Gustav Klimt: biografia do pintor mais importante da Secessão Vienense

Ele é mundialmente famoso por suas pinturas de um ouro quase onírico e por suas figuras de belas mulheres que parecem ter escapado de uma aparição noturna. Em efeito, o estilo inovador e revolucionário de Gustav Klimt, o pintor mais importante da chamada Secessão vienense, fascinou e escandalizou Viena no final do século XIX. O fascínio, pela beleza enigmática da sua nova forma de pintar. O escândalo, pela sua falta de modéstia na hora de captar a verdade aberta na tela ou no papel (como demonstrado nas pinturas para a Universidade de Viena), bem como suas mulheres nuas em atitudes eróticas que foram um golpe para a rígida sociedade Você está vindo para.

Se você tem interesse em conhecer a vida desse gênio da Art Noveau na Alemanha (conhecido como Jugendstil) e líder do chamado Secessão, continue lendo. O seu percurso de vida, bem como a sua criação artística, não o deixarão indiferente.

Breve biografia de Gustav Klimt, o grande pintor da Secessão

A imaginação e o génio criativo de Gustav Klimt levaram-no a executar as suas obras através de diversas técnicas: da folha de ouro, talvez o seu elemento mais característico, ao óleo e à têmpera; Qualquer médium era propício a vomitar toda a sua criatividade incessante. O resultado são obras que nunca deixam o espectador indiferente, pois parecem surgir do nada, talvez aparições espectrais ou vindas de um sonho maravilhoso mas efêmero.

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Os primeiros passos: a “Companhia de Artistas de Viena”

Nascido em julho de 1862 em Viena, filho de pai de origem boêmia que se dedicava ao artesanato, Desde muito jovem, o jovem Klimt demonstrou um evidente interesse e talento pela arte.. Em 1876 ganhou uma bolsa para estudar na Escola de Artes e Ofícios de Viena, vinculada ao Museu Real Imperial Austríaco de Arte; Com um colega de academia (Franz Matsch) e com seu irmão Ernest (que também havia sido admitido nela) fundou uma espécie de irmandade que chamou de Companhia de Artistas (Künstler-Compagnie).

A jovem companhia especializou-se, num primeiro momento, na decoração de paredes e tetos de teatros e demais edifícios do império. Algumas de suas obras mais notáveis ​​(pelas quais foram altamente considerados) foram pinturas para teatro de Reichenberg, ou a série de obras encomendadas para a decoração do castelo de Carlos I de Romênia.

Estas obras de juventude, embora verdadeiramente belas, nada têm a ver com o estilo pelo qual conhecemos o artista. São pinturas com clara influência académica que por vezes misturam elementos próximos da Art Noveau, mas não são, de forma alguma, tão novas e surpreendentes quanto as obras pelas quais Klimt entraria para a história.

Deste período A série de pinturas que o artista realizou para os volumes de Alegorias e emblemas (1883), encomendado por Martin Gerlach, onde representa diversas alegorias relacionadas à arte. Neles já podemos observar uma mudança no estilo e na concepção artística do pintor o que o afastaria cada vez mais da academia e acabaria germinando no movimento da Secessão Vienense, uma voz que se ergueu retumbante e energicamente contra a arte espartilhada oficial.

A série destaca-se sobretudo pela sua alegoria da escultura. Seguindo a tradição clássica, Klimt apresenta-a sob a forma de uma jovem, neste caso nua, reflectindo o arquétipo de uma mulher sedutora que mais tarde permearia a sua pintura. O alegoria da escultura é claramente influenciado por os pré-rafelitos e por um corte claramente neoclássico, que podemos ver no friso grego, no busto e no Spinario que acompanham a mulher.

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Uma mudança de estilo

Em meados da década de 1890, Klimt já experimentava um novo estilo. As pinturas murais do salão de cerimônias da Universidade de Viena, encomendadas pelo Ministério da Educação imperial, já acusavam esse novo estilo que seria característico do pintor, então estão rejeitado. O cliente achou as alegorias das faculdades (filosofia, teologia, medicina e direito) demasiado “obscuras”, muito distantes da idealização tradicional deste tipo de representações.

A verdade é aquilo Não podemos julgar com os nossos próprios olhos como eram essas pinturas, uma vez que, infelizmente, pegaram fogo em 1945., quando o Palácio Immendorf (a 50 quilômetros de Viena), onde estavam guardados, foi incendiado. Apenas sobreviveram algumas fotografias a preto e branco, o que permitiu, aliás, criar com inteligência artificial uma recriação de como devem ter sido as obras originais.

Parece que Klimt ficou irritado com tal rejeição e, a partir de então, não voltou a aceitar encomendas oficiais. Porém, seu novo estilo já havia nascido; O artista sentiu-se bastante distante dos preceitos que o levaram a fundar a Companhia dos Artistas. Em 1892, a morte prematura do seu irmão Ernest, outro dos fundadores do grupo, agravou a lacuna e, em Maio de 1897 Gustav deixa a associação e junto com outros pintores dissidentes funda uma formação independente. A Secessão de Viena acabara de nascer.

A Secessão de Viena e a arte da Viena fin-de-siècle

A primeira exposição da recém-fundada Secessão (com um nome suficientemente explícito) foi realizada em 1898, na Sociedade Hortícola de Viena. O novo grupo artístico foi formado, além de Klimt (seu primeiro presidente), por outros artistas como Kolo Moser (1868-1918), Josef Hoffmann (1870-1956) e Joseph Maria Olbrich (1867-1908).. Este último foi também o arquitecto responsável pelo famoso edifício da Secessão localizado em Viena, que acolheria as exposições do grupo.

A Secessão de Viena deve ser incluída num movimento muito mais amplo de carácter europeu, universalmente conhecido como Art Noveau e que recebeu vários nomes dependendo do país. Assim, ligar-se-ia ao Jugendstil alemão, ao modernismo espanhol ou liberdade na Inglaterra. Em geral, estes foram movimentos que rejeitaram categoricamente a nova era de produção e consumo e Inclinaram-se para um estilo próximo do artesanato tradicional e uma mistura de estilos e expressões. cultural. Apesar disso, a Secessão Vienense é muito mais sóbria que o modernismo de outras latitudes, e na arquitetura percebe-se um predomínio da linha reta que preconiza o racionalismo futuro.

No caso específico do nosso protagonista, sua obra Judite eu, feito em 1901, é muito significativo.

Para muitos representa o início do que é conhecido como “período dourado” de Klimt, caracterizado por fundos dourados e forte simbolismo. Em 1902, o pintor fez o famoso Friso de Beethoven para o pavilhão de exposições da Secessão, pouco antes do início da 14ª exposição do grupo e pela qual é duramente criticado. A sinuosidade das figuras planas e a sua anatomia perturbadora foram consideradas “nojentas” e a exposição foi um fracasso. Era evidente que o público em geral ainda não estava preparado para o golpe de modernidade e genialidade que a arte de Klimt representava.

Mulheres e sonhos em fundos dourados

A figura feminina, ora erotizada, ora convertida em aparição ou sonho, é tema central na obra de Gustav Klimt. A obra Judite eu, com a qual mencionamos que começa o seu “período áureo”, representa uma mulher nua (a Judite bíblica), que sorri quase lascivamente e com evidente superioridade. Sua pele perolada é decorada com folhas de ouro que desenha maravilhosos enfeites e transforma a pintura em uma espécie de aparição do além, um magnífico sonho de beleza, joias e sexo.

Gustav Klimt nunca se casou, mas teve inúmeros casos com mulheres, principalmente modelos que posaram para seus trabalhos; Ele conhece nada menos que seis filhos de três deles. Sua relação com o sexo feminino era especial e muitas vezes tempestuosa.. Muitos dos seus desenhos, diretos e de mente aberta e certamente muito mais explícitos do que as suas pinturas, captam a mulher como objeto do desejo sexual masculino, de uma forma bastante semelhante ao seu contemporâneo Egon Schiele (1890-1918). Sua forma de tratar o nu, brutal e realista, rendeu-lhe fortes críticas durante sua vida, senão verdadeiros escândalos. Um bom exemplo disso é A verdade nua e crua, uma alegoria da Verdade onde é mostrada uma mulher nua com pêlos púbicos, quase em tamanho natural, o que representou um verdadeiro desafio às normas da arte vigentes.

Comentamos que muitas mulheres passaram pela vida e pela cama de Gustav Klimt. Mas, acima de todas elas, destaca-se Emilie Flöge (1874-1952), irmã da esposa de Ernest. Praticamente todos os biógrafos do artista concordam que Emilie foi a mulher mais importante na vida do pintor.. Eles se conheceram em 1891, pouco antes da morte de Ernest, e seu relacionamento durou até a morte de Klimt em 1918, embora nos últimos anos pareça ter sido mais amigável do que amoroso.

Emilie, a musa entre as musas

Emilie foi um apoio fundamental para o artista. Todo verão, Gustav e a família Flöge passavam algumas semanas no Lago Atter, na Alta Áustria; Nessas deliciosas estadias em contato com a natureza, a inspiração do pintor reviveu. O resultado destes dias de férias são pinturas de paisagens como No Lago Attersee (1900). Emilie e Klimt compartilhavam os dias de verão com Helene, irmã de Emilie e viúva de Ernest, e Helene Louise, sobrinha de Klimt, de quem ele era tutor desde a morte de seu irmão.

Emilie e suas irmãs fundaram um dos mais importantes e prestigiados salões de moda de Viena, o Schwestern Flöge, localizado em uma das avenidas mais movimentadas e prestigiadas da cidade. Entre as características essenciais da moda defendida por esta admirável mulher está a rejeição do espartilho e a aposta em peças de fantasia, muito mais folgadas e confortáveis. Gustav Klimt retratou Emilie em 1902 com um vestido suntuoso que parece saído de um conto de fadas e que, com seu azul aguado e folhas douradas e prateadas, lembra as escamas de um peixe.

Klimt pintou muitas mulheres (entre elas a famosa Adele Bloch-Bauer, protagonista da conhecida pintura A dama de ouro), mas nenhuma teve tanta importância em sua vida quanto Emilie Flöge. De facto, após a morte do artista, em Fevereiro de 1918 (vítima de uma pneumonia, complicada por um acidente vascular cerebral que teve um mês antes que o deixou paralisado), ela era a herdeira de sua propriedade, junto com seu irmãs.

Pintor da vida, do amor e da morte

Talvez devamos atribuir parte da rejeição que as obras de Gustav Klimt causaram durante a sua vida ao efeito de espelho das suas obras. Klimt mostrou rudemente a própria vida e, portanto, o amor, o sexo e a morte. Não se trata de obras ásperas ou desagradáveis ​​(de estilo expressionista), mas sim de delicadas composições douradas e poéticas, tornando ainda mais avassaladora a veracidade do seu conteúdo.

Um exemplo desta visão austera é uma de suas obras-primas, Morte e Vida, da qual o artista fez duas versões. Em ambas as versões à esquerda da imagem vemos a Morte personificada por um esqueleto vestido enquanto, à direita, a Vida é captada através de figuras seminuas que se entrelaçam, numa quase dança. erotismo. Na primeira versão, porém, a morte abaixa a cabeça, como se estivesse envergonhada; Na segunda, feita por volta de 1915, ele olha com ferocidade e não sem diversão para a carne que vai comer, enquanto nas mãos ossudas brande uma clava, com a qual desferirá o golpe fatal. É lógico que a alegre sociedade vienense do fin de siècle tentasse ignorar tal mensagem, quase um memento mori dos tempos contemporâneos.