As 10 principais correntes artísticas: o que são?

Gombrich disse em sua grande História da Arte que a arte não existe, apenas artistas. Até certo ponto, isso é totalmente verdade, pois cada criador expressa de seu próprio mundo, único e intransferível. No entanto, não é menos verdade que os artistas não podem escapar de seu tempo. Cada expressão artística, portanto, está sujeita a um contexto específico e, por mais que o artista tente se desvincular, ele permanece sujeito a ele em maior ou menor grau.

A seguir, faremos um resumo prático de quais são as principais correntes artísticas da história da arte. Este artigo é apenas um esboço básico; Lembremos que nada é preto ou branco e que há uma infinidade de nuances. Todas as culturas e todos os tempos expressaram a arte de alguma forma.

É difícil resumir em um artigo tão pequeno as características essenciais de todos eles, mas tentaremos dar uma visão geral que pode ser prática quando se trata de entender a evolução da arte ao longo da história. Como ponto, diga que Focamos o artigo na arte ocidental, já que é completamente impossível resumir a expressão artística universal em tão pouco espaço.

. Esperamos que ache isso útil.

• Recomendamos que você leia: "Por que a arte foi criada? Uma viagem pela história"

O que é uma corrente artística?

As correntes artísticas (também conhecidas como movimentos artísticos) são o conjunto de criações que compartilham contexto e uma série de características estéticas, bem como objetivos ideológicos determinado. Seguindo esta definição, poderíamos também chamar de corrente artística a arte criada pelas grandes culturas antigas, como Egito, Grécia ou Mesopotâmia.

No entanto, isso não é totalmente correto. Nas civilizações mencionadas não havia outra possibilidade de criação; foi a expressão genuína da cultura como um todo, por isso é um tanto arriscado chamá-lo de fluxo artístico. Para tanto, vamos iniciar nosso percurso desde os últimos séculos da Idade Média, quando os diversos movimentos culturais começam a se suceder rapidamente para culminar no mosaico de estilos ocorrido no século XIX e no vigésimo

1. o românico

O românico é talvez o primeiro estilo totalmente europeu, com algumas características globais muito específicas.. E, embora seja verdade que não era um estilo tão homogêneo quanto outras tendências posteriores, como o barroco ou o Romantismo, é verdade que em todas as latitudes da Europa compartilha uma série de elementos que o tornam mais ou menos um estilo compactar.

O românico surgiu por volta dos séculos XI e XII na Borgonha; especificamente, na abadia de Cluny. A partir daí espalhou-se pelo resto da Europa, onde cada território a banhava com características próprias. Não podemos fazer uma análise completa do que é o românico, mas podemos resumir que, arquitectonicamente, inclui elementos da construção romana (daí a nome que lhe foi atribuído no século XIX) e que as suas bases são o arco de meio ponto, a abóbada de berço e a abóbada de aresta, entre muitos outros elementos construtivo.

O românico arquitetónico obedece à necessidade de unificação da liturgia na Europa e ao aparecimento das chamadas igrejas de peregrinação, com uma estrutura muito específica. Nos edifícios românicos, a escultura está geralmente subordinada à arquitetura, encontrando-se maior profusão de decoração escultórica nos tímpanos e nas arquivoltas das portas.

Por outro lado, a pintura românica recorre a ícones bizantinos vindos do Oriente com as Cruzadas, bem como a miniaturas moçárabes. São pinturas hieráticas, muito irrealistas, cujo principal objetivo era transmitir uma mensagem, não copiar a realidade. Por isso, nos espaços pictóricos românicos não há perspectiva nem volume, misturando-se os elementos terrestres com o céu e o inferno, devidamente separados por faixas de cores vivas.

2. o gótico

O próximo estilo totalmente europeu foi o gótico. Especialmente uniforme foi o chamado gótico internacional, que se desenvolveu no século XIV e recuperou os fundos dourados bizantinos com figuras idealmente estilizadas. No gótico, as representações começam a se impregnar de realidade, e as figuras tendem a se tornar mais humanas. É o tempo das cidades, da azáfama do comércio, das grandes catedrais. As Virgens Góticas começam a ser mães reais, muito distantes das Virgens Theotokos ou Virgens do trono, hieráticas, que não interagiam com o Menino. Por outro lado, o Crucificado, tanto pictórico quanto escultórico, naturaliza-se e passa a apresentar dor.

O elemento mais característico do gótico são, naturalmente, as catedrais. A linguagem arquitetônica desses edifícios é muito nova; Apesar disso, Giorgio Vasari, no século XVI, qualificou essas construções como "bárbaras" (góticas). Proliferam arcobotantes e contrafortes, pensados ​​para dar estabilidade a um edifício cada vez mais alto e com mais aberturas (os maravilhosos vitrais góticos). É importante recordar que, à semelhança do românico, os edifícios góticos foram completamente policromia, facto que materializa o grande amor que a Idade Média sentia pelos tons cromáticos aceso.

3. O renascimento

Embora a cultura clássica não tenha sido esquecida na Idade Média, é durante o Renascimento que ela recuperar conscientemente os preceitos clássicos, como os tratados de arquitetura do romano Vitrúvio (século I). I a. c.). É também nessa época que se intelectualiza o artista, que passa a ser visto como algo mais do que um mero artesão.

O Renascimento começa em Florença no início do século XV, com obras como as portas do Batistério ou a magnífica cúpula que Brunelleschi projetou para a catedral., cujo diâmetro não era alcançado desde a construção do Panteão no século I dC. c. Os arquitetos buscam inspiração nas construções da antiguidade, enquanto os pintores, na ausência de modelos (Pompeii e Herculaneum ainda não haviam sido descobertos) são inspirados nos afrescos que decoram a Domus Aurea em Nero.

No entanto, a inovação mais importante do Renascimento foi a perspectiva matemática, codificada por Leon Battista Alberti (1404-1472) em seu tratado De pictura, para o qual se baseou nas ideias de Brunelleschi. A partir daí, a pintura procurará ser uma janela aberta para o mundo, onde a perspetiva se realiza através de um único ponto de fuga para onde convergem todas as linhas.

4. Barroco

Nos últimos anos do século XVI, o Renascimento está completamente esgotado e, em vez disso, Surge o maneirismo, que na pintura se caracteriza por um alongamento e uma estilização das figuras. Mas no início do século seguinte uma nova tendência estética começou a tomar conta da Europa da contra-reforma: o barroco.

Pode-se dizer que o barroco é filho da Contra-Reforma da Igreja Católica, que precisava de um veículo de expressão para sua fé.. O objetivo era manter os fiéis na Igreja Romana e impedi-los de migrar para o luteranismo. A linguagem barroca é, então, um reflexo dessa vontade; Na pintura, a emoção é promovida através da representação do sofrimento. As bizarras lendas dos santos, contra as quais pregavam os protestantes, são eliminadas e as figuras sagradas são representadas com seus atributos. A religião é rebaixada ao povo, e personagens bíblicos aparecem em cenas cotidianas, cujos modelos são tirados diretamente da realidade.

Na arquitetura, pode-se dizer que o barroco ainda é muito classicista, principalmente na França. O Palácio de Versalhes é um grande exemplo desse elegante classicismo francês. Por outro lado, e como costuma acontecer em todos os estilos, cada território dá origem a um barroco diferente: nas Províncias Unidas, por exemplo, onde não há e à Igreja Católica e onde os padroeiros são os burgueses das cidades, desenvolve-se uma pintura intimista, cujo representante máximo é Johannes Vermeer.

5. rococó

Mal tratado como uma extensão do barroco, o rococó é uma expressão genuína da primeira metade do século XVIII, o Iluminismo. De mãos dadas com filósofos iluminados, esse estilo celebra a doçura da vida, a intimidade, o conforto do lar e tudo o que há de belo na vida cotidiana.

É por isso que os motivos rococó são alegres, festivos, nada dramáticos: bucólicos, bucólicos, mascarados, galantes, cenas de flerte, etc. Em uma palavra: o rococó é a joie de vivre, a alegria de viver, das classes abastadas do Antigo Regime.

6. Neoclassicismo

De muitas maneiras, o neoclassicismo marca uma ruptura com o rococó. Surgindo também na França, como sua antecessora, essa corrente estética é a expressão perfeita para a nova República Francesa: um estilo sóbrio, austero, harmonioso e republicano. O neoclassicismo é inspirado, é claro, pela arte clássica. Na pintura, tem preferência por temas grandiosos e solenes, que servem de modelo de virtude para o povo; grandes exemplos disso são as telas de Jacques-Louis David (1748-1825), o grande pintor neoclássico. Por outro lado, a arquitetura neoclássica é praticamente uma imitação dos antigos templos gregos e romanos; basta contemplar a Igreja da Madeleine em Paris para perceber isso.

O estilo neoclássico viveu seu apogeu durante a era napoleônica, já que sua estética romana e marcial se adequava muito bem ao império que o grande corso havia criado.. Após a queda de Napoleão, as formas neoclássicas tornaram-se obsoletas e, apesar de sua estética permanecer muito viva (especialmente, em arquitetura) ao longo do século XIX, nas primeiras décadas do século as primeiras expressões do Romantismo.

7. o romantismo

Na história da arte é comum um estilo nascer em parte como resposta ao estilo anterior. E, embora nada seja preto ou branco e haja muitas nuances nessa afirmação, encontramos evidências disso em casos como o nascimento do Romantismo. Enquanto o Neoclassicismo foi uma apoteose do republicano, primeiro, e do império romano, depois, com todas as disciplina que isso implica, o Romantismo nasceu como uma reivindicação da subjetividade humana e, portanto, da Individual. A arte nunca mais será vista, pelo menos exclusivamente, como algo sujeito ao poder; é o artista que cria, é ele mesmo que dá origem à expressão artística. O criador autêntico é contra a Academia e todas as normas espartilhos que estrangulam a arte.

Todas as correntes subsequentes que exaltam o individualismo criativo bebem do romantismo: os pré-rafaelitas, os simbolistas, os expressionistas e, claro, os surrealistas.. No caso deste último, eles exploram até o limite as profundezas da psique humana, algo que o românticos cem anos antes ao representar mundos oníricos, terríveis, cheios de espectros, túmulos e imagens fruto da delírio. Por outro lado, a corrente romântica atribui grande importância à pátria e à nação, desde que seja constituída por indivíduos que decidem, tende a idealizar o passado das nações e transformá-lo em lenda.

8. realismo e naturalismo

Por volta de 1850, o romantismo começa a expirar. É a época do positivismo, dos avanços tecnológicos, da Segunda Revolução Industrial. Nas cidades crescem as fábricas e multiplicam-se os miseráveis ​​que vivem em condições subumanas. É então que a arte começa a esquecer os mundos ideais proclamados pelos românticos e passa a se interessar pelos problemas e conflitos sociais.

Tanto nas artes plásticas quanto na literatura, o tema recorrente é a denúncia social. Trabalhadores famintos que saem das fábricas como fantasmas; crianças maltrapilhas e sujas; prostitutas, mendigos, lavadeiras, jovens sem futuro. O realismo está comprometido, então, com a realidade social..

Mais tarde, o crescente interesse pela psicologia faz com que a corrente realista evolua para o naturalismo, que leva ao limite a objetividade e a observação. O artista naturalista, que na literatura é magnificamente representado por Émile Zola (1840-1902), vê realidade como um laboratório de pesquisa, onde as criaturas agem a partir dos estímulos do metade. Nesta arte altamente científica, não há, portanto, lugar para a subjetividade, muito menos para a própria beleza.

9. As correntes do esteticismo

Em resposta a esta arte que se tornou ciência e que ignora a beleza do mundo, surgiram no final do século XIX uma série de correntes que proclamavam a arte pela arte. É o caso da irmandade pré-rafaelita, da decadência, do parnasianismo, do simbolismo e da Art Nouveau, mais conhecida nos países hispânicos como Modernismo.

Não podemos falar aqui de todas essas correntes, mas podemos apontar o que elas têm em comum: uma forte aversão ao positivismo, ao avanço tecnológico, às fábricas, ao progresso científico como castrador da beleza. Portanto, todas essas correntes estéticas vão querer voltar à arte como criadora exclusiva da beleza.

10. as vanguardas

Mais uma vez, não podemos falar de todas as vanguardas que proliferaram durante os últimos anos do século XIX e as primeiras décadas do século XX, mas pelo menos tentaremos nomeá-las. As vanguardas oficiais surgem no início do século XX. A primeira delas é considerada o fauvismo, corrente que valorizava a cor como meio de expressão subjetiva, não como imitadora da realidade. Depois dos Fauves, que fizeram sua primeira exposição em 1905, as vanguardas sucederam-se tão rapidamente que algumas se sobrepuseram: expressionismo, futurismo, cubismo, dadaísmo, surrealismo...

A vanguarda é a principal característica da arte do século XX. São uma série de movimentos que vão contra as normas estabelecidas, grupos de artistas com características comuns que se juntam para formar uma espécie de escola pictórica, geralmente com um manifesto ideológico básico. Atualmente, vivemos uma nova era de individualidade que torna as correntes artísticas borrar e fragmentar em mil pedaços, então dificilmente podemos falar sobre correntes, mas sobre artistas. Mas será que no fundo (e como disse Gombrich) nem sempre foi assim?