Quais são os cânones de beleza da arte clássica?

A Grécia clássica sempre foi uma referência em termos de beleza. O próprio Gombrich, em sua obra imortal história da arte Ele se enquadra em um desses tópicos quando afirma que, no século de Péricles, teve início “o grande despertar da arte”. Nesse sentido, o eminente teórico se deixa levar pela crença, tão comum no Ocidente, de que A Grécia era o auge da arte e da beleza.

É realmente assim? Podemos afirmar categoricamente, como faz Gombrich, que durante a Grécia clássica houve uma acordar? Sim e não. Se nos ativermos estritamente ao nascimento de uma arte naturalista, sim, Atenas foi o ponto de referência. Mas será que podemos reduzir a arte a uma cópia naturalista da realidade?

Cânones de beleza da arte clássica

A era clássica também tem seus clichês artísticos, curiosamente. No seu caso, e ao contrário da arte medieval (mais injuriada), esses temas vêm mais do idealização realizada ao longo do século XVIII, quando os supostos cânones clássicos foram recuperados e A Academia.

No artigo de hoje vamos rever brevemente o que são

os cânones de beleza em que a arte grega clássica foi baseada e como foram recuperados durante o Neoclassicismo.

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A observação da natureza

A arte grega que temos em mente corresponde apenas a um determinado período da história da Grécia; exatamente, os anos que decorrem do chamado "Século de Péricles" (s. Vai. C.) e o período helenístico (s. IV a. c.). Mas a jornada artística da polis grega começou, é claro, muito antes.

Se tomarmos as primeiras manifestações da escultura grega, o chamado estilo arcaico, veremos que os cânones de beleza são muito semelhantes aos egípcios.. Protótipos claros desta arte são os Kuroi e os Korai (kuros e core singular), esculturas de meninos e meninas que foram considerados atletas e sacerdotisas, respectivamente. Em todas elas, observamos canhões rígidos e simétricos, muito próximos da estatuária do país do Nilo.

Ambos korai como kuroi eles invariavelmente se encontram de frente, com uma aura majestosa na qual quase não há sinal de movimento. Os volumes são vigorosos e estáticos, e a anatomia mal é delineada. Eles correspondem, como seus equivalentes egípcios, a uma imagem idealizada de um conceito ou personagem.

Após as guerras com os persas e a ativação cultural de Atenas, algo começa a mudar. As esculturas passam por uma “naturalização”; Não se trata mais de representações “dogmáticas” de homens e mulheres, mas de tentativas flagrantes de copiar a anatomia humana real, com um estudo aprofundado dos músculos, ossos, tendões e todos os elementos necessários para construir um corpo crível. É a isso que Gombrich se refere quando diz "o despertar da arte": pela primeira vez na história, o ser humano copia realisticamente a natureza.

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Um corpo absolutamente idealizado

No entanto, os corpos das esculturas dos séculos V e IV a.C. c. para seres humanos reais? A resposta é não. Porque, apesar do fato de que os gregos da época começaram um estudo evidente do natural, as representações finais não são representações de homens e mulheres específicos. Correspondem a um ideal de beleza, que os gregos alcançaram através da observação de muitas anatomias e através de uma seleção dos elementos mais "belos".

Nesse sentido, poderíamos dizer que a arte clássica grega é igualmente idealizada, de acordo com suas contrapartes egípcia e oriental; apenas que sua idealização é construída de maneira diferente. Enquanto estes partem de uma ideia que depois tentam captar plasticamente, os gregos da época clássico observe a anatomia e selecione aqueles elementos que deveriam aparecer em um corpo idealmente perfeito.

Para isso, Os gregos não hesitam em adaptar sua obra à visão do espectador para que fique mais bonita. As colunas do Partenon são propositadamente "tortas" para que, ao olhar para elas, o olho as interprete como perfeitamente alinhadas. Caso contrário, se o arquiteto os tivesse levantado direito, nosso olhar os deformaria. Por outro lado, e como defende Umberto Eco na sua obra história da beleza, o artista não se intimida na hora de adaptar um escudo ao olhar de quem o olha, justamente para que este não o perceba excessivamente plano.

Ou seja, os artistas gregos conheciam os erros do olhar humano e da perspectiva e, em homenagem à beleza, não hesitavam em mudar as formas reais. Portanto, dizer que os gregos "copiaram a natureza" é um erro tão grande quanto dizer que "na Idade Média não havia nenhum tipo de naturalismo". As coisas, como sempre, não são preto ou branco.

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ethos e pathos

Proporção e harmonia são fundamentais durante o período clássico para entender seu conceito de beleza. No corpo humano, Polykleitos estabelece o cânone das sete cabeças como medidas perfeitas., o que nos remete ao que foi dito anteriormente: que, ao contrário do que se acredita, os gregos também criaram uma arte "idealizada", nada realista.

Por outro lado, durante a Grécia Clássica encontramos como elemento predominante na criação artística a ética, que, apesar de vir a significar estritamente "conduta", em termos artísticos é usado para expressar contenção. Assim como estava escrito nas paredes do templo de Delfos: "De nada". Esta é a premissa que resume perfeitamente o ideal clássico: a harmonia como contenção do caos sempre problemático.

Por isso, quando em 1506 a escultura do laocoonte, os humanistas da época ficaram realmente maravilhados. O que era essa massa disforme de carne que se movia, lutava e se contraía? Onde ele estava ética naquela estátua?

O que os descobridores de laocoonte O que eles não sabiam era que essa criação pertencia inteiramente a outro período, o helenístico, onde, seguindo as teorias de Nietzsche, Dionísio substituiu Apolo. Em outras palavras; no final do período grego, que corresponde às conquistas macedônias de Alexandre, o Grande, o sentimento de contenção harmoniosa dá lugar ao turbilhão de emoções, para o pathos mais genuíno. As esculturas, portanto, perdem aquele equilíbrio quase milagroso e passam a “se mexer” e mostrar seus altos e baixos internos. Dionísio, o deus do caos, da noite, da festa, substituiu o sempre calmo Apolo.

ideais femininos e ideais masculinos

É uma ideia comumente aceita que os nus na história da arte sempre apresentaram mulheres. Isso não é verdade, pelo menos nos primeiros séculos da arte. De fato, se tomarmos a estatuária grega, certamente encontraremos inúmeros nus masculinos e praticamente nenhum feminino.

Lembremos que a sociedade grega era eminentemente misógina. As mulheres viviam reclusas nas ginetes das casas e não tinham acesso a nenhum tipo de atividade social, muito menos política. O corpo da mulher era um verdadeiro tabu, mas não o do homem. De fato, desde tempos arcaicos encontramos nus masculinos (os famosos kuroi, por exemplo), que seguramente representam atletas divinizados. Os participantes dos jogos competiam nus e os homens jogavam nus nas arenas dos ginásios. A beleza do nu masculino é constantemente evocada, mas não a feminina.

Teremos que esperar por Praxiteles (s. IV a. C.), já do período helenístico, para encontrar os mais esplêndidos nus femininos da Grécia, os famosos Afrodite, que corporificam, como a estatuária masculina (como a Apolo Belvedere ou o Hermes Praxiteles) o ideal do corpo feminino. Ao contrário de seus pares, no entanto, o Afrodite eles não mostram o corpo inteiro; muitas vezes os órgãos genitais e as pernas são cobertos com túnicas, deixando apenas a parte superior do tronco visível. Outras vezes, Afrodite cobre-se modestamente com as mãos e os braços, no que é conhecido como a modesta Vênus.

É nos tempos modernos, e especialmente durante os séculos XVIII e XIX, que o nu feminino atinge seu auge., graças à recuperação da arte clássica e ao surgimento da academia. A propósito, o neoclassicismo fez uma interpretação particular da arte grega clássica. Para começar, incorporou a ideia da "pureza do mármore"; esculturas imaculadamente brancas que assim realçavam a sua silhueta. Nada poderia estar mais longe da verdade. Porque os gregos, como os medievais, atribuíam à policromia uma importância capital. Da mesma forma que a Idade Média não foi negra, a Grécia clássica não foi branco. Foi uma esplêndida apoteose de cores, nascida em meio a esse ethos contundente e magnífico.