Pop art: características, artistas e principais obras

O arte pop, conhecida em espanhol como pop art, é um movimento plástico que teve suas origens na década de 1950. Nasceu entre a Grã-Bretanha e os Estados Unidos, mas foi este último que se tornou o porta-estandarte do movimento. No entanto, a pop art gerou uma onda de choque em todo o mundo, tanto na Europa quanto na América Latina, Ásia e Oceania.

A pop art está contextualizada em todo o processo de formação da sociedade de consumo, cujo impulso definitiva ocorreu após a Segunda Guerra Mundial e a chegada da televisão, o novo invasor do casas.

Este estilo artístico nasceu como uma tentativa de fazer uma arte que levasse em conta o universo de símbolos e temas de grande interesse, é isto é, os símbolos "populares" aos quais a elite cultural parecia virar as costas e negar sua penetração mobilizadora no imaginário coletivo.

Características da pop art

Inspiração da cultura de massa

Se os antigos haviam representado a imagem do mundo como o conheciam e concebiam em suas obras, era obrigação dos artistas contemporâneos fazer o mesmo. Os artistas pop iriam para aqueles objetos do cotidiano que estavam se tornando os novos símbolos da "civilização": ídolos da mídia, figuras políticas, objetos produzidos em massa, histórias em quadrinhos (quadrinhos), cartazes, embalagens e todos os tipos de imagens simbólicas (sinais de tráfego, colagens, etc.).

Extensão da noção de beleza ao repertório de símbolos pop

O arte pop Ele entendeu que mesmo os objetos da cultura de massa podem conter elementos de beleza, e não apenas Vênus e Madonas da antiguidade. Claro, isso não vai deixar de ser uma provocação para o meio intelectual, aspecto que os artistas pop muito aproveitam a seu favor.

Descontextualização

Uma das estratégias de arte pop era pegar emprestado os objetos e descontextualizá-los. Por exemplo, tomar uma lata de sopa, um quadro famoso ou uma fotografia fora do seu contexto, intervindo e transformando em uma obra ou em uma nova obra. Algo semelhante foi feito pelos dadaístas com sua técnica pronto feito desde Marcel Duchamp criou seu famoso Fonte: urinol intervencionado com assinatura do artista, sob o pseudônimo R. Mutt, e que foi apresentado como uma obra de museu.

Negação de virtuosismo

Esses artistas não defendiam o virtuosismo como um valor. Com isso, a pop art rompeu com a ideia de obra de arte como resultado de um processo complexo, longo e difícil, que privilegiava o princípio da reprodução múltipla.

Por esse motivo, eles implementaram técnicas absolutamente inusitadas no campo das artes plásticas, como a serigrafia, quadrinhos com suas vinhetas e estilo de linha, algumas técnicas de publicidade e produção em massa, bem como colagens e fotografias.

Alguns artistas foram mais radicais e produziram acontecimentos e shows interativos, desferindo um golpe contra a coleção e a mercantilização da arte.

Incongruência

O universo de símbolos que a pop art oferecia não era muito fácil de assimilar pelos intelectuais da velha escola, e, além disso, os artistas pop não tinham uma posição única em relação ao que representavam, o que dificultava a coisas. Portanto, seus objetivos não eram necessariamente claros. Eles criticaram o consumo? Eles validaram o consumo? Eles aproveitaram as circunstâncias? Assim, eles criaram imagens aparentemente incongruentes e provocativas.

Humor

Como não se pretendia uma arte intelectual, a pop art também foi um movimento cheio de humor e piscadelas cúmplices para o espectador.

Longe das posições apaixonadas dos grandes teóricos e intelectuais do meio, os artistas pop irônicos e riram da ordem circundante. Talvez fosse uma forma diferente de criticar.

Provocação

Tudo isso tornou a pop art provocativa, provocativa, polêmica. Por exemplo, ao questionar a ideia de originalidade, eles também questionaram a superioridade do gênio criativo, uma figura a quem se homenageia desde o Renascimento. Também questionaram o papel da crítica, do historiador da arte, do conceito de museu, dos critérios de seleção, dos princípios da museografia ...

Mas além de tudo o que torna o arte pop, é evidente que nada surge por geração espontânea, e que, antes que os artistas pop formulassem esta programa estético, as gerações anteriores foram criando as condições para esta autêntica revolta dos signos artístico. Vamos ver qual foi sua formação e quais relações a pop art teve no contexto criativo dos anos 1950.

