Vincent van Gogh: 16 obrazów geniuszu przeanalizowanych i wyjaśnionych

Vincent van Gogh (1853-1890) to holenderski malarz, który obok Gauguina, Cézanne'a i Matisse'a jest uważany za fundamentalną postać postimpresjonizm. Wyprzedzając swoją epokę, za życia nigdy nie zaznał artystycznego sukcesu.

Po jego śmierci wystawa retrospektywna w 1890 roku zwróciła na niego uwagę opinii publicznej. Od tego czasu stał się jednym z najbardziej wpływowych artystów sztuki współczesnej.

Poznajmy niektóre z jego najważniejszych prac, a także odkryjmy ewolucję jego linii artystycznej.

Zjadacze ziemniaków, 1885

Przyzwyczajeni do popularnych kolorowych obrazów Van Gogha The Potato Eaters zaskakuje nas. Z ziemistą i niemal barokową paletą Van Gogh przedstawia scenę, w której chłopska rodzina dzieli się ziemniakami, które sami wyhodowali na obiad. Zrobił to, czego nie robili poprzedni artyści: „usunął makijaż” z bohaterów, pokazał je w ich chamstwie i odmienności.

Tym samym powiedział „nie” burżuazyjnemu spojrzeniu, które podporządkowuje się malowniczości, aby nie zapanować nad przepaścią społeczną. Obraz ten odpowiada pierwszemu etapowi malarza, nazywanemu przez niektórych etapem czarnym, który miał miejsce podczas jego pobytu w Nuenen.

Czaszka z palącym się papierosem, 1885-1886

Klucz humoru jest ukryty w tym płótnie w ciemnej i ziemistej atmosferze, z paletą podobną do pierwszego płótna na tej liście. Szkielet nosi między zębami kpiąco zapalony papieros. Formy osiągane są grubymi i szorstkimi pociągnięciami pędzla, które nadają przedstawieniu wyrazisty charakter.

Japonaiserie: Most w deszczu (po Hiroshige), 1887

Sztuka japońska wywarła ogromny wpływ na ruchy artystyczne XIX wieku, do tego stopnia, że ​​w 1872 roku Jules Claretie ukuł termin japonizm w jego książce L'Art Francais zidentyfikowanie tego trendu przekształciło się w prawdziwe źródło kreatywności.

Vincent van Gogh poświęcił się studiowaniu, kopiowaniu i wersjonowaniu najbardziej emblematycznych dzieł sztuki japońskiej, co jego zdaniem zapewniało zarówno kompozycyjną prostotę, jak i wyrazistość. Wielbiciel Utagawy Hiroshige, Van Gogh opracował tę wersję Most Ohashi w Atake w nagłym deszczu.

Sypialnia, 1888-1889

W pracy Sypialnia Van Gogh zaczyna pokazywać styl, dzięki któremu znamy go najlepiej. Pozostawiając za sobą scenę malarską mieszkającą w Nuenen i zainstalowaną w Arles, malarz zaczyna przemyśleć kolor od strony symbolicznej. Niestety podczas powodzi oryginalny obraz uległ uszkodzeniu, co skłoniło malarza do wykonania drugiej wersji. Potem zrobi mniejszy dla matki i siostry Wilheminy.

Zgodnie z własnymi słowami wyrażonymi w liście do brata Theo, Van Gogh chciał wyrazić w swoim obrazie spokój i odpoczynek surowego pokoju. Łączy pojęcie perspektywy zachodniej z brakiem objętości w obiektach sztuki japońskiej.

Siewca, 1888

Temat siewcy powraca w twórczości Van Gogha, być może ze względu na jego wrażliwość na życie chłopskie, być może ze względu na wrażliwość chrześcijańską (przypominająca przypowieść o siewcy). Chociaż jego intencja nie jest dla nas jasna, prawda jest taka, że ​​w tym obrazie Van Gogh ponownie inspiruje się z jednej strony francuskim malarzem Milletem; z drugiej strony w sztuce japońskiej, zwłaszcza jeśli chodzi o roślinność.

Wewnątrz płótna wyróżnia się obróbka dysku słonecznego, w którym pociągnięcia pędzla są koncentryczne, unikalna linia malarza. Van Gogh maluje scenę z pamięci pod motywacją otrzymaną przez swojego ówczesnego przyjaciela Gauguina.

Czerwona winnica, 1888

Van Gogh reprezentuje scenę vintage z dużym realizmem. Jego linia jest gruba i pozostaje odkryta. Postacie ludzkie są podkreślone odpowiednio wytyczonymi konturami. Nerwowość linii nadaje fakturę polom, które leżą w czerwonawym jesiennym świetle. Słońce ponownie powtarza koncentryczne pociągnięcia pędzla.

Był to jedyny obraz, jaki kiedykolwiek sprzedał Van Gogh, poza jego bratem Theo. Została nabyta przez Anne Boch, siostrę Eugène'a Bocha.

Portret Listonosz Joseph Roulin, 1888

Listonosz Joseph Roulin często rozmawiał z Van Goghem, który regularnie korespondował ze swoim bratem Theo i Emilem Bernardem. Obraz wyróżnia się techniką znaną jako cloisonizm, w którym płaskie kolory, takie jak błękit garnituru listonosza, zamykają określone i oczywiste kontury.

Inne szczęście dotyczy twarzy, aw szczególności brody, która została rozwiązana za pomocą małych pociągnięć pędzla, które tworzą prawie zalesiony efekt. Wynik nóg i rąk na poziomie rysowania jest z pewnością dziwny.

Taras kawiarni w nocy?, 1888

Van Gogh tworzy kontrastową atmosferę z dwoma środowiskami: żółtym i jasnobrązowym oraz oczekiwaną nocą, która otwiera się na końcu ulicy. W ten sposób żółty i niebieski dominują na scenie jako doskonałe dopełnienie. Na niebie gwiazdy niczym sztuczne lampy obwieszczają, co stanie się stylem znalezionym w Gwieździsta noc. Nawierzchnię uzyskuje się za pomocą zakrzywionych linii przypominających łuski. Pośrodku mroku ta tętniąca życiem i rozmyta kawiarnia cieszy się radością.

Słoneczniki, 1888-1889

Słoneczniki były bardzo rozwiniętym motywem w malarstwie Vincenta van Gogha. Stworzył wiele wersji. W każdym z nich Van Goghowi udaje się przekazać wielką siłę wyrazu poprzez takie zasoby, jak żywy kolor, linie nerwowe, chaos płatków i użycie światła. Utworzy grupy z trzema, pięcioma, dwunastoma, a nawet piętnastoma kwiatami.

Gwieździsta noc, 1889

To bez wątpienia najbardziej emblematyczny obraz autora. Niebo tej gwiaździstej nocy jest utrwalone w pamięci tych, którzy je widzą. To świetlista fantazja, ruchoma, zniekształcona, dynamiczna rzeczywistość, która zamiast unosić się, zdaje się przesuwać po falistych liniach na wertykalności i konstruktywnej geometrii zamieszkującej miasto.

Pionowość podkreśla również cyprys, ale ten naturalny element wyłania się z podstawy jak roślinny płomień, który stara się płonąć w tym niebiańskim ogniu. Przy oświetlonym firmamencie rzeczywistość zbudowana przez człowieka wydaje się malutka. Obraz powstał podczas pobytu w sanatorium Saint-Rémy-de-Provence.

Zobacz także analizę Obraz Gwiaździstej Nocy Vincenta van Gogh.

Lilie, 1889

Na tym obrazie, który Van Gogh namalował podczas dobrowolnego zamknięcia w sanatorium, malarz przedstawia na pierwszym planie lilie ogrodowe, używając techniki cloisonizm, przynajmniej w głównym ujęciu. W miarę oddalania się uwagi malarz stawia na większą nieokreśloność form, bawiąc się psychologią percepcji koloru.

Szkoda, 1889

Van Gogh tworzy własną wersję obrazu Szkoda Eugene Delacroix z litografii wydrukowanej ukośnie naprzeciwko oryginalnego oleju.

Stąd wersja Van Gogha ma inną orientację. Kolorystyka również zostanie wykonana z własnej wyobraźni, ponieważ litografia referencyjna była czarno-biała. Ale po co przechodzić do tego tematu?

Niektórzy uważają, że holenderski artysta rywalizował wówczas z Gauguinem i Bernardem, teraz zwrócił się ku scenom mistycznym, którym zarzucał, że nie umieszczają „niczego z prawdy” w ich pracach. Ale religijność jest także tematem obecnym w myślach Van Gogha. Artysta odnajduje w nim co jakiś czas pocieszenie.

Van Gogh często sięgał do litografii, które przysłał mu jego brat Theo. Pewnego razu pisał do brata:

Ostatnim razem, podczas mojej choroby, zdarzył mi się nieszczęśliwy wypadek; Litografia Pieta Delacroix i kilka innych liści spadły na olej i farbę i uległy zniszczeniu. Byłem zasmucony, ale potem zająłem się malowaniem i zobaczysz to kiedyś. Zrobiłem kopię w rozmiarze 5 lub 6 i myślę, że to ma wyczucie.

Kwitnące drzewo migdałowe, 1890

W tej pracy Van Gogh po raz kolejny ujawnia echa japońskich wpływów obecnych w gładzie kwiatów, które kontrastują z cloisonizm przedstawionych oddziałów. To było poświęcone jego nowonarodzonemu siostrzeńcowi, któremu nadano imię Vincenta Willema w hołdzie malarzowi.

Kościół Auvers-sur-Oise, 1890

Wyczerpany z Arles jego ostatnie miesiące spędził Vincent van Gogh w Auvers-sur-Oise. To będzie inspiracja dla tego nowego obrazu. Po raz kolejny pojawia się intensywny i tajemniczy błękit wieńczący kompozycję na niebie.

Motywem przewodnim będzie katedra, która mimo swojej pionowej objętości, nerwowym uderzeniem przełamuje sztywność linii, sprawiając, że wygląda na zdeformowaną, niemal zjawiskową. U podstawy otwierają się dwie ścieżki, tworząc rodzaj „v”, który otacza katedrę. W powstałej szczelinie kryje się cień świętej budowli.

Ścieżką po lewej stronie idzie kobieta. Wnosi życie i znaczenie do krajobrazu równie pięknego, co niepokojącego. Twoja technika wymiesza puentylizm impresjonista z klaisonizmem Gauguina i Bernarda.

Zobacz też Impresjonizm: charakterystyka, dzieła i najbardziej reprezentatywni autorzy.

Portret dr Paul Gachet, 1890

Van Gogha opiekował się dr Paul Gachet, który był również miłośnikiem sztuki i uczniem malarza. Gachet zgodził się pozować Van Goghowi, który wykonał dwa jego portrety. Pierwszym z nich jest ten, który tutaj prezentujemy.

Artysta przedstawia go w niebieskim garniturze i białym berecie, z twarzą opartą na dłoni i łokciem na stole. Twarz wypełnia zamyślone i melancholijne powietrze. Na obrusie znajdują się dwie książki i bukiet cyfrowych roślin, rodzaj rośliny do użytku leczniczego. Przedmioty te dopełniają atrybuty lekarza, jakby był świętym.

Technika polega na nakładaniu się kolorów jeden na drugim, osobnych pociągnięciach, plamach, cieniach uzyskiwanych z zielonkawymi tonami, koncentrycznych pociągnięciach wokół głowy lekarza, wszystko po to, by zbudować nerwową i żywą atmosferę, w której dominuje błękit w przeciwieństwie do palety żółtaczka.

Pole pszenicy z wronami, 1890

To ostatnie płótno namalowane przez Vincenta van Gogha. Malarz przedstawia pole pszenicy pod niespokojnym niebem, dzięki sile pociągnięć pędzla w różnych odcieniach błękitu. Coś w rodzaju niebiańskich świateł migocze bez większej przejrzystości i łączy się z atmosferą.

W dolnym pasie pole pszenicy przedzielone jest trzema drogami gruntowymi. Te ścieżki są rozgałęzieniami tego, co wydaje się być zjednoczoną ścieżką, i rozchodzą się jak kurzą łapę. Pomiędzy nimi, podobnie jak w poprzedniej tabeli, powstają dwa „v”. W tych otworach w kształcie litery „V” pole pszenicy pojawia się w żywych żółtych odcieniach, przeplatanych plamami kasztanowca, czerni i ochry, które pokazują pewien chaos i dynamizm. Wygląda na to, że mocno wieje wiatr.

Z pól pszenicy wylatuje stado ptaków związanych z wronami. Van Gogh maksymalnie scharakteryzował swoją reprezentację: wrony są ledwo sugerowane przez niemal dziecinne czarne linie. Symboliczna ekspresja zdominowała jego twórczość poprzez kolory i elementy plastikowe sprowadzone do absolutnego minimum.

Biografia Vincenta van Gogha

Vincent Willem Van Gogh urodził się w 1853 roku w Holandii. Dorastał w rodzinie protestanckiej. W rzeczywistości jego ojciec był ministrem. Vincent otrzymał to samo imię, co jego starszy brat, który rok wcześniej urodził się martwy. Malarz miał pięcioro rodzeństwa: Theo, Corneliusa Vincenta, Elisabethę Hubertę, Annę Cornelię i Wilhelminę Jacobę.

Rzucił się w wieku 15 lat i zaczął pracować ze swoim wujem w międzynarodowej firmie handlującej dziełami sztuki. Po zwolnieniu i kilku innych zmianach podjął studia teologiczne w Belgii i pracował jako misjonarz w kopalniach węgla, gdzie dzielił się z najpokorniejszymi ludźmi.

Po porażce jako teolog poświęcił się całkowicie malarstwu, starej pasji, którą nabył już jako samouk. W 1880 zdecydował się na studia w Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w Brukseli w Belgii. Jego praca jako artysty nie została jednak dobrze przyjęta. Wraz z tym artysta niejednokrotnie został zraniony w miłości.

Marzył o stworzeniu kręgu artystów, dla których wynajął tzw. Żółty Dom, w którym miał pokój dla Paula Gauguina. Zgodził się, ale po dwóch miesiącach stosunki między nimi się skomplikowały. Sprawa zakończyła się okaleczeniem części ucha Vincenta. Do dziś nie wiadomo na pewno, czy to on sam się skrzywdził, czy też ukrywał Gauguina.

Malarz dobrowolnie zamknął się w sanatorium. Opiekował się nim doktor Paul Gachet. W 1890 roku malarz zmarł od strzału w klatkę piersiową, po dwóch dniach agonii. Van Gogh obwiniał się. Jednak niektórzy biografowie uważają, że było to przypadkowe zabójstwo spowodowane przez dwóch braci polujących w lesie, w którym Van Gogh malował. Ta teza nie ma jeszcze konsensusu.

Van Gogh w kulturze popularnej

Vincent van Gogh odcisnął tak ważne piętno na współczesnej kulturze, że stał się obowiązkowym punktem odniesienia, zarówno dla swojej sztuki, jak i historii niezrozumianego geniuszu.

Nakręcono o nim wiele filmów, m.in Szaleniec z rudymi włosami (1956), Vincent: życie i śmierć Vincenta van Gogha (1987), Vincent i ja (1990), Vincent i Theo (1990), Van Gogh (1991), Van Gogh: Malowane słowami (2010). Został również wymieniony w filmach jako Wilk za drzwiami (1986) lub Uśmiech Mony Lisy (2003).

Naszą uwagę zwróciły zwłaszcza dwie prace. Po pierwsze, film Marzenia Akiry Korosawy (1990), która dedykuje malarzowi kompletną scenę w kontekście świata snu. Możesz zobaczyć całą scenę w poniższym linku:

Drugim filmem, który przykuwa naszą uwagę, jest: Kochać Vincenta (2016), pierwszy w pełni animowany film olejny, stosując obrazowy styl Van Gogha. Ten film obejmuje niewiadome związane z jego śmiercią. Czy było to samobójstwo, czy raczej nieumyślne zabójstwo? Z niemal detektywistycznej pracy śledczej prowadzonej przez jedną z bohaterów udaje mu się skomponować psychologiczny i estetyczny portret malarza słoneczników. Zwiastun można zobaczyć tutaj: