Joan MIRÓ: 5 najsłynniejszych DZIEŁ

Joanna Miro (Barcelona, ​​1893, Palma, 1983) jest jednym z najbardziej radykalni i pomysłowi artyści, przychodząc, aby stworzyć oryginalna praca z wykorzystaniem wszelkiego rodzaju środków i technik artystycznych, od malarstwa po rzeźbę, grafikę czy ceramikę. Miró zawsze był pomiędzy ciągłym eksperymentowaniem, obiektywizmem i podświadomością, tworząc a własne wizualne słownictwo artystyczne to sprawia, że ​​jego praca jest niewątpliwa.

W tej lekcji z unPROFESOR.com oferujemy wybór najsłynniejsze dzieła Joana Miró dzięki czemu możesz zrozumieć i podziwiać twórczość jednego z najbardziej nonkonformistycznych artystów sztuki współczesnej.

Indeks

1. Charakterystyka techniki Joan Miró
2. Gospodarstwo (1920-1921), pierwsza praca Joana Miró
3. Carnaval de Arlequín (1924-1925), kolejne dzieło Joana Miró
4. Pies szczekający do księżyca (1926)
5. Niebieski II (1961)
6. Moonbird (1966): kultowa rzeźba
7. Kobieta i ptak (1982): kultowe dzieło Miró

Zaczniemy od analizy, czym jest technika Joana Miró, abyś mógł lepiej zrozumieć jego pracę. był malarz abstrakcyjny wysoko ceniony i wśród cech charakterystycznych jego pracy wyróżniamy następujące:

• Pomiędzy elementy stylistyczne charakterystyczne dla Miro sOdnajdują biomorficzne kształty, kształty geometryczne oraz obiekty abstrakcyjne i półabstrakcyjne.
• Miró był wszechstronny i płodny artysta który przetestował wiele mediów artystycznych, od ceramiki i grafiki po duże instalacje z brązu.
• Jego radykalny i pomysłowy styl był fundamentalną postacią awangardy początku XX wieku, ewoluującej w kierunku rosnącej, a następnie całkowitej abstrakcji.
• Miró nawiązał współpracę z surrealizm wcześnie, wpływając na ekspresjonistów abstrakcyjnych.
• Wymyślił również nowy rodzaj przestrzeni obrazowej w którym artysta starannie umieszcza przedmioty. Niektóre przedmioty z jego wyobraźni i które zestawia z rozpoznawalnymi podstawowymi kształtami.
• Sztuka Miró nigdy nie została zainstalowana w brak obiektywizmu, poświęcenie się eksploracji oznacza demontaż tradycyjnych zasad przedstawiania figuratywnego.
• Miró znalazł balans między automatyzmem i spontanicznością surrealizmu a drobiazgowym i precyzyjnym planowaniem i reprezentacją.
• Jego paleta kolorów jest ograniczona, zawsze trzymający się wyrazistych kolorów, z płaskimi tłami z łagodnymi przejściami kolorów i niemieszanymi polami kolorów. Odważne i wartościowe kolory, które były inspiracją dla wielu artystów.
• Pomimo zajmowania się tymi samymi tematami, zawsze robił to w różnorodność mediów i osiąganie różnych i zawsze zaskakujących rezultatów.

Według Miró praca ta znalazła odbicie wszystkie lata jego życia na wsi, kładąc na płótnie wszystko, co kochał, od największego do najmniejszego. W ten sposób na pochyłej płaszczyźnie obrazu artysta pokazuje nam swoje gospodarstwo, pełne zwierząt, roślin i narzędzi artystycznych. Płótno, na którym Miró odtwarza siebie w każdym szczególe, będąc jednocześnie zapowiedzią jego późniejszej surrealistycznej twórczości.

Artysta zawsze uważał tę pracę za jedną z najważniejszych, wyróżniających przełom w jego karierze artystycznej. Docenia się w nim również szereg wpływów, w tym katalońskiej sztuki popularnej, oprócz kubizmu, ale artysta nie dał się zaszufladkować do jednego stylu, będąc przykładem jego niespokojnego i niespokojnego obrazoburczy.

Wśród najważniejszych innowacji jest włączenie różnych elementów abstrakcyjnych, symbole, takie jak schody i litery, czyniące dzieło zarówno obrazem, jak i wierszem.

Historia obrazu

Porywająca jest również historia obrazu. Miró szukał kupca na paryskim rynku sztuki współczesnej, bardzo zainteresowanego kubizmem. Kupiec zasugerował pocięcie go na kilka mniejszych obrazów, aby ułatwić sprzedaż. Wtedy nieznany Ernest Hemingway, z którym Miró przyjaźnił się, chciał kupić obraz. Obaj spotykali się na sesje bokserskie, a Hemingway, po pożyczeniu pieniędzy i pracy jako sprzedawca w sklepie spożywczym, mógł go kupić i zachować przez całe życie.

Pisarz wyznał, że nie zmieni obrazu na żaden inny na świecie. „Ma wszystko, co czujesz do Hiszpanii, kiedy tam jesteś i wszystko, co czujesz, gdy jesteś daleko i nie możesz tam pojechać”. Dziś znajduje się w National Gallery of Art w Waszyngtonie.

Ten olej na płótnie przedstawia radosną i świąteczną scenę, w której biomorfy Quixotic zostaje złapany na imprezie.

Postacie są arlekin, identyfikowane przez czarno-białe kwadraty kostiumu oryginalnej postaci komedia dell'arte włoski, ze zniekształconym korpusem w kształcie gitary; kot stojący na tylnych łapach, jakby tańczył, z „rękami” wyciągniętymi w stronę sceny, a czerwono-żółta twarz odwraca się, by spojrzeć na widza; żółto-czarna ryba, nuty na ścianie, czarno-białe rurki węża i a czarno-żółte stworzenie, które tańczy w dolnym środku, chwytając nić, która rozciąga się do wąsów kota.

Wyimaginowany świat, który chwyta widza i to stanowi zwrot artysty w stronę surrealizmu, będąc jednocześnie jedną z pierwszych prac, w których wykorzystał on formy biomorficzne, przywołując wszystkie przedmioty żywym organizmom. Sposób na unieważnienie pewników świadomego świata i spowodowanie, że zbiorowa nieświadomość kiełkuje.

Przed nami kolejne z najsłynniejszych dzieł Joan Mirá: Pies szczekający do księżyca. W surrealistyczny i kreskówkowy krajobraz, zniekształcony pies o jasnych kolorach szczeka na księżyc. Praca oddaje poczucie samotności i tajemnicy, w tym kilka słów w jego obrazach, co Miró nazwał „Malowanie wierszy”.

Chociaż Miró nie zamieścił tekstu na obrazie, to uczucie komunikacji między psem a księżycem jest przekazywane. Został zinterpretowany jako osobisty manifest, w którym młody Miró widzi siebie jako szczeniaka próbującego odnaleźć swój głos w awangardzie.

To jest monumentalne płótno, 12 stóp na 9, w serii trzech przy użyciu prostych abstrakcyjnych kształtów na niebieskim telefonie. Wszystko jest namalowane równymi pociągnięciami pędzla, a lekko ukośne czerwone pociągnięcie wprowadza dramatyczny akcent, podkreślając w ten sposób pusty obszar. Wprowadza również czarne i nieregularne kształty, które również przekazują energię.

Miró utożsamia niebieskie pole z niebem i światem snów. Puste przestrzenie i horyzonty przytłaczały go, robiły na nim ogromne wrażenie i zawsze wprowadzały do ​​niego maleńkie postacie. Wąska gama kolorów ujawnia wpływ fresków romańskich, podobnie jak mała liczba kształtów.

Rzeźba przedstawia hybrydowe stworzenie z twarzą i rogami w kształcie księżyca, a ramiona przypominają skrzydła bez upierzenia. Postać kuca z dwoma kończynami mocno osadzonymi w ziemi, jakby czerpiąc siłę z ziemi. Kształty przywołują na myśl księżyce, ptaki i tradycję hiszpańskich walk byków.

Spektakl jest rodzajem totem pełen siły i mocy, zbierając formy Miró i metaforyczne idee ze świata naturalnego i kosmicznego, aby stworzyć postać jak ze snu. Praca ma więc wymiar organiczny, ukazując wszystkie jego kluczowe tematy: księżyc, ptaki czy motyw Katalonii.

Mamy do czynienia z innym monumentalna rzeźba o wysokości 20 metrów, przedstawiający kobietę, pomalowany na jasne kolory podstawowe. Kobieta nosi cylindryczny „kapelusz” zwieńczony żółtym ptakiem, który przywodzi na myśl sierp księżyca.

Ale praca jest niejednoznaczna, gdyż jej falliczny kształt daje początkowo mylące wrażenie. W efekcie widz musi się zatrzymać i wykonać przedstawienie. Kobieta symbolizuje Ziemia, księżyc symbolizowały niebo, a ptaki łączą oba światy. Ze względu na swoje ogromne rozmiary stał się dla Miró rodzajem talizmanu.

Rzeźba została zbudowana z kolorowych połamane płytki, była jedną z pierwszych dużych inicjatyw sztuka publiczna w Barcelonie, po przywróceniu demokracji i uważany jest za ostatnie wielkie dzieło Miró. Wykorzystanie mozaiki i nieregularnych konturów było hołdem dla wielkiego barcelońskiego architekta Antonio Gaudi, z którym Miró studiował.

Jeśli chcesz przeczytać więcej artykułów podobnych do Joan Miró: najsłynniejsze dzieła, zalecamy wpisanie naszej kategorii Fabuła.

• Punyet Miro, Joan i Lolivier-Rahola, Gloria (2012). Patrzę. Blume
• Balsach, MJ (2007). Joan Miro: Kosmogonia oryginalnego świata (1918-1939). Galaktyka Gutenberg