Fundo de arte pop

As influências de arte pop eles podem ser encontrados em correntes como o dadaísmo, que surgiu na primeira onda de movimentos de vanguarda. Foi um movimento cultural que questionou a ordem racional positivista e que, particularmente na pintura, se destacou por ter proposto novas técnicas como a pronto, técnica que consistia em pegar objetos do cotidiano, intervindo-os e transformando-os em objetos adequados para exposição em um museu, sem esconder suas características ou origem.

Mais perto no tempo, o principal impulsionador direto foi o Grupo Independente, conhecido pela sigla em inglês IG (Grupo Independente).

O IG surgiu em 1952 no Institute of Contemporary Art de Londres e esteve ativo até 1955. Durante este período, a Grã-Bretanha, como outros países totalmente industrializados na Europa, estava experimentando o crescimento de uma cultura popular urbana diferente, após o racionamento e austeridade da segunda guerra mundo.

Muitos artistas participaram deste grupo. Porém, foi o italiano Edouardo Paolozzi que se tornou referência fundadora da arte pop após a primeira sessão de IG. Neste, Paolozzi projetou vários colagens que ele havia feito de revistas por meio de um projetor opaco. A primeira imagem foi a colagemEu era o brinquedo de um homem rico (Eu era um brinquedo de rico), em que pela primeira vez se usa a palavra "pop", daí o nome do movimento.

Neste contexto, o IG debateu pela primeira vez no meio artístico o problema da cultura de massa e as suas implicações na definição da cultura tal como era concebida até então. Para eles, isso também os obrigou a repensar a noção de arte atual.

Ao mesmo tempo, nos Estados Unidos, mudanças cruciais estavam ocorrendo no mundo da cultura, rompendo com tudo imaginado até agora, sem a direção daqueles impulsos.

Nesse sentido, um precedente de vital importância para a pop art foi constituído pela famosa obra 4'33 '', do compositor John Milton Cage. Este trabalho consistiu na execução de uma partitura com duração de 4 minutos e 33 segundos, cuja única indicação escrita era a palavra "tacet" (silêncio).

Segundo a interpretação de alguns, a proposta de Cage era voltada para a percepção do ruído ambiental produzido pelo público como uma obra de arte musical. Sem dúvida, foi uma revolução absoluta, onde a música assumiu a liderança de forma inesperada, questionando o tema fundamental de sua disciplina. O que fariam as artes plásticas?

Para começar, eles reagiriam contra a intelectualização da arte e o caráter evasivo dos artistas consagrados diante da realidade contemporânea invasiva, características que esta geração atribuiu especialmente ao expressionismo abstrato de Jackson Pollock. Assim, a nova geração de artistas se apropriaria da ideia de Cage: eliminar a distância entre arte e vida. Vamos ver por que e para que eles fizeram isso.

Por que e para que nasceu a pop art?

As características da pop art que expusemos mostram que esse movimento tinha um significado profundo, ao contrário das frases que o acusam de ser superficial.

Esse movimento pode ser visto como uma arte sem concessões, mas às vezes essa afirmação pode ser injusta. É verdade que tem uma forte carga visual, é verdade que não se escandaliza com os símbolos da cultura de massa, mas também há um sentido no fundo dela.

No caso particular dos artistas americanos. Eles estavam interessados ​​em investigar a essência última do norte-americanismo em meio a essa virada do parafuso que significava a passagem para a sociedade de massa. Junto com isso, de alguma forma eles também tentaram redescobrir a pintura figurativa que o expressionismo abstrato havia escondido atrás do guarda-roupa.

Mas, em termos gerais, estava claro para os artistas pop de todo o mundo que a ironia lhes permitia mostrar que o O materialismo e a vulgaridade participaram da ordem hegemônica que o campo das massas havia estabelecido entre 1950 e 1970.

Ao mesmo tempo, reconheceram o que os novos símbolos tinham de manifestação clara e contínua de valores. culturas em transformação, o que muitas vezes lhes permitiu observar os novos ícones sem fazer julgamentos de valor.

Em um sentido amplo, por meio da incorporação dos símbolos da sociedade de consumo, a pop art não só ampliou o repertório dos temas iconográficos da arte, mas também que definiu uma posição sobre duas coisas: o reordenamento da sociedade de consumo e a recusa das elites intelectuais em reconhecer que esse fenômeno permeia toda a sociedade. cultura.

Assim, Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mao Tse Tung, Superman ou Batman eram tão "culturais" e dignos de atenção para seu mundo contemporâneo como o repertório de afrodites, venus, adonis, apollos, virgens, santos, carregadores de água, pastores, paisagens, reis e personalidades para o século XVI.

Melhores artistas

Andy Warhol (1928-1987)

Foi um importante artista plástico, ilustrador