Ogród rozkoszy ziemskich, Hieronymus Bosch: historia, analiza i znaczenie

Ogród rozkoszy ziemskich Jest to najbardziej emblematyczne i zagadkowe dzieło Bosko, flamandzkiego malarza. Jest to tryptyk malowany olejem na drewnie dębowym, wykonany około 1490 lub 1500 roku. Kiedy pozostaje zamknięty, kontemplujemy dwa panele, na których przedstawiony jest trzeci dzień stworzenia. Po otwarciu trzy panele wewnętrzne reprezentują raj, ziemskie życie (ogród ziemskich rozkoszy) i piekło.

Jego sposób przedstawiania tych zagadnień był przedmiotem wszelkiego rodzaju kontrowersji. Jaki był cel tej pracy? Do czego był przeznaczony? Jakie tajemnice kryje się za tym dziełem?

Opis zamkniętego tryptyku

Gdy tryptyk jest zamknięty, możemy zobaczyć reprezentację trzeciego dnia stworzenia w grisaille, technika malarska, w której pojedynczy kolor jest używany do przywołania tomów ulga. Według relacji Genesis, fundamentalnego odniesienia w czasach Bosko, Bóg stworzył roślinność na Ziemi trzeciego dnia. Malarz przedstawia w ten sposób krainę pełną roślinności.

Wraz z tym Bosco wydaje się wyobrażać świat taki, jaki został pomyślany w jego czasach: płaską Ziemię, otoczoną zbiornikiem wodnym. Ale co dziwne, Bosco otacza Ziemię rodzajem kryształowej kuli, zapowiadając obraz okrągłego świata.

Bóg patrzy z góry (lewy górny róg), w czasie, który wydaje się być raczej świtem czwartego dnia. Bóg Stwórca nosi w dłoniach koronę i otwartą księgę, pisma święte, które wkrótce ożyją.

Po obu stronach tablicy widnieje łacińska inskrypcja Psalmu 148, werset 5. Po lewej stronie widnieje napis: „Ipse dixit et facta sunt”, co oznacza „Sam to powiedział i wszystko zostało zrobione”. Po prawej stronie „Ipse mandavit et creata sunt”, co tłumaczy się jako „On sam to wyświęcił i wszystko zostało stworzone”.

Opis tryptyku otwartego

Otwierając tryptyk w całości, mamy do czynienia z eksplozją koloru i postaci, która kontrastuje z monochromatycznym i nieożywionym charakterem kreacji.

Niektórzy badacze widzieli w tym geście (odsłonięcie wewnętrznej treści utworu) metaforę procesu stworzenie, jakby Bosch w jakiś sposób wprowadzał nas w konspiracyjne spojrzenie na naturalną i moralną ewolucję świat. Zobaczmy, jakie są główne elementy ikonograficzne każdego panelu.

Raj (lewy panel)

Lewy panel odpowiada rajowi. Widać w nim Boga stwórcę z rysami Jezusa. Trzyma Ewę za nadgarstek, jako symbol oddania jej Adamowi, który leży na ziemi ze stopami nałożonymi na ich końce.

Na lewo od Adama znajduje się drzewo życia, smocze drzewo, egzotyczne drzewo typowe dla Wysp Kanaryjskich, Zielonego Przylądka i Madery, które El Bosco mógł poznać tylko dzięki reprodukcjom graficznym. To drzewo było dawniej kojarzone z życiem, ponieważ uważano, że jego szkarłatny sok ma właściwości lecznicze.

W środkowym pasie po prawej stronie drzewo poznania dobra i zła, otoczone wężem. Leży na skale o humanoidalnym profilu, prawdopodobnie symbolu ukrytego zła.

Pod skałą widzimy szereg gadów wynurzających się z wody i przyjmujących niezwykłe formy. Czy można to zrozumieć z perspektywy ewolucji gatunków? To jedno z pytań, które zadają sobie eksperci. Czy Bosch mógł sobie wyobrazić zapowiedź teorii ewolucji?

W centrum dzieła, alegoryczna fontanna wyróżnia się na cztery rzeki Edenu, które pionowo przecinają przestrzeń niczym obelisk, symbol źródła życia i płodności. U jego podstawy znajduje się kula z dziurą, w której można zobaczyć sowę kontemplującą niewzruszoną scenę. Chodzi o zło, które od początku nawiedza człowieka, czekając na czas potępienia.

Między fontanną a drzewem życia, nad jeziorem, unosi się łabędź. Jest symbolem duchowego braterstwa, do którego należał Bosko, a zatem symbolem braterstwa.

Na całej scenie można zobaczyć wszelkiego rodzaju zwierzęta morskie, lądowe i latające, w tym niektóre egzotyczne zwierzęta, takie jak żyrafy i słonie; widzimy też fantastyczne istoty, takie jak jednorożec i hipokamp. Wiele zwierząt walczy.

Bosco miał wiedzę o wielu naturalnych i mitologicznych zwierzętach dzięki opublikowanym wówczas bestiariuszom i opowieściom podróżniczym. W ten sposób miał dostęp do ikonografii zwierząt afrykańskich, zilustrowanej na przykład w dzienniku włoskiego awanturnika Cyriacusa d'Ancona.

Ogród rozkoszy ziemskich (panel centralny)

Centralny panel jest tym, który nadaje tytuł pracy. Odpowiada on przedstawieniu świata podziemnego, który dziś symbolicznie określany jest jako „ogród rozkoszy ziemskich”.

W tej reprezentowane są dziesiątki całkowicie nagich, czarno-białych ludzi. Bohaterowie są rozproszeni, ciesząc się wszelkiego rodzaju przyjemnościami, zwłaszcza seksualnymi, i nie są w stanie zobaczyć losu, jaki ich czeka. Niektóre postacie patrzą na publiczność, inne jedzą owoce, ale generalnie wszyscy ze sobą rozmawiają.

Za czasów malarza nagość w malarstwie była niedopuszczalna, poza tym, że była to przedstawienie postaci mitologicznych, takich jak Wenus i Mars oraz oczywiście Adam i Ewa, których ostatecznym celem było… otrzeźwiający.

Dzięki nieco bardziej liberalnemu środowisku renesansu, poświęconemu badaniu anatomii człowieka, Hieronymus Bosch nie boi się bezpośrednie przedstawianie nagości zwykłych postaci, ale oczywiście usprawiedliwia to jako ćwiczenie moralizatorski.

Są zwierzęta pospolite i egzotyczne, ale ich rozmiary kontrastują ze znaną rzeczywistością. Widzimy gigantyczne ptaki i ryby oraz ssaki o różnej łusce. Częścią sceny jest roślinność, a zwłaszcza owoce o ogromnych rozmiarach.

W rzeczywistości drzewo truskawkowe będzie miało powracający wygląd. Jest to owoc, który uznano za nadający się do picia, ponieważ fermentuje w upale, a jego nadmierne spożycie powoduje odurzenie. Truskawki, jeżyny i wiśnie to inne owoce, które pojawiają się, kojarzą się z pokusą i śmiertelnością, odpowiednio z miłością i erotyzmem. Nie można pominąć jabłek, symboli pokus i grzechu.

W górnym pasie kompozycji i w centrum znajduje się alegoria do fontanny raju, teraz pękniętej. Ta czcionka dopełnia w sumie pięć fantastycznych konstrukcji. Jej pęknięcia symbolizują efemeryczność ludzkich przyjemności.

W centrum samolotu widać basen pełen kobiet, otoczony przez jeźdźców dosiadających wszelkiego rodzaju czworonogów. Te grupy jeźdźców są związane z grzechami głównymi, zwłaszcza z pożądaniem w różnych jego przejawach.

Piekło (prawy panel)

W piekle wyróżnia się centralna postać człowieka-drzewa, utożsamianego z diabłem. W piekle wydaje się, że jest to jedyna postać patrząca w stronę widza.

W tej części ludzie dostają to, na co zasłużyli za grzechy popełnione w ogrodzie rozkoszy ziemskich. Są torturowani tymi samymi żywiołami, którymi cieszyli się w ogrodzie ziemskich rozkoszy. Bosco potępia tutaj hazard, bluźnierczą muzykę, pożądanie, chciwość i skąpstwo, hipokryzję, alkoholizm itp.

Wyeksponowanie instrumentów muzycznych używanych jako broń tortur sprawiło, że panel ten zyskał popularną nazwę „muzycznego piekła”.

Podobnie piekło jest przedstawiane jako przestrzeń kontrastów między ekstremalnym upałem i zimnem. Dzieje się tak dlatego, że w średniowieczu istniało kilka symbolicznych obrazów tego, co mogło być piekłem. Niektóre kojarzyły się z wiecznym ogniem, a inne z ekstremalnym zimnem.

Z tego powodu w górnej części panelu piekła widzimy, jak wiele ognie spada na dusze w potrzebie, jakby była to scena wojny.

Tuż pod drzewem widzimy scenę ekstremalnego zimna, z zamarzniętym jeziorem, na którym tańczą łyżwiarze. Jeden z nich wpada do zimowej wody i próbuje się wydostać.

Analiza pracy: wyobraźnia i fantazja

W rycinie Cornelisa Corta z portretem Bosko, opublikowanej w 1572 r., można przeczytać epigramat Dominika Lampsoniusa, którego przybliżone tłumaczenie byłoby następujące:

Co widzisz, Jheronimusie Bosch, twoje zdziwione oczy? Dlaczego ta blada twarz? Czy widziałeś duchy Lemurii lub latające widma Erebusa? Wydawałoby się, że przed tobą otworzyły się drzwi skąpca Plutona i domostwa Tartaru, widząc, jak twoja prawa ręka tak dobrze namalowała wszystkie tajemnice piekła.

Tymi słowami Lampsonius zapowiada zdumienie, z jakim podziwia dzieło Bosko, w którym podstępy wyobraźni przekraczają kanony reprezentacji jego czasów. Czy Bosch jako pierwszy wyobraził sobie tak fantastyczne postacie? Czy Twoja praca jest wynikiem wyjątkowej myśli? Czy ktoś podzieliłby się z nim takimi obawami? Czego El Bosco chciał od tej pracy?

Z pewnością pierwszą rzeczą, która nas rzuca, gdy widzimy ten tryptyk, jest jego wyobrażeniowy i moralizatorski charakter, wyrażony poprzez takie elementy jak satyra i kpina. Bosco wykorzystuje też wiele fantastycznych elementów, które moglibyśmy nazwać surrealistyczne, ponieważ wydają się wyjęte ze snów i koszmarów.

Jeśli pomyślimy o wielkim renesansowym malarstwie, do którego jesteśmy przyzwyczajeni (słodkie anioły, święci, Bogowie olimpijscy, elitarne portrety i malarstwo historyczne), ten rodzaj przedstawienia nazywa Uwaga. Czy tylko Bosch był w stanie wyobrazić sobie takie liczby?

Podczas gdy malarstwo sztalugowe i duże renesansowe freski były oddane naturalistycznej estetyce, która chociaż alegoryczne, nie było fantastyczne, cudowne elementy Boscha nie byłyby zupełnie obce wyobraźni XV i XVI wieku.

Ludowa wyobraźnia była pełna fantastycznych i potwornych obrazów, a Bosch z pewnością będzie karmił się tymi obrazami poprzez traktaty ikonograficzne, ryciny, literaturę itp. Wiele fantastycznych obrazów pochodziło z kupletów, popularnych powiedzeń i przypowieści. Następnie... Na czym polegałaby oryginalność lub znaczenie Boscha, a zwłaszcza tryptyku? Ogród rozkoszy ziemskich?

Według ekspertów, nowatorski wkład El Bosco w flamandzkie malarstwo renesansowe polegałby na podniesieniu ikonografii fantastyczne, typowe dla sztuk mniejszych, o znaczeniu malarstwa olejnego na desce, zwykle zarezerwowanego dla liturgii lub nabożeństwa pobożny.

Wiodącą rolę odgrywa jednak wyobraźnia autora, nie tylko w kręceniu tych obrazów fantastyczna w satyryczny i moralizatorski sposób, ale za to, że wyszła poza wyobrażałem sobie. Rzeczywiście, El Bosco kładzie podwaliny pod elementy twórcze, które można uznać w pewien sposób za surrealistyczne.

Zobacz też Surrealizm: charakterystyka i główni autorzy.

Dlatego, wpisując się w tradycję, El Bosco również ją przekracza, tworząc niepowtarzalny styl. Jego wpływ był tak duży, że wywarł istotny wpływ na przyszłych malarzy, takich jak Pieter Bruegel Starszy.

Kompozycja: tradycja i wyjątkowość

To dzieło malarza zrywałoby też z renesansową zasadą skupiania uwagi wzroku na wiodącym punkcie sceny.

W tryptyku sceny z pewnością respektują centralny punkt zbiegu, który sprawia, że ​​każda z części zbiega się wokół wyważonej plastycznie osi. Jednakże, chociaż organizacja przestrzenna według pionów i poziomów jest oczywista, hierarchia różnych reprezentowanych elementów nie jest jasna.

Wraz z tym obserwujemy rzadkość kształtów geometrycznych. Przede wszystkim zwracamy uwagę na konstrukcję wielu połączonych, ale autonomicznych scen w tym samym czasie, pod względem panele ziemskiego świata i piekła tworzą chóralne środowisko spokojnego i cierpiącego ryku odpowiednio.

W panelu centralnym każda z tych scen składa się z grupy ludzi żyjących własnym wszechświatem, własnym światem. Prowadzą ze sobą rozmowę, choć kilka postaci w końcu patrzy na publiczność. Chcesz włączyć go do rozmowy?

Cel i funkcja tryptyku: rozmowa?

Kiedy obchodzono V stulecie tryptyku, Muzeum Prado zorganizowało wystawę przy współpracy Reinderta Falkenburga, eksperta w tej dziedzinie.

Falkenburg skorzystał z okazji, aby przedstawić swoją tezę na temat tryptyku Ogród rozkoszy ziemskich. Dla niego ten tryptyk to fragment rozmowy. Według interpretacji badacza dzieło to nie zostało pomyślane do funkcji liturgicznej czy dewocyjnej, choć z pewnością nawiązuje do wyobrażeń zaświatów (nieba i piekła).

Wręcz przeciwnie, dzieło to było przeznaczone na wystawę w sądzie, o czym Falkenburg twierdzi, że jego przeznaczeniem było: wywołują rozmowę między zwiedzającymi, tymi samymi, którzy być może mieliby życie bardzo podobne do tego, które potępił malarz.

Trzeba pamiętać, że tradycyjne tryptyki przeznaczone były na ołtarze kościołów. Pozostały tam zamknięte aż do uroczystej uroczystości. W kontekście liturgii rozmowa nie jest więc celem. Przeciwnie, kontemplacja obrazów byłaby przeznaczona na wychowanie do wiary oraz osobistej modlitwy i pobożności.

Czy takie użycie miałoby sens w sądzie? Falkenburg uważa, że ​​nie. Wystawa tego tryptyku w sali sądowej nie mogła nie mieć na celu rozmowy przed wspaniałym efektem, jaki powstaje po otwarciu zewnętrznych paneli.

Falkenburg twierdzi, że utwór ma również charakter zwierciadlany, ponieważ postacie w przedstawieniu wykonują tę samą czynność, co widzowie: rozmawiają ze sobą. Praca stara się więc być odzwierciedleniem tego, co dzieje się w środowisku społecznym.

Cel malarza

Wszystko to zakłada więc jeszcze jedną oryginalność flamandzkiego malarza: nadanie formatowi tryptyku funkcji społecznej, nawet w ramach jego głębokiego katolickiego zmysłu moralnego. Odpowiada to również szkoleniu El Bosco i warunkom jego komisji. Bosco był malarzem elitarnym, którego mimo bujnej wyobraźni można uznać za konserwatystę. Był też człowiekiem wykształconym, dobrze poinformowanym i udokumentowanym, przyzwyczajonym do czytania.

Jako członek bractwa Matki Bożej i pod wpływem duchowości Braci Wspólnego Życia (Naśladowanie Chrystusa, Tomasz z Kempis), Bosco zdołał dogłębnie zbadać moralność katolicką i, jak prorok, chciał dawać sygnały o ludzkich sprzecznościach i losie grzeszników.

Jego moralność nie jest ani akomodacyjna, ani miękka. Bosco uważnie przygląda się środowisku i nie skąpi, gdy jest to konieczne, potępiając nawet kościelną hipokryzję. Z tego powodu Jerónimo Fray José de Sigüenza, odpowiedzialny za kolekcję Escorial na końcu XVI wieku, stwierdził, że cenną rzeczą Bosko przed ówczesnymi malarzami było to, że to osiągnięty pomaluj mężczyznę w środku, podczas gdy inni ledwo malowali swoje występy.

O Bosco

Prawdziwe imię Bosko to Jheronimus van Aken, znany również jako Jheronimus Boch lub Hieronymus Boch. Urodził się około 1450 roku w mieście Hertogenbosch lub Bois-le-Duc (Bolduque), księstwie Bravante (obecnie Holandia). Wychował się w rodzinie malarzy i stał się przedstawicielem flamandzkiego malarstwa renesansowego.

Niewiele jest informacji o tym malarzu, gdyż podpisywał bardzo niewiele obrazów i żaden z nich nie był datowany. Wiele jego prac przypisano autorowi po poważnych badaniach. Wiadomo, tak, że Felipe II był wielkim kolekcjonerem swoich obrazów i tak naprawdę to on zamówił dzieło Ostateczny wyrok.

Bosco należał do bractwa Matki Bożej Hertogenbosch. Nie dziwi jego zainteresowanie tematami moralności katolickiej, takimi jak grzech, przemijanie życia i szaleństwo człowieka.

Zamówienie i miejsce przeznaczenia Ogród rozkoszy ziemskich: od domu Nassau do Muzeum Prado

Engelbert II i jego bratanek Henryk III z Nassau, niemiecka rodzina szlachecka, do której należał słynny zamek Nassau, należeli do tego samego bractwa co malarz. Przypuszcza się, że jeden z nich był odpowiedzialny za zamówienie dzieła u malarza, ale trudno to ustalić, ponieważ dokładna data jego powstania nie jest znana.

Wiadomo, że dzieło istniało już w 1517 roku, kiedy pojawiły się pierwsze komentarze na jego temat. Do tego czasu Henryk III miał już pod swoją kontrolą tryptyk. Odziedziczył ją po swoim synu Enrique de Chalons, który z kolei odziedziczył ją po swoim siostrzeńcu Guillermo de Orange w 1544 roku.

Tryptyk został skonfiskowany przez Hiszpanów w 1568 roku i był własnością Fernando de Toledo, przeora zakonu San Juan, który trzymał go aż do śmierci w 1591 roku. Filip II nabył go na aukcji i zabrał do klasztoru El Escorial. On sam nazwałby tryptyk Obraz drzewa truskawkowego.

W XVIII wieku utwór został skatalogowany pod nazwą Stworzenie świata. Pod koniec XIX wieku Vicente Poleró nazwałby to Malowanie cielesnych przyjemności. Stamtąd popularne stało się używanie wyrażeń ziemskich rozkoszy i w końcu, Ogród rozkoszy ziemskich.

Tryptyk pozostał w El Escorial od końca XVI wieku do wybuchu wojny Hiszpański cywil, kiedy został przeniesiony do Muzeum Prado w 1939 roku, gdzie pozostaje do data.

Inne prace El Bosco

Wśród jego najważniejszych dzieł można wymienić:

• Święty Hieronim w modlitwie, około 1485-1495. Gandawa, Muzeum voor Schone Kunsten.
• Pokusa San Antonio (fragment), ok. 1500-1510. Kansas City, Muzeum Sztuki Nelson-Atkins.
• Tryptyk kuszenia św. Antoniego, około 1500-1510. Lizbona, Narodowe Muzeum Sztuki Starożytnej
• Św. Jan Chrzciciel w medytacji, około 1490-1495. Madryt, Fundacja Lázaro Galdiano.
• Św. Jan na Patmos (awers) e Pasja Historie (rewers), około 1490-1495. Berlin, Staatliche Museen
• Pokłon Trzech Króli, około 1490-1500. Madryt, Muzeum Prado
• Ecce homo, 1475-1485. Frankfurt nad Menem, Muzeum Städel
• Chrystus niosący krzyż (awers), Chrystus dziecko (rewers), około 1490-1510. Wiedeń, Kunsthistorisches Museum
• Tryptyk Sądu Ostatecznego, około 1495-1505. Brugia, Groeningemuseum
• Wóz z sianem, około 1510-1516. Madryt, Muzeum Prado
• Wydobycie kamienia szaleństwa, około 1500-1520. Madryt, Muzeum Prado. Kwestionowane autorstwo.
• Tabela grzechów głównych, około 1510-1520. Madryt, Muzeum Prado. Kwestionowane autorstwo.

Rozmowy o Ogród rozkoszy ziemskich w Muzeum Prado

Muzeum Prado oddało do naszej dyspozycji szereg materiałów audiowizualnych, aby lepiej zrozumieć tryptyk Ogród rozkoszy ziemskich. Jeśli lubisz kwestionować sposób interpretacji dzieł sztuki, nie możesz przegapić tej rozmowy między naukowcem a znawcą historii sztuki. Zaskoczy Cię: