustav Klimt: biografia najważniejszego malarza secesji wiedeńskiej

Jest znany na całym świecie ze swoich obrazów z niemalże zjawiskowego złota i postaci pięknych kobiet, które zdają się umknąć z nocnego objawienia. Rzeczywiście, innowacyjny i rewolucyjny styl Gustava Klimta, najważniejszy malarz powołania Secesja wiedeńska, zafascynował i zgorszył Wiedeń końca XIX wieku. Fascynacja enigmatycznym pięknem nowego sposobu malowania. Skandal wywołany brakiem skromności w przekazywaniu otwartej prawdy na płótnie lub papierze (co widać na obrazach dla Uniwersytetu Wiedeńskiego), a także jego nagie kobiety w erotycznych pozach, które były ciosem dla sztywnego społeczeństwa Przychodzisz do.

Jeśli jesteście ciekawi życia tego geniusza secesji w Niemczech (znanego jako Jugendstil) i przywódcy tzw. Secesja, Czytaj dalej. Jego droga życiowa, a także twórczość artystyczna nie pozostawi obojętnym.

Krótka biografia Gustava Klimta, wielkiego malarza secesji

Wyobraźnia i geniusz twórczy Gustava Klimta skłoniły go do wykonywania swoich dzieł różnymi technikami: od płatkowego złota, być może najbardziej charakterystycznego dla niego elementu, po olej i temperę; Każde medium sprzyjało wymiotowaniu całej jego nieustannej twórczości. Rezultatem są prace, które nigdy nie pozostawiają widza obojętnym, wydają się pojawiać znikąd, być może jako widmowe zjawy lub przychodzące z cudownego, ale ulotnego snu.

• Powiązany artykuł: „Historia sztuki: co to jest i czego uczy ta dyscyplina?”

Pierwsze kroki: „Wiedeńska Kompania Artystów”

Urodzony w lipcu 1862 roku w Wiedniu, syn ojca pochodzenia czeskiego, który zajmował się rzemiosłem, Młody Klimt od najmłodszych lat wykazywał oczywiste zainteresowanie i talent artystyczny.. W 1876 zdobył stypendium na naukę w Wiedeńskiej Szkole Sztuki i Rzemiosła, powiązanej z Królewskim Cesarsko-Austriackim Muzeum Sztuki; Wraz z kolegą z akademii (Franzem Matschem) i bratem Ernestem (który również został do niej przyjęty) założył swego rodzaju bractwo, które nazwał Towarzystwem Artystów (Künstler-Compagnie).

Młoda firma specjalizowała się początkowo w dekorowaniu ścian i sufitów teatrów i innych budynków imperium. Niektóre z ich najbardziej znaczących dzieł (za które byli wysoko cenieni) to obrazy dla teatru Reichenberga, czy cykl prac zamówionych do dekoracji zamku Karola I Rumunia.

Te prace młodości, choć naprawdę piękne, nie mają nic wspólnego ze stylem, z jakiego znamy artystę. Są to obrazy o wyraźnych wpływach akademickich, w których czasem mieszają się elementy bliskie Art Noveau, nie są one jednak wcale tak nowatorskie i zaskakujące jak dzieła, dzięki którym Klimt przeszedł do historii.

Z tego okresu Seria obrazów, które artysta wykonał do tomów Alegorie i emblematy (1883), na zlecenie Martina Gerlacha, gdzie przedstawia różne alegorie związane ze sztuką. Już teraz można w nich zaobserwować zmianę stylu i koncepcji artystycznej malarza, która coraz bardziej oddalała go od akademii i wykiełkuje w ruchu wiedeńskiej secesji, głos, który donośnie i energicznie wzniósł się przeciwko sztuce gorsetów urzędnik.

Seria wyróżnia się szczególnie m.in alegoria rzeźby. Zgodnie z klasyczną tradycją Klimt przedstawia ją w postaci młodej kobiety, w tym przypadku nagiej, odzwierciedlającej archetyp kobiety uwodzicielskiej, który później przeniknął jego malarstwo. The alegoria rzeźby jest pod wyraźnym wpływem prerafelici i dla wyraźnie neoklasycznego kroju, co widzimy we fryzie greckim, popiersiu i towarzyszącym kobiecie Spinario.

• Możesz być zainteresowany: „Jakie są 7 sztuk pięknych? Podsumowanie jego cech”

Zmiana stylu

W połowie lat 90. XIX wieku Klimt eksperymentował już z nowym stylem. Malowidła ścienne do sali ceremonii Uniwersytetu Wiedeńskiego, wykonane na zlecenie Ministerstwa Cesarska edukacja już oskarżała ten nowy styl, który miał być charakterystyczny dla malarza, więc tak jest odrzucony. Klient uznał alegorie wydziałów (filozofii, teologii, medycyny i prawa) za zbyt „ciemne”, bardzo odległe od tradycyjnej idealizacji tego typu przedstawień.

Prawda jest taka, że Jak wyglądały te obrazy, nie jesteśmy w stanie na własne oczy ocenić, gdyż niestety spłonęły w 1945 roku., kiedy spłonął Pałac Immendorf (50 km od Wiednia), w którym byli przetrzymywani. Zachowało się jedynie kilka czarno-białych fotografii, które, nawiasem mówiąc, pozwoliły na odtworzenie za pomocą sztucznej inteligencji tego, jak musiały wyglądać oryginalne dzieła.

Wygląda na to, że Klimta rozzłościło takie odrzucenie i odtąd nie przyjmował już oficjalnych zleceń. Jednak jego nowy styl już się narodził; Artysta czuł się dość odległy od założeń, które doprowadziły go do założenia Towarzystwa Artystów. W 1892 r. przedwczesna śmierć jego brata Ernesta, kolejnego z założycieli grupy, pogłębiła tę przepaść, a w 1892 r. Maj 1897 Gustav opuszcza stowarzyszenie i wraz z innymi malarzami-dysydentami zakłada szkolenie niezależny. Właśnie narodziła się secesja wiedeńska.

Secesja wiedeńska i sztuka Wiednia fin-de-siècle

Pierwsza wystawa nowo powstałej Secesji (o wystarczająco jednoznacznej nazwie) odbyła się w 1898 roku w Wiedeńskim Towarzystwie Ogrodniczym. Nową grupę artystyczną utworzyli, oprócz Klimta (jego pierwszego prezesa), także inni artyści, m.in. Kolo Moser (1868-1918), Josef Hoffmann (1870-1956) i Joseph Maria Olbrich (1867-1908).. Ten ostatni był także architektem odpowiedzialnym za słynny secesyjny budynek mieszczący się w Wiedniu, w którym miały odbywać się wystawy grupy.

Secesję wiedeńską należy włączyć w znacznie szerszy ruch o charakterze europejskim, powszechnie znany jako Art Noveau, który w zależności od kraju otrzymał różne nazwy. Łączyłoby to zatem z niemieckim Jugendstil, hiszpańskim modernizmem lub wolność W Anglii. Ogólnie rzecz biorąc, były to ruchy, które kategorycznie odrzucały nową erę produkcji i konsumpcji Skłaniali się ku stylowi zbliżonemu do tradycyjnego rzemiosła oraz mieszance stylów i wyrażeń. kulturalny. Mimo to secesja wiedeńska jest znacznie bardziej trzeźwa niż modernizm innych szerokości geograficznych, a w architekturze widać dominację linii prostej opowiadającej się za przyszłym racjonalizmem.

W konkretnym przypadku naszego bohatera, jego twórczości Judyta I, wykonany w 1901 roku, jest bardzo znaczący.

Dla wielu oznacza to początek tak zwanego „złotego okresu” Klimta, charakteryzującego się złotym tłem i silną symboliką. W 1902 roku malarz rozsławił Fryz Beethovena dla pawilonu wystawowego Secesja, na krótko przed rozpoczęciem 14. wystawy grupy i za co jest ostro krytykowana. Krętość płaskich postaci i ich niepokojąca anatomia zostały uznane za „obrzydliwe”, a wystawa zakończyła się porażką. Było oczywiste, że opinia publiczna nie była jeszcze przygotowana na cios nowoczesności i geniuszu, jaki reprezentowała sztuka Klimta.

Kobiety i marzenia na złotych tłach

Postać kobieca, czasem erotyzowana, czasem przekształcona w zjawę lub sen, jest głównym tematem twórczości Gustava Klimta. Praca Judyta I, od którego, jak wspomnieliśmy, zaczyna się jej „złoty okres”, przedstawia nagą kobietę (biblijna Judyta), która uśmiecha się niemal lubieżnie i z wyraźną wyższością. Jego perłową skórę zdobią płatki złota, które rysują wspaniałe ozdoby i sprawiają, że obraz staje się rodzajem zjawy z zaświatów, wspaniałego snu o pięknie, klejnotach i seksie.

Gustav Klimt nigdy się nie ożenił, ale miał liczne romanse z kobietami, głównie modelkami, które pozowały do ​​jego prac; Troje z nich zna nie mniej niż sześcioro dzieci. Jego relacje z płcią żeńską były szczególne i często burzliwe.. Wiele jego rysunków, bezpośrednich i otwartych, a z pewnością znacznie bardziej wyraźnych niż jego obrazy, oddaje kobieta jako obiekt męskich pożądań seksualnych, w sposób dość podobny do jej współczesnego Egona Schiele (1890-1918). Jego sposób traktowania aktu, brutalny i realistyczny, przyniósł mu za życia ostrą krytykę, jeśli nie prawdziwe skandale. Dobrym tego przykładem jest Naga prawda, alegoria Prawdy, w której ukazana jest naga kobieta z włosami łonowymi, niemal naturalnej wielkości, co stanowiło prawdziwe wyzwanie dla panujących norm sztuki.

Komentowaliśmy, że przez życie i łóżko Gustava Klimta przeszło wiele kobiet. Przede wszystkim jednak wyróżnia się Emilie Flöge (1874-1952), siostra żony Ernesta. Praktycznie wszyscy biografowie artysty są zgodni co do tego, że Emilia była najważniejszą kobietą w życiu malarza.. Poznali się w 1891 roku, na krótko przed śmiercią Ernesta, a ich związek trwał aż do śmierci Klimta w 1918, choć w ostatnich latach wydaje się, że był bardziej przyjazny niż kochający.

Emilia, muza wśród muz

Emilie była dla artysty zasadniczym wsparciem. Każdego lata Gustav i rodzina Flöge spędzali kilka tygodni nad jeziorem Atter w Górnej Austrii; Podczas tych smakowitych pobytów w kontakcie z naturą odżyła inspiracja malarza. Efektem tych wakacyjnych dni są obrazy przedstawiające pejzaże takie jak Nad jeziorem Attersee (1900). Emilie i Klimt spędzali letnie dni z Helene, siostrą Emilie i wdową po Erneście, oraz Helene Louise, siostrzenicą Klimta, której opiekunem był od śmierci brata.

Emilie wraz z siostrami założyły jeden z najważniejszych i najbardziej prestiżowych salonów mody w Wiedniu, Schwestern Flöge, zlokalizowany przy jednej z najbardziej ruchliwych i najbardziej prestiżowych ulic miasta. Do istotnych cech mody propagowanej przez tę godną podziwu kobietę należy rezygnacja z gorsetu na rzecz fantazyjnych ubrań, znacznie luźniejszych i wygodniejszych. Gustav Klimt wcielił się w rolę Emilii w 1902 roku w wystawnej sukni, która przypomina bajkę, a jej wodnisty błękit, złoto i srebro przypominają rybie łuski.

Klimt namalował wiele kobiet (wśród nich słynną Adele Bloch-Bauer, bohaterkę znanego obrazu Złota dama), ale żadna nie miała w jego życiu takiego znaczenia jak Emilie Flöge. Istotnie, po śmierci artysty w lutym 1918 roku (ofiara zapalenia płuc, powikłanego udarem mózgu). miał miesiąc, zanim go sparaliżowało), była spadkobierczynią jego majątku, wraz z jego siostry.

Malarz życia, miłości i śmierci

Być może musimy po części przypisać odrzucenie, jakie dzieła Gustava Klimta wywołały za jego życia, lustrzanemu efektowi jego dzieł. Klimt brutalnie pokazał samo życie, a zatem miłość, seks i śmierć. Nie są to dzieła surowe i nieprzyjemne (w stylu ekspresjonizmu), ale raczej delikatne, złociste i poetyckie kompozycje, co jeszcze bardziej przytłacza prawdziwością ich treści.

Przykładem tej surowej wizji jest jedno z jego arcydzieł Śmierć i życie, którego artysta stworzył w dwóch wersjach. W obu wersjach po lewej stronie obrazu widzimy Śmierć, uosobioną przez ubrany szkielet, natomiast po prawej stronie Życie uchwycone jest poprzez półnagie postacie, które splatają się w niemal tańcu. erotyka. W pierwszej wersji śmierć jednak pochyla głowę, jakby zawstydzona; Na drugim, wykonanym około 1915 roku, z wściekłością i rozbawieniem patrzy na mięso, które ma zostać zabrane, w kościstych rękach wymachuje maczugą, którą zada śmiertelny cios. Logiczne jest, że wesołe wiedeńskie społeczeństwo fin de siècle próbowało zignorować taki przekaz, będący niemal memento mori współczesności.