6 exemplos de censura na arte

Costuma-se dizer que a arte deve ser livre, uma expressão genuína da mente humana. No entanto, este não é claramente o caso. Ao longo da história da humanidade, a arte foi alvo de censura, seja por “ultrapassar” os limites da moralidade, da religião, da política ou, simplesmente, do “bom gosto”.

Até o final do século XVIII, o artista não era livre. Ele teve que criar suas obras com base em diretrizes; Na verdade, mais do que um artista, ele era um artesão, que produzia obras encomendadas, tal como um sapateiro fazia sapatos ou um cesteiro fazia cestos. Com o advento da valorização da arte como atividade “nobre” e, principalmente, com a Com o romantismo e sua fúria pela liberdade do indivíduo, o artista tornou-se alguém que criava ao mesmo tempo. seu capricho. Porém, mesmo assim, sua obra permaneceu sujeita à opinião pública e à censura do governo, da religião e da sociedade.

No artigo de hoje revisamos 6 exemplos de censura na arte. Como veremos, nem todos estão tão distantes do nosso tempo, o que nos faz pensar se, na realidade, mudamos tanto assim.

6 exemplos de censura na arte

O nu (principalmente o feminino) tem sido alvo por excelência ao longo da história da arte. Na Grécia antiga era muito raro encontrar esculturas femininas nuas; Mais tarde, com o nascimento das academias (já no século XVIII), os nus só eram permitidos com certas “desculpas”: personagens mitológicos, alegorias, estudos anatômicos, etc.

Em nenhum caso de natureza sexual, é claro. Mas não apenas o sexo e o corpo nu têm sido objeto de censura na arte. Encontramos também casos de censura por “atacar” a religião, o “bom gosto” ou, claro, contra os preceitos políticos. Abaixo, você encontrará uma lista de 6 obras de arte que foram censuradas por um desses motivos e uma breve explicação de como a polêmica se desenvolveu.

1. Os panos do Juízo Final

Este é um exemplo clássico de censura ao corpo humano nu. Recordemos que estas figuras foram pintadas por Michelangelo Buonarroti (1475-1564) por ordem do Papa Paulo III, mais de duas décadas depois da famosa abóbada Sistina. Giorgio Vasari conta em seu Vidas que Biagio da Cesena, mestre de cerimônias do Vaticano, não parava de protestar ao papa sobre a “imoralidade” da nudez, em sua opinião, impróprio para uma capela.

Os protestos só deram frutos mais de dez anos depois da conclusão da obra e quando Michelangelo já havia morrido. Em dezembro de 1563, apenas dois meses antes da morte do artista, realizou-se a XXV sessão do Concílio de Trento, onde o decoro captar personagens religiosos e, em geral, estabelecem-se as bases de como deve ser a representação artística.

Consequentemente, Paulo IV, sucessor de Pedro ao trono, encarregou Daniele da Volterra (1509-1566), de verdade, um discípulo de Michelangelo, que cobriu os órgãos genitais das figuras com panos, para adaptar para o decoro determinado por Trento. E lá você ainda pode ver aqueles pedaços de tecido “virtuosos”, que valeram o apelido de Volterra Il Braghettone.

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2. A Virgem “afogou-se” no Tibre

Em 1601, Caravaggio foi contratado para mostrar a Dormição da Virgem, destinada à igreja de Santa María della Scala, em Roma. A data é clara: estamos numa época em que os preceitos de Trento acima discutidos já estão refletidos nas obras de arte.. Isto significa que a composição de Caravaggio deve seguir uma série de diretrizes e não pode, em hipótese alguma, ir além do que é estabelecido pela Igreja.

À primeira vista, não há nada na pintura que pareça sair da caixa. decoro eclesiástico. Vemos a Virgem deitada no centro da imagem, com os apóstolos e Maria Madalena ao seu redor. Magdalena cobre o rosto, num gesto de profunda dor. A cena exala, portanto, uma atmosfera triste e um tanto sombria, que se harmoniza com o tema representado. Porém, o cliente não aceitou a obra, por considerá-la excessiva em “indecência”. O que mais escandalizou os Carmelitas foi que a Virgem apareceu “abandonada” sobre uma mesa, parecendo um cadáver e toda inchada.. E, aparentemente, Caravaggio usou uma prostituta afogada no Tibre como “modelo”…

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3. A Inquisição investiga Dom Francisco de Goya

Em 1799 aparece em a Gazeta de Madri um anúncio informando ao povo de Madrid que agora é possível adquirir a série de Caprichos de Goya em um estabelecimento localizado logo abaixo de sua casa. As oitenta gravuras, especificamente intituladas Coleção de gravuras de matérias caprichosas, inventada e gravada por D. Francisco de Goya, tratam de “vícios humanos”, conforme afirmado na introdução.

É importante parar na palavra “inventou” que Goya incluiu no título de sua obra. Porque com isso o artista pretendia deixar claro que não se referia de forma alguma a casos específicos e particulares. Apesar disso, parece que Foi dominado pelo medo de possíveis represálias, pois, poucos dias depois de colocar à venda seus Caprichos, retirou-os do mercado..

E o fato é que entre os alvos das críticas de Goya estava a própria Inquisição. Crítica velada, mas bastante óbvia. Em 1804, cinco anos após a execução das gravuras, alguém denunciou o artista, que era investigado pelo Santo Ofício de Toledo. Felizmente, o caso não foi adiante, aparentemente por intermediação do próprio rei Carlos IV ou do seu ministro, Manuel Godoy.

4. O escândalo das ninfas nuas

Lola Mora (1866-1936) é uma das escultoras mais conhecidas da Argentina. Em 1900, a artista esteve em Roma, numa viagem de estudos que lhe permitiu conhecer de perto os grandes mestres italianos. Foi então que foi contratado para criar um monumento colossal, destinado à Plaza de Mayo, para o qual Mora executou os esboços na própria Itália. A ideia do escultor era uma enorme fonte, onde os protagonistas eram lindas ninfas nuas emergindo da água..

A própria Mora dirigiu os trabalhos de montagem. Este foi o primeiro passo da polêmica, já que a artista vestia calças para poder fazer seu trabalho com mais conforto (para escândalo dos transeuntes). Mas o problema não terminaria aqui. Os setores mais reacionários da cidade protestaram contra a “imoralidade” dos nus, por isso foi decidido que a localização da fonte seria outra, muito mais “discreta”.

Primeiro pensou-se no bairro Mataderos, muito despovoado naqueles anos, mas finalmente a obra foi instalada no Parque Colón, onde foi inaugurada em maio de 1903. Aliás, de todos os presentes na inauguração, Lola Mora foi a única mulher.

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5. Um Guilherme Tell muito “ofensivo”

No início da década de 1930, a relação entre Dalí e o grupo de surrealistas atravessava horas (muito) baixas. Naquela época, o líder do grupo, André Breton, politizou radicalmente o movimento e o vinculou ao comunismo, fato com o qual Dalí não se sentia confortável. O resultado foi a cisão definitiva entre o gênio de Figueres e os surrealistas franceses.

Talvez por vingança, talvez por zombaria (tendo em conta o carácter de Dalí, esta última parece mais plausível), em 1933 o artista catalão pintou O enigma de Guillaume Tell (O Enigma de Guilherme Tell), personagem que interessou muito a Dalí por suas supostas conotações psicanalíticas. Surpreendentemente, quem aparece na tela é o próprio Lênin, que também mostra ao espectador suas nádegas surrealmente alongadas.

A pintura foi uma verdadeira ofensa para Breton e companhia, porque, lembre-se, eles eram fiéis seguidores do comunismo. Quando a tela foi exposta no Grand Palais de Paris, o líder surrealista veio destruir a obra. Milagrosamente (ou talvez tenha sido um ato expresso de Dalí, para evitar precisamente isso), O enigma de Guilherme Tell Era muito alto e Breton não conseguia alcançá-lo com a bengala.

Mas o destino de Dalí no grupo surrealista já estava traçado. Breton formou com seus colegas uma espécie de “tribunal revolucionário” e expulsou o pintor do grupo por “atividades contrarrevolucionárias”.

6. Censura… cem anos depois

A obra de Egon Schiele (1890-1918) já suscitou polémica na época (esteve três semanas preso), pela exposição crua do corpo nu e pela sua carga altamente erótica. O mais surpreendente é que, cem anos depois, o artista austríaco continua a causar escândalo.

Em 2018, a Câmara Municipal de Viena preparava uma exposição da obra de Schiele e, para tal, não hesitou em divulgá-la através de cartazes. Esses cartazes reproduziam obras do artista e foram divulgados em outdoors e em transportes públicos.

A ideia era que a exposição chegasse a várias cidades europeias. A surpresa foi enorme quando o Reino Unido e a Alemanha se recusaram a aderir à campanha publicitária por considerarem o trabalho de Schiele “pornográfico”. e altamente inapropriado para ser colocado em locais públicos. A resposta da Câmara Municipal de Viena foi uma reviravolta engenhosa na campanha: colocaram faixas brancas exactamente onde os órgãos genitais dos as figuras e escreveu nelas “Desculpe, 100 anos, mas ainda hoje é muito ousado”. hoje). O mais curioso do caso é que tanto o Reino Unido como a Alemanha aceitaram os cartazes com a faixa “explicativa”.