Surrealizm: charakterystyka i główni artyści

W 1924 r. w Paryżu André Breton (1896-1966), francuski pisarz i poeta, napisał manifest po zerwaniu stosunków z Tristan Tzara, przywódca ruchu dadaistycznego, a więc narodził się surrealizm, który wielu uważa za ostatni z wielkich awangardy.

Surrealizm pojawia się w Paryżu w 1924 roku. Rozprzestrzenił się w całej Europie kilka lat po zakończeniu I wojny światowej, aż do nadejścia II wojny światowej. Dlatego wpływ tego ruchu dotarł do naszych czasów.

Prawdą jest, że termin surrealizm jest kojarzony z André Bretonem i jego manifestem, ale po raz pierwszy został użyty przez Guillaume Apollinaire (1880-1918), francuskiego krytyka sztuki i pisarza, w prologu do swojego dzieła Cycki Tejrezjasza napisany w 1917 roku.

Charakterystyka

Nieświadomość i automatyzm

Manifest Bretona jest inspirowany książką Freuda Interpretacja snów, w którym autor zgłębia ideę, że ludzki umysł ma ukryty poziom zwany nieświadomością, jest powiedz to, czego przez większość czasu ludzie nie są świadomi, jako słowo wskazuje.

Surrealizm dążył do przezwyciężenia tego ograniczenia nieświadomości, pozwalając podświadomości wyrażać się poprzez sztukę.

W ten sposób automatyzm stał się jedną z cech surrealizmu, w obronie artystycznej ekspresji bez granic i bez kontroli rozumu. Aby osiągnąć ten cel, artyści przystąpili do opracowywania prac w stanach transu i hipnozy.

W praktyce automatyzm polegał na przeniesieniu na papier, płótno lub inne podłoże ekspresja artystyczna, myśl lub sen bezpośrednio z podświadomości, bez wywierania estetyki lub morał.

Celem było zautomatyzowanie twórczości artystycznej (automatyzm), podobnie jak oddychanie lub mruganie jest automatyczne. Była to więc próba protestu przeciwko utartym normom, zarówno w sztuce, jak iw sferze społecznej.

Surrealiści wierzyli, że twórczość wywodząca się z podświadomości artysty jest bardziej autentyczna i potężniejsza niż wywodząca się ze świadomości. Byli również zainteresowani poznawaniem języka snów, który, jak wierzyli, ujawniał ukryte uczucia i pragnienia.

Ogólnie można powiedzieć, że chodziło o osiągnięcie jak największej spontaniczności, czegoś, co mniej lub bardziej ujawniło się w rysunku i piśmie, ale nie tak bardzo w malarstwie, bo to bardzo złożona dyscyplina, która na tyle nie pozwala spontaniczność.

Inne techniki i procesy twórcze

Automatyzm nie zawsze sprawdzał się w innych formach wyrazu artystycznego, dlatego zastosowano inne techniki, aby osiągnąć pożądaną spontaniczność tworzenia.

Jedną z tych technik było: frottage, który polegał na przesuwaniu np. ołówka po chropowatej powierzchni, tworząc w ten sposób kształty i tekstury na podkładzie, aby z tego materiału stworzyć nową pracę.

Innym przykładem jest kalkomania, technika, w której pewna ilość atramentu jest rzucana na płótno lub papier. Ta powierzchnia składa się na pół, a po ponownym otwarciu pokazuje wzór tuszu, który służy jako materiał do stworzenia dzieła dzięki temu, co powoduje na poziomie podświadomości.

Wykorzystywano i eksperymentowano z innymi formami wyrazu artystycznego, zawsze w celu pełnego zbadania wolności twórczej.

wykwintne zwłoki był to proces twórczy oparty na grze, w której różni artyści tworzyli wspólnie rysunki lub wiersze. Nie widząc, co robi drugi, praca przechodziła jedna po drugiej, a każdy artysta dodawał nowy utwór lub nowe słowo. Do końca. artykuł został rozłożony i podzielili się wynikami w poszukiwaniu nowatorskich pomysłów.

Innym alternatywnym procesem budowy artystycznej byłobjet trouvé”(Obiekt znaleziony), wymyślony przez Marcela Duchampa (1887-1968). Duchamp był francuskim malarzem, rzeźbiarzem i poetą, jedną z głównych postaci dadaizmu.

Do tej przesłanki dodano dotyk absurdu, czyli nakładanie się tego, co nieprawdopodobne i dziwne, jak w przypadku praca, która łączy homara z telefonem, czy przypadek Meret Oppenheim, który przykrył filiżankę i łyżkę włosy.

Ta forma artystycznej konstrukcji dotyczy przedmiotów codziennego użytku, które normalnie nie mają nic do roboty widzą ze sobą, co powoduje zaburzenia zmysłów, a tym samym stymuluje nieprzytomny. Chodziło o zestawienie tego, co znane (codzienny przedmiot) z tym, co nieprawdopodobne i absurdalne, scenariuszem narzuconym przedmiotowi.

Artyści surrealiści często sięgali po obrazy i przedmioty z innych kultur, zwłaszcza prymitywnych. Ta postawa miała przede wszystkim intencje antykolonialne i antyrasistowskie.

Zobacz też

• Ogród ziemskich rozkoszy Bosko
• Ruchy artystyczne XX wieku

Główni artyści i prace

Max ernst

Max Ernst (1891, Brühl, Niemcy - 1976, Paryż, Francja) był jednym z pionierów dadaizmu, a później dołączył do surrealizmu, wyróżniając się w malarstwie i poezji.

Nawet w Niemczech Ernst aktywnie uczestniczył w I wojnie światowej, co pozostawiło na nim głębokie ślady i ostatecznie wpłynęło na jego pracę artystyczną. Wystawienie się na okropności Wielkiej Wojny sprawiło, że bardziej zaciekle przeciwstawił się społeczeństwu i wartościom tamtych czasów.

Jego twórczość charakteryzuje przede wszystkim eksploracja absurdu, konstruowanie fantastycznych scenografii i świata snów. Przez całe życie artystyczne eksperymentował z różnymi technikami, takimi jak: kolaż i frottage i był pod silnym wpływem sztuki plemion indiańskich.

Salvador Dali

Salvador Dalí (1904-1989, Figueres, Hiszpania) jest najsłynniejszym z surrealistów, a jego nazwisko stało się w końcu synonimem tego ruchu. Stało się tak pomimo faktu, że około 1937 roku Breton wyrzucił go z surrealizmu w wyniku zmiany stylu i stanowiska politycznego. Dlatego Dalí jest najbardziej kontrowersyjny.

W jego twórczości bardzo widoczny jest wpływ wyobraźni sennej, czyli świata snów. Jego artystyczna ekspresja dokonywała się głównie poprzez malarstwo i rzeźbę, ale przez całe życie posługiwał się także innymi formami i technikami.

Odcisnął nawet swój ślad w kinie, biorąc pod uwagę współpracę z dwoma filmami hiszpańskiego reżysera Luisa Buñuela (1900-1983): Pies andaluzyjski (1929) i Złoty wiek (1930).

Więcej na temat Trwałość pamięci Salvador Dalí

Oprócz bycia rewolucyjnym artystą w swoim czasie, Dalí był również geniuszem, jeśli chodzi o autopromocję i był prawdziwym showmanem.

Jego prace skupiają się wokół trzech głównych tematów: wszechświata i doznań człowieka, symboliki seksualnej i obrazów ideograficznych. Większość jego prac składa się z sekwencyjnej reprezentacji snu, czegoś, co osiągnął, ćwicząc swój umysł, aby uzyskać dostęp do podświadomości i stamtąd czerpać inspirację.

Dla Dalego marzenia i wyobraźnia były fundamentalne w procesie twórczym, a on także bronił wariantu automatyzmu, pewnego rodzaju paranoja. W tym procesie paranoi artysta musiał wejść w stan halucynacji, aby stworzyć, chwilowo zatrzymując swoją racjonalność, mimo że był do pewnego stopnia świadomy.

Joanna Miro

Joan Miró (1893, Barcelona - 1983, Palma de Mallorca, Hiszpania) jest jednym z najbardziej wpływowych artystów XX wieku. Najbardziej znanymi dziełami artysty są jego obrazy, choć tworzył także jako rzeźbiarz, projektant, ceramik itp.

Podobnie jak inni artyści, Miró przechodził różne ruchy, był pod ich wpływem, a także pozostawił swój ślad. Zaczęło się właściwie od fowizmu, potem przeszło do dadaizmu, a stamtąd do surrealizmu i abstrakcji.

W życiu artystycznym uprawiał automatyzm, aw malarstwie starał się jak najdalej zdystansować od konwencji jako sposób reakcji na ustalone zasady burżuazyjne.

Jego wczesne obrazy przedstawiają głównie formy biomorficzne bez kontrastu. Tematycznie są to kompozycje nawiązujące do skrzyżowania świata fantasmagorycznego ze światem snów. Swoimi nowatorskimi kompozycjami Miró wywarł wpływ na współczesnych, a także niezliczone późniejsze pokolenia.

René Magritte

René Magritte (1898, Lessines, Belgia - 1967, Bruxelas, Belgia) był belgijskim artystą i jednym z nazwisk najbardziej uznanego na arenie międzynarodowej surrealizmu, mimo że jego sława nadeszła tuż po 50.

Choć jest jednym z artystów najbardziej kojarzonych z surrealizmem, prace Magritte'a dystansują się od iluzjonizmu Dalego i automatyzmu Miró.

Dla Magritte'a ważne było nie tyle to, co pokazała praca, ile to, co skrywała, czyli ukryte ukryte motywy. Dla niego ważne było przedstawienie tajemnicy, dlatego wiele jego kompozycji malarskich przedstawiało postacie ludzkie z twarzami zasłonięty welonem, pozostawiając widza w wiecznej ciekawości i niezadowoleniu, że nigdy nie jest w stanie odsłonić tego, co się za nim kryje.

Podczas swojego życia artystycznego Magritte kilkakrotnie zwracał się do tego samego tematu, a także wykorzystywał słynne prace innych artystów do tworzenia surrealistycznych wersji.

Humor również odgrywał ważną rolę w jego twórczości, czego przykładem jest: Zdrada obrazów, w którym doskonale pomalowana fajka jest reprezentowana z napisem na płótnie, który mówi: „To nie jest fajka”.

Właściwie można argumentować, że ani obraz, ani słowo, które negatywnie opisuje, nie jest fajką. Są po prostu abstrakcyjną reprezentacją nieobecnego obiektu. W ten sposób w pozornie prosty sposób Magritte zmusza widza do myślenia i zadawania pytań. W rzeczywistości sam artysta nie uważał się za malarza, ale za myśliciela wyrażającego się w obrazach.

Może Cię zainteresować: 15 wierszy awangardowych

(Tekst przetłumaczony przez Andrea Imaginario).