Quais são as diferenças entre artesanato e arte?

Para começar a falar sobre as diferenças entre artesanato e arte, devemos primeiro nos perguntar de que época estamos falando. Porque, por incrível que pareça, o que hoje consideramos arte nem sempre foi considerado arte, e o que hoje consideramos como tal nem sempre foi tratado como artesanato.

Então, Como distinguir entre artesanato e arte? Que parâmetros podemos aplicar ao distinguir entre os dois conceitos? E, mais importante, é possível distingui-los?

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Diferenças entre artesanato e arte: a linha tênue entre dois conceitos

O Dicionário da Real Academia Espanhola define a arte como uma manifestação da atividade humana através da qual o real ou o imaginário é interpretado. Se tomarmos a definição de artesanato dada pelo mesmo dicionário, verificamos que, segundo a RAE, trata-se da arte ou obra produzida por artesãos. Dessas definições, extraímos duas ideias.

A primeira é que, em ambas as palavras, encontramos a mesma raiz, art, que por sua vez vem do latim ars, termo com pluralidade de significado, pois pode nomear a arte de acordo com o conceito que temos, mas também um talento ou uma habilidade; Essas duas últimas ideias também são encontradas no artesanato.

Em segundo lugar, A definição dada pela RAE de artesanato inclui a palavra arte, pois se refere a ela como a arte dos artesãos. Ambos os conceitos, portanto, estão intrinsecamente ligados. Então, quais são as diferenças?

Os artistas também eram artesãos

A concepção que temos da arte e dos artistas como gênios criadores da subjetividade é, na verdade, muito moderna.. De fato, apesar de a ideia ter surgido no Renascimento, em muitos lugares ela não se consolidou plenamente até meados do século XVIII, graças às academias.

Na Idade Média, o que chamamos de artistas eram meros artesãos. Não havia diferença entre sapateiro, cesteiro e pintor. Todos estavam incluídos na grande bagagem dos trabalhos braçais, ou seja, aqueles que eram executados com as mãos e (em princípio) não com o intelecto.

Esse tipo de ocupação, os ofícios vis, eram típicos das classes baixas da estrita hierarquia social. Era impensável que os privilegiados, isto é, a nobreza e o clero, se dedicassem a este tipo de trabalho. e, de fato, não foram poucos os membros da aristocracia que desceram e preferiram viver economicamente apertados do que começar a trabalhar em algum ofício vil.

Talvez a única exceção fossem os copistas e iluminadores de manuscritos, geralmente monges e freiras que pertenciam, de fato, ao estado privilegiado. Sua atividade obviamente manual (utilizavam pigmentos e pincéis típicos de pintores para executar suas trabalho) foi devidamente camuflado como intelectualidade para que pudesse associar-se adequadamente com sua status. Assim, os miniaturistas não pintavam, iluminavam textos eruditos, escritos por personagens eruditos do passado. Tínhamos aqui a justificativa intelectual necessária para que não fosse um comércio vil.

É também por isso que, nos primeiros séculos da Idade Média, praticamente todos os artistas que assinavam suas obras se dedicavam à iluminura de manuscritos, um comércio teoricamente intelectual, não manual. Mas e os pintores de afrescos, os escultores, os ourives? Não temos a assinatura de nenhum deles, assim como não temos a assinatura dos sapateiros, cesteiros e cordoeiros. De fato, muitas vezes, para citar o autor de uma obra medieval, usam-se termos como obra do mestre de Cabestany, tornando referência ao facto de, apesar de não sabermos o seu nome exacto, a semelhança de técnicas e estéticas sugerir que foi feito pelo mesmo oficina.

um trabalho de oficina

Vamos aproveitar o surgimento do conceito de workshop para apontar uma ideia que consideramos extremamente importante neste debate. E é a ideia do artista como entidade individual. Mais uma vez, trata-se de um conceito moderno, fruto do academicismo do século XVIII e, principalmente, do século XIX.

Antes do surgimento do conceito do artista como criador intelectual (e mesmo por muitos séculos depois), as obras nasceram de oficinas, não de pincéis ou cinzéis individuais. Todos os artistas com algum prestígio tinham um grupo de assistentes e aprendizes que os apoiavam na criação de encomendas.. Recordemos que, como artesãos que ainda eram, o seu método de trabalho era muito semelhante ao de uma oficina artesanal: um mestre que dirigia e ensinava todos os aprendizes a seu cargo.

Foi assim que eles criaram grandes gênios como Leonardo ou Michelangelo, claro. Não podemos imaginar da Vinci sozinho na frente da tela, trabalhando febrilmente sozinho até que a obra ganhasse vida magicamente diante de seus olhos. Não, esse é o artista do século XIX, o artista romântico, não o artista de oficina do Renascimento, filho dos artistas-artesãos medievais. Na verdade, essa confusão decorrente de conceitos descontextualizados tem levado a mais de um mal-entendido.

Por exemplo, na cartela da Gioconda que o Louvre conserva, pode-se ler que se trata de uma obra de Leonardo. No entanto, seu gêmeo no Museu do Prado é classificado como um trabalho de oficina. Do ateliê de Leonardo, claro, mas a Mona Lisa do Louvre não era também do ateliê dele?

Nós insistimos: antes do aparecimento do artista romântico atormentado, criador da grande subjetividade artística, os artistas trabalham em oficinas. Das telas de Rubens, provavelmente algumas pinceladas são de Rubens, no máximo o esboço. O resto é resultado das mãos de dezenas de auxiliares que trabalharam para ele.

Então, artista ou artesão?

Comentamos que a concepção do artista como criador intelectual começou no Renascimento; especificamente, com a publicação do tratado De pictura de León Battista Alberti (1404-1472), onde se reivindica a intelectualização da arte. A partir daí, e ao contrário dos tempos medievais, o artista será considerado um trabalhador intelectual, e não um mero artesão..

Mas já vimos que, na prática, não é bem assim. Rubens e companhia tinham oficinas, e nelas trabalhavam com aprendizes, no mais puro estilo das corporações de artesãos. Por outro lado, é preciso lembrar que a concepção do artista como intelectual não se difundiu com a mesma velocidade em todas as partes da Europa. No século XVII, quando a ideia já era mais ou menos aceita na Itália, Velázquez ainda lutava na Espanha para que seu trabalho fosse reconhecido como algo mais do que mero artesanato.

Era necessário esclarecer todos os pontos anteriores antes de atacar a questão que está na base do nosso artigo: quais são as diferenças entre artesanato e arte? Falando do nosso mundo atual, poderíamos dizer que a arte está ligada à intelectualidade e ao prestígio social. As obras de arte são caras no mercado e os nomes dos artistas praticamente apertam as mãos dos deuses. Por outro lado, os objetos artesanais, apesar de poderem despertar grande admiração, não têm essa glória social que as obras artísticas têm.

Daremos um exemplo claro que ilustrará perfeitamente o que estamos dizendo. Se chega às nossas mãos um sapato deliciosamente confeccionado, mas que vem de uma oficina de artesanato que desconhecemos nem o nome (e que, além disso, já produziu vários sapatos em um dia) poderíamos falar dele em termos de artesanato. Pelo contrário, se o que recebemos é um sapato de uma das marcas mais famosas do mundo, o mais É provável que não usemos a palavra artesanato para nos referirmos a ela, mas falaríamos de uma obra de arte. arte.

Apesar de a empresa de calçados em questão também produzir em massa (e, é certo, muito quantidade maior que a oficina), o nome prestigioso nos dará motivos suficientes para não chamá-lo arte.

Porque, Existe alguma diferença entre um artesão que produz sapatos em sua modesta oficina e um pintor que executa suas obras em um ateliê? Não, é apenas o prestígio que conta. Um artesão de calçados pode colocar toda a sua alma em suas criações, enquanto um artista atencioso pode simplesmente estar fazendo um trabalho comercial.

O prestígio do artista começou a tomar forma no Renascimento, quando a arte começou a se separar do artesanato. No entanto, para um homem medieval, a pergunta no início do nosso artigo teria sido ridícula.