O Renascimento: o que é e quais são as suas características

É possivelmente um dos períodos artísticos mais conhecidos da história da arte. O Renascimento é mundialmente famoso, especialmente através de seus artistas mais importantes. Nomes como Brunelleschi, Botticelli, Rafael, Leonardo ou Michelangelo estão provavelmente entre os mais pronunciados entre os interessados ​​na arte universal.

Será que realmente sabemos o que representou o Renascimento, para além dos clichês que se arrastam há séculos? Neste artigo tentaremos mergulhar na realidade desse movimento que não foi apenas artístico, mas também filosófico e social.

O que é o Renascimento?

Tal como acontece com a maioria das nomenclaturas, a palavra "Renascimento" não entrou em uso até vários séculos depois da época a que se refere. Em concreto, Foi o escritor francês Honoré de Balzac quem, em 1829, introduziu o termo pela primeira vez em seu romance O Bal de Sceau. Balzac refere-se à cultura que se iniciou na Itália no século XIV e que toma como guia os modelos clássicos. Anos depois, o historiador Jules Michelet consagrou o termo "Renascimento" em sua obra o renascimento (1855).

Podemos entender o “Renascimento” como o movimento cultural que se iniciou na Itália (e, especificamente, em Florença) através início do século XV e ampliado até finais do século XVI, e que supõe uma recuperação dos modelos da Antiguidade. No entanto, é importante notar que esses modelos clássicos existiram durante toda a Idade Média. O que torna o Renascimento “diferente” é a plena consciência que seus artistas tiveram de viver uma renovatio, ou seja, o “despertar” desses modelos antigos.

Em geral, Intelectuais e artistas renascentistas se veem como os revigorantes da “verdadeira arte”, que consideravam perdidos durante os longos séculos de "letargia" medieval. Giorgio Vasari, um dos mais importantes teóricos do século XVI, considera a arte da Idade Média como a "infância" de arte, enquanto o Quattrocento (isto é, o século XV italiano) representaria sua "juventude", a primeira tomada de conhecimento. Por fim, o Cinquecento (século XVI) seria a maturidade da arte, com nomes tão importantes como Leonardo, Michelangelo e Rafael.

Mas... O Renascimento foi uma autêntica recuperação desta arte antiga? Já comentamos que, na Idade Média, os clássicos não foram esquecidos. Não só no campo filosófico, onde encontramos uma forte presença de Platão (por exemplo, na escola de Chartres) e Aristóteles (no pensamento de São Tomás de Aquino), mas também nas artes plástico.

Com efeito, na escultura e na arquitetura medievais encontramos motivos retirados da Antiguidade, que são testemunhos vivos de que em nada a Idade Média representou uma ruptura com os tempos clássico. No entanto, os intelectuais e artistas do Renascimento pensavam assim. Não em vão, Vasari chamou a arte dos séculos medievais de "monstruosa e bárbara", conceito que, aliás, manteve-se válido até boa parte do século XIX.

Então, o Renascimento supõe um "despertar" em duplo sentido. Primeiro, porque, como já referimos, foram os primeiros a dar-se conta de converter este clássico de renovação em uma ruptura radical com a tradição medieval, igual ou mais radical do que o que a Idade Média havia sido na época clássico; Em segundo lugar, porque, efectivamente, se verifica a passagem de uma sociedade teocêntrica para uma sociedade humanista, facto que, de facto, supõe a verdadeira ruptura com a Idade Média.

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A “ruptura” com a tradição

A ruptura que o Renascimento teve consciência de viver não pode ser considerada estritamente como tal. Em primeiro lugar, porque já vimos que durante a Idade Média os clássicos não foram esquecidos. E, em segundo lugar, e isso não é menos importante, porque durante o Renascimento continuaram a usar recursos medievais, como a tipologia de alguns edifícios, a iconografia e alguns dos procedimentos técnicos.

Por todas essas razões, podemos concluir que o Renascimento não foi de forma alguma a ruptura radical que os próprios renascentistas consideravam. De fato, o historiador Johan Huizinga sustenta, em sua obra Outono da Idade Média, que os últimos séculos medievais representaram a preparação da etapa renascentista e de forma alguma significaram sua antítese. E, por sua vez, o historiador da arte Erwin Panofsky já falava em vários “renascimentos”. Então nós entendemos que o que se convencionou chamar de “Renascimento” nada mais é do que mais uma das grandes armadilhas da historiografia esclarecida europeia, a mesma que rotulou os dez séculos que se seguiram à queda do Império Romano da “Idade Média”.

De qualquer forma, há uma série de fatores que configuram um claro contexto em que se situa essa “ruptura”. Já comentamos que no final do século XIV houve uma transição de uma sociedade teocêntrica para um pensamento humanista. A gradual decadência do mundo rural, iniciada já em meados da Idade Média, bem como a consequente ascensão das cidades, contribuem de forma fundamental para acelerar essa mudança de mentalidade.

O novo grupo social que surge nas cidades, a burguesia, vai ter papel fundamental em todo esse processo.qualquer. Comerciantes e banqueiros urbanos formam uma poderosa oligarquia que controla as cidades e atua, ao mesmo tempo, como poderosos patronos. Assim, a partir do século XIV, os artistas estarão sob a proteção dessas figuras importantes, e é Através desta conjunção de forças, algumas das mais importantes obras de arte do história. Basta citar a poderosa família Médici, em Florença.

Assim, se o Renascimento representa uma verdadeira ruptura com o mundo imediatamente anterior, é no conceito do artista e na relação que mantém com os seus clientes. O artista continuou a ser um instrumento nas mãos dos seus mecenas, mas estes utilizam os seus protegidos com um claro propósito de diferenciação e propaganda política. Cada homem poderoso é premiado com um estilo que o representa: o Sforza em Milão, Júlio II em Roma, o Medici em Florença. Além disso, colecionar obras de arte também se torna um símbolo de status e poder.

Por outro lado, o ofício mecânico medieval dos artistas se dissolve em uma concepção muito mais intelectual da arte e de seus processos. Tratados sobre arte, como o famoso De Pictura (1435) de Leon Battista Alberti, ajudam enormemente a consideram o artista muito mais do que um mero artesão, assumindo que ele precisa de algumas qualidades intelectuais para realizar seu trabalho. Como consequência dessa nova consideração, os artistas passam a se retratar em suas obras e passam a assiná-las.

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Uma nova linguagem figurativa: perspectiva

As mudanças ocorridas durante o Renascimento foram, mais do que plásticas, filosófico-literárias. Através de uma reavaliação da filosofia antiga, estabelecem-se as bases para a criação de um novo sistema formal., que se manifesta, posteriormente, em várias vertentes artísticas. Os modelos da Antiguidade se impõem como o único espelho no qual os homens do Renascimento se olham e buscam seu ideal estético.

Mas onde procurar modelos antigos na pintura? Porque, assim como escultores e arquitetos têm exemplos em que se inspirar, o mesmo não acontece com a pintura. No século XV, Pompéia e Herculano ainda não haviam sido descobertos, o que tornava extremamente difícil a tarefa de encontrar modelos pictóricos da Antiguidade para fundamentar a nova linguagem figurativo. Para isso ajudou a descoberta, em 1480, da Domus Aurea de Nero, em Roma, cujos afrescos ajudaram a estabelecer, ainda que tardiamente, alguns modelos pictóricos que serviriam de modelo para pintores renascimento.

Exemplo disso são os "grotescos", ornamentos pictóricos baseados em ornamentos vegetais, figuras humanas e animais fantásticos, entre outros, que decoravam as paredes do palácio de Nero. No entanto, a excentricidade dessas decorações lhes rendeu duras críticas de escritores de tratados, como Giorgio Vasari.

Foi justamente Vasari quem lançou as bases do que considerava a "boa pintura" que, no fundo, devia basear-se na harmonia e na proporção e, sobretudo, numa perspectiva correcta. É provavelmente este último conceito que mais preocupou os artistas renascentistas; conseguir, como disse Alberti, uma "janela" através da qual se vislumbrasse um trecho do espaço. Na Itália, a perspectiva nas representações pictóricas havia sido alcançada por volta de 1422: os afrescos da Capela Brancacci, de Masaccio, são uma boa prova disso.

Os italianos do Quattrocento conseguiram dominar a perspectiva afastando-se da pluralidade de pontos de vista que os pintores do Trecento haviam usado. Em vez disso, tornaram possível aquela “janela” de que Alberti falava através a perspectiva matemática exata, que faz convergir todas as linhas da composição para um único ponto de fuga. Nessa empreitada, a contribuição do arquiteto Filippo Brunelleschi foi fundamental. No entanto, não é menos verdade que, na Flandres, os primitivos flamengos chegaram a uma solução igualmente válida por um processo diferente.

Pintura flamenga do século XV, incluindo Jan van Eyck e Roger van der Weyden, representou uma mudança tão radical das formas góticas quanto a pintura renascentista foi na Itália. No caso dos flamengos, a perspectiva era alcançada por meio de uma observação cuidadosa e absolutamente empírica da realidade.

O resultado do flamenco foi tão surpreendente e único que seu estilo se espalhou pela Europa, a ponto de territórios como A Inglaterra, a Áustria ou a Península Ibérica tomaram como referência os modelos flamengos, mais do que os renascentistas que surgiram Itália. Os próprios artistas do Quattrocento italiano admiravam profundamente esses inovadores da Flandres, e há muitos intercâmbios artísticos que ocorrem entre as duas latitudes européias. Basta dizer que Bartolommeo Fazio, um humanista do século 15 de Gênova, chama Jan van Eyck de "o principal pintor de nossa época".

Tudo começou em Florença

Se há algum lugar que nos vem à cabeça quando falamos de Renascimento é, claro, Florença.. É nesta cidade que se desenvolve o humanismo, corrente cultural e de pensamento que reivindica a capacidade do ser humano conhecer-se a si mesmo e ao mundo que o rodeia. Mas vamos nos colocar no contexto.

Em 1402, as tropas milanesas lideradas por Gian Galeazzo Visconti avançam em direção a Florença e ameaçam a paz e a prosperidade que reinou durante anos na República Florentina. O ataque a Milão se repete na década de 20 do século XV; uma segunda ameaça que só é detida graças à aliança entre Florença e a cidade de Veneza (1425). Essas reivindicações militares contínuas apenas revivem os valores republicanos, que os florentinos brandem contra o que foi considerado uma ditadura principesca. Mecenas e artistas começaram, assim, a buscar uma linguagem plástica que refletisse esses ideais republicanos.

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Ghiberti e Masaccio, os grandes renovadores do plástico

Em 1401, um concurso foi realizado em Florença para encontrar um artista para fazer as segundas portas de seu Batistério. O vencedor foi Lorenzo Ghiberti; Sua primeira obra no Batistério, embora seja considerada o "manifesto" da arte renascentista, ainda conserva muita influência das formas do chamado gótico internacional. Não será até a segunda obra de Ghiberti no Batistério (as terceiras portas, feitas entre 1425 e 1452), quando se apreciará, desta vez sem dúvida, o surgimento contundente de uma nova linguagem plástica que inclui, entre outras soluções, a introdução da perspectiva através da regulação das escalas das figuras representadas.

Se a obra de Ghiberti para o Batistério representa uma inovação na escultura, a de Masaccio (1401-1427) é no campo da pintura. Os afrescos que o artista criou para a Capela Brancacci, na igreja florentina de Santa Maria del Carmine, representam uma verdadeira revolução. Entre eles, o magnífico A homenagem a César, cujo realismo e contundência de suas figuras devem ter significado uma verdadeira revelação para seus contemporâneos. Da mesma forma, a ousada perspectiva arquitetônica contida em seu afresco A Trindade, em Santa Maria Novella, parece abrir um buraco na parede da igreja. É a “janela” de que fala Alberti; Masaccio finalmente tornou isso uma realidade.

Brunelleschi e a cúpula impossível

Desde meados do século XIV, os florentinos queriam dotar sua catedral de uma cúpula que a tornasse a maior da cristandade.. No entanto, a magnitude do projeto congelou a ansiedade dos arquitetos: nada menos que 43 metros de diâmetro tiveram que ser salvos, medidas praticamente iguais às do Panteão de Roma. Ninguém, desde então, havia conseguido erguer tal cúpula.

As obras finalmente começaram em 1420, a Comissão sendo seduzida pelo ousado plano de Brunelleschi, que buscava elevar o estrutura colossal sem a ajuda de andaimes ou cimbres (da base da cúpula, seria levantada com tiras horizontal). O projeto durou 16 anos (tempo ridículo se levarmos em conta a magnitude da empresa). Em 1436, e de acordo com as palavras do próprio Alberti, a cúpula de Florença "cobriu toda a Toscana com sua sombra". Desde o Panteão, ou seja, desde os tempos romanos, nada igual se tinha feito. A cúpula de Brunelleschi é um verdadeiro marco na arquitetura renascentista.

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Os outros centros renascentistas

Florença era o centro indiscutível de onde irradiava o humanismo e a nova linguagem renascentista, mas houve outros centros italianos que pegaram essas ideias e as fizeram suas, a fim de criar um própria versão. Vamos vê-los abaixo.

Rimini, liderado por Segismundo Malatesta, usou a nova expressão artística como base de sua propaganda oficial. O renascimento da corte malatesta assentou essencialmente no espírito cavalheiresco e no conhecimento dos clássicos. Um dos exemplos do Renascimento em Rimini é a igreja de San Francesco, de Leon Battista Alberti. Além disso, Malatesta também atraiu o pintor Piero della Francesca para sua corte.

Veneza era uma cidade com uma grande carga oriental atrás de si, que desde a Idade Média representava o ponto de confluência entre os mundos europeu e bizantino. Como tal, o Renascimento veneziano ainda pega modelos bizantinos e os funde com um vocabulário arquitetônico e decorativo romano.

Por sua parte, Federico de Montefeltro projeta um imenso programa para atrair talentos para sua corte em Urbino, entre os quais está o ilustre Piero della Francesca, cujos retratos do duque e da duquesa de Urbino em perfil estrito, emulando moedas romanas, são bastante famosos. Em geral, a iconografia combina elementos cristãos e mitológicos, algo comum na arte renascentista.

Por último, em Mântua, Ludovico Gonzaga inspira-se no gosto pela antiguidade clássica para reformar a cidade. Para isso conta, entre outros, com Leon Battista Alberti (Igreja de San Andrés) e Andrea Mantegna (frescos na câmara dos esposos). A consideração dos artistas no Renascimento implica que eles têm um status muito mais elevado do que tinham nos séculos anteriores. Assim, Mantegna ordenou a construção de seu palácio em Mântua, que segue os modelos típicos da arquitetura renascentista e cuja geometria segue os preceitos do arquiteto romano Vitruvio, referência do arquitecto escritor do séc. época.