Edvard Munch: 20 trabalhos brilhantes para compreender o pai do expressionismo

Edvard Munch é um pintor norueguês situado na transição do século 19 para o século 20 e é considerado o pai do expressionismo. Seu trabalho, escandaloso para muitos, despertou a admiração de jovens artistas e do público não especializado. Estes foram identificados com a ansiedade gerada pela rápida industrialização e o mecanismo prevalecente.

Para artistas consagrados, a causa do escândalo estava na liberdade técnica de Munch. Para os setores conservadores, residia no fato de o pintor abordar abertamente temas como sexo, amor e, sobretudo, doença e morte, suas grandes obsessões.

Seu estilo é único pelo fato de criar uma linguagem autêntica e original, consequência do diálogo livre com o pós-impressionismo, o art nouveau e a vanguarda. É por isso que, embora Munch tenha aberto as portas do expressionismo, ele não pode ser rotulado em nenhum movimento. Dando uma olhada em suas obras mais importantes, entenderemos porque Munch é um artista único e irrepetível.

1. O grito, 1893

O grito É a obra de Munch que mais escândalo desencadeou e, no entanto, hoje é considerada a Monalisa da arte contemporânea. Representa uma pessoa andrógina cujo rosto expressa angústia em sua expressão máxima após ouvir ou emitir um grito. O sujeito, conseqüentemente, percebe o mundo como uma massa ondulante e estridente. Ninguém, exceto Munch, havia feito isso antes na arte.

A peça foi concebida após o período em que uma de suas irmãs foi presa por tentativa de suicídio, sugerindo alguma conexão com o episódio. Um fato curioso sobre O grito é que Munch fez quatro versões com pequenas diferenças entre elas, prática muito comum no pintor. A versão mais famosa é a de 1893, que foi roubada em 1994 e recuperada pouco depois.

2. Ansiedade, 1894

sim O grito é a imagem do desespero individual, Ansiedade é a expressão da angústia coletiva que Munch captura na alma norueguesa. Portanto, Munch não é um artista limitado ao registro do desconforto individual, mas é sensível ao desconforto geral. afetando a sociedade no final do século 19, cuja transformação é muito mais rápida do que sua capacidade de processar alterar.

A tela Ansiedade É baseado em duas pinturas anteriores de Munch. A paisagem que vemos em Ansiedade foi recuperado da tela O grito. Os personagens, por outro lado, foram tirados de Tarde na rua Karl Johan. A estratégia de tirar elementos de frames anteriores é recorrente no Munch. O pintor não apenas "representa" cenas, mas os elementos que as constituem são concebidos como seus próprios símbolos.

3. A menina doente, 1885-1886

A menina doente corresponde a um estilo inicial na obra de Munch, aproximando-se do impressionismo. A tela mostra a irmã mais nova de Munch, Sophie, em seu leito de morte devido à tuberculose. A essa altura, a jovem tinha cerca de 15 anos.

Como era seu costume, Munch executou diferentes versões dessa música, o que foi uma fonte permanente de dor e culpa para ele. Isso porque o pintor, que tinha tuberculose aos 13 anos, sentiu que devia ter morrido no lugar da irmã.

4. Amor e Dor (Vampiro), 1893

Munch intitulou este trabalho Amor e dor. Nele, ele representava uma mulher abraçando um homem deitado em seu colo, como se procurasse conforto. Embora Munch nunca tenha revelado o significado pessoal da obra, o título original fala por si. No entanto, quando esta peça foi revelada, gerou um grande escândalo.

As pessoas viram sinais sadomasoquistas nela e interpretaram que a mulher mordeu o pescoço de seu amante como uma vampira. Consequentemente, a pintura passou a ser conhecida como Vampiro. Tamanho foi o escândalo que, anos depois, esta foi uma das muitas pinturas de Munch censuradas durante a ocupação nazista da Noruega.

5. Madonna, 1894

A caixa conhecida como Madonna foi originalmente intitulado Mulher amante ou Mulher que ama. Renomear o trabalho Madonna é sem dúvida uma provocação. Munch produziu pelo menos cinco versões conhecidas desta peça.

A artista faz uma representação da mulher como se fosse um ícone, para transmitir o sentido de adoração que sua beleza e sexualidade desperta. O halo vermelho que envolve sua cabeça alude à relação entre o amor e a dor, mesmo durante a consumação do ato sexual.

Essa hipótese se justifica porque Munch fez uma versão gravada, cuja moldura incluía motivos decorativos de esperma que convergem para um feto macabro. Em conclusão, a pintura é um símbolo do ciclo de vida que passa pela sexualidade, procriação e morte.

6. Cinzas, 1894

Cinzas É considerada uma das obras de maior beleza estética de Munch devido ao entrelaçamento das linhas e ao colorido. Na composição, vemos um homem de preto, a cor da escuridão e da morte. O homem está perdido em um canto, como se escondesse o rosto de vergonha, com as mãos na cabeça. Isso nos lembra o homem abatido de Amor e dor (Vampiro).

Atrás dele, uma mulher de vestido branco, a cor da pureza, e com um corpete vermelho, a cor da paixão, também levanta as mãos. Seu rosto expressa tristeza e preocupação. O véu da paixão foi rasgado.

A relação entre a imagem e o título aponta para um paradoxo: quando a paixão é consumida, ela se dissipa. O fogo da paixão deixa apenas cinzas. Além disso, os gestos dos personagens evocam culpa e desespero. Isso revela que o evento desafia um código moral. É adultério? Foi um estupro? Deve ser o espectador quem o decifra.

7. Puberdade, 1894-1895

Sobre Puberdade, Munch retrata um jovem adolescente completamente nu. A jovem tem um rosto medroso e esconde suas partes íntimas. Mais do que um símbolo de modéstia e inocência, os gestos são um símbolo de medo e repressão diante de sexualidade, que Munch sofreu em sua juventude, dado o rigor religioso de seu pai e o contexto de época.

O clima misterioso da cena é confirmado pela sombra indecifrável ao fundo, que parece uma espécie de fantasmagoria obsessiva. A importância deste trabalho inicial de Munch reside no fato de representar o ponto de transição entre o golpe "impressionista" e a liberação da técnica a serviço do mundo psicológico do artista.

8. Auto-retrato com cigarro, 1895

Auto-retrato com cigarro É uma das obras mais famosas de Munch, além de ser seu autorretrato mais conhecido entre os muitos que fez. Na tela, o autor demonstra compreensão e domínio absoluto da técnica para representar o brilho da luz em meio à escuridão e à fumaça.

Ao fazer isso, Munch cria uma atmosfera quase misteriosa que chama a atenção para seu rosto e mão. O rosto parece entre perplexo e surpreso, enquanto a mão, além de segurar o cigarro, sobe à altura do coração. Se o rosto é o signo da identidade interior do sujeito, afetado pela instabilidade emocional, a mão é o símbolo do artista plástico.

9. Morte na sala, 1895

Durante a infância, Edvard Munch viu muitos familiares morrerem de tuberculose: a mãe e o pai são alguns dos casos. Morte na sala representa o sofrimento de sua família pela perda de sua irmã mais nova, Sophie, a quem não vemos. É um gênio do autor focar a atenção do espectador no sofrimento emocional ao invés da morte.

O homem que levanta as mãos em atitude de oração é seu pai, um severo religioso protestante. Acredita-se que o homem encostado na parede seja Munch, dando as costas para a cena (morte, afeto e fé), enquanto olha diretamente para sua própria sombra. Destaca o fato de que cada membro da família sofre separadamente.

10. Dois seres humanos (os solitários), 1896

A tela Dois seres humanos nada mais é do que uma alegoria da solidão. Nele vemos um homem e uma mulher sem identidade, de costas para o espectador, contemplando o horizonte inerte. Entre os dois, parece haver uma distância intransponível.

A obra, como muitas outras de Munch, foi percorrida inúmeras vezes e em diferentes técnicas. Tanto o tema como a forma de representá-lo confirmam o caráter ansioso, solitário e depressivo da artista.

11. O beijo, 1897

O beijo, de 1897, é uma das versões da pintura conhecida como O beijo atrás da janelapelo próprio Munch. Chama a atenção a forma como o pintor representou as duas figuras. Eles se parecem com um único corpo, sem linhas divisórias entre eles. Os personagens não têm identidade, seus próprios limites.

A fusão dos personagens não pode ser lida romanticamente, já que a atmosfera sombria e pesada da cena também sugere a proximidade da morte. O impacto gerado por esta série foi tal que inspirou a famosa obra O beijopor Gustav Klimt.

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12. Fertilidade, 1898

Na tela Fertilidade de Munch vemos uma mulher grávida, ereta, carregando os frutos abundantes da árvore. À sua frente, o homem sentado, cabisbaixo e curvado, contrasta. Uma bengala caída pode ser vista ao lado dele. Existe uma continuidade entre o homem e a árvore porque o primeiro apóia o pé no tronco da árvore.

A árvore pode ser interpretada como a árvore da vida. No entanto, um galho foi cortado, do qual apenas um toco permanece. Para dar frutos, a árvore foi podada, desmembrada.

As interpretações mais radicais sugerem que Munch expressa sua rejeição em ter filhos. Seus frutos representariam o fim de seus frutos. A interpretação parte do fato de que o quadro foi pintado quando Munch enfrentava a possibilidade de se casar com Tulla Larsen, um compromisso que nunca foi consumado.

13. Encontro no espaço, 1898

Sobre Encontro no espaço vemos um homem e uma mulher gravitando no espaço. A obra representa um momento erótico, demarcado não apenas por corpos e gestos, mas também por linhas alusivas aos espermatozoides que se movem em torno das figuras. Os rostos estão distantes um do outro. A mulher parece quase indiferente. O homem parece entregue. A peça mostra a versatilidade técnica do autor, bem como os símbolos e recursos expressivos.

14. A dança da vida, 1899

A dança da vida é uma metáfora para as fases da vida e do amor. É uma cena ao ar livre, cujo fundo é um céu azul profundo sobre um lago norueguês. No céu, vemos o sol do norte e seu reflexo na água, um dos símbolos que se repete de forma consistente nas pinturas do pintor.

Em primeiro plano, vemos a mesma mulher em três fases: uma jovem donzela vestida de branco à esquerda. À direita, uma mulher solitária vestida de preto. No centro, a mulher e seu homem dançando como se o mundo não existisse. O vermelho do vestido simboliza a vida e a paixão. O casal poderia ser Tulla Larsen e Munch.

Ao redor deles, outros personagens dançam. Atrás da mulher de preto, um homem grotesco é visto pronto para abusar de uma mulher. A importância desta obra reside na forma como Munch consegue transmitir a complexidade da sua angústia interior em torno das etapas da vida, que circunscreve ao amor.

15. A morte de Marat, 1907

Durante um período de sua vida, Munch se dedicou a fazer várias versões de A morte de Marat. Dentre essas versões, apresentamos uma feita em 1907. Marat foi um jornalista e político francês do século 18, assassinado por Charlotte Corday.

A série parece ter o próprio Munch como referência masculina, consolidando assim a ideia de que o pintor se sentia vítima das mulheres. Do ponto de vista estético, a obra se destaca pelo uso das linhas como forma de coloração. É uma espécie de rayonismo que rompe com o estilo modernista da linha curva e com o uso de superfícies coloridas densas.

16. Homens banhistas, 1907

Homens banhistas de Munch se destaca por seu caráter vivo e vibrante, que se opõe às atmosferas ondulantes e sombrias de muitas de suas telas. A cena retrata um grupo de homens em uma praia de nudismo, onde Munch estava passando um período de recuperação.

Munch mostra seu talento para o desenho anatômico, assim como seu talento para colorir. A técnica implementada é alimentada por princípios impressionistas e raionistas e, em alguns aspectos, parece dialogar com o fauvismo.

17. O sol, 1909-1911

O sol é um mural monumental de Edvard Munch encontrado na Universidade de Oslo. Nela, Munch explora novas linguagens plásticas que o aproximam da vanguarda abstrata, especialmente Kandinsky, representante do grupo Der Blaue Reiter, e da abstração lírica.

O simbolismo aqui atinge sua expressão máxima. O sol se torna uma metáfora do divino, que irradia sua luz sobre o mundo e limpa as sombras da ignorância. Com este trabalho, Munch demonstra mais uma vez sua liberdade criativa, o que explica por que não pode ser rotulado em um único estilo ou movimento. Munch se revela um artista único em constante inovação.

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18. Cavalo galopando, 1912

No quadro Cavalo galopando, vemos um cavalo puxando um trenó de neve com um homem a bordo. O detalhe que chama a atenção está na trilha, que se destaca por ser excessivamente estreita para a façanha.

A expressão assustada do cavalo e a disposição das pessoas à beira da estrada dão-nos a entender um perigo iminente. As crianças à direita tentam fugir, enquanto os adultos à esquerda esperam destemidamente antes de se moverem. É uma nova abordagem ao tema do medo e da ansiedade, tão presente no autor.

19. Trabalhadores na neve, 1913

Edvard Munch também era sensível à realidade social que o cercava. Prova disso são as diferentes pinturas que fez sobre os trabalhadores, como esta tela chamada Trabalhadores na neve.

Em primeiro plano, Munch representa três trabalhadores em frente ao visualizador, com suas pás como ponto de apoio. Neles você pode sentir a força, mas também o cansaço e o envelhecimento.

O punho levantado do trabalhador disposto no centro, faz uma premonição de uma reclamação ou demanda. Esses três homens parecem estar em pé de guerra. Atrás desses três personagens, os demais trabalhadores continuam seu trabalho, alheios ao olhar do artista e da sociedade.

20. Auto-retrato entre o relógio e a cama, 1940-1943

Auto-retrato entre o relógio e a cama é uma pintura do último estágio criativo de Munch. Munch aproveitou a tela para simbolizar a proximidade da morte, colocando sua figura entre um relógio de pêndulo e a cama. O relógio representa a passagem imparável do tempo, e a cama representa a morte como a cama final, como o descanso eterno.

Um detalhe se destaca pelo contraste: enquanto o relógio tem um design antigo, a colcha tem um desenho geométrico moderno. Com isso, Munch expressa consciência sobre a mudança dramática dos tempos que teve que viver.

Atrás de Munch distingue-se uma espécie de sala em que está implícita a presença de obras referenciais da sua vida artística, às quais dedicou todos os seus esforços.

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Biografia

Edvard Munch é um pintor e gravador norueguês que nasceu em 12 de dezembro de 1863 e morreu em 23 de janeiro de 1944.

Desde muito jovem ele teve que lidar com doenças e morte. A tuberculose matou pela primeira vez sua mãe, Laura Cathrine Munch, quando o menino tinha apenas 5 anos. Mais tarde, ele causou a morte de sua irmã mais nova, Sophie; a de seus tios e, anos depois, a de seu pai, Christian Munch. Até o próprio Edvard Munch sofreu da doença aos 13 anos.

Esses eventos levaram o pintor a desenvolver um terror terrível de doenças e enfermidades. morte e, portanto, sofreu de ansiedade e depressão durante toda a sua vida, o que determinou suas investigações artístico.

Munch começou a estudar engenharia em 1879, mas logo abandonou a carreira para se dedicar à pintura. Ele foi influenciado pela arte francesa do século 19 graças às suas viagens a Paris. Por volta de 1890 ele começou a pintar o projeto O friso da vida, uma série de pinturas que retratam diferentes marcos da vida humana, com base em suas próprias experiências.

Embora sua obra tenha sido fonte de escândalo no início, acabou ganhando lugar de destaque nos museus de seu país e da Europa. No entanto, após a ocupação nazista da Noruega, por volta de 1940, as pinturas de Munch foram censuradas pelos invasores e retiradas das exposições.

No entanto, o ano de 1942 marcou a sua consagração internacional definitiva ao ser objeto de uma exposição em Nova York em reconhecimento ao seu fecundo trabalho artístico. Dois anos depois, Munch morreu em total solidão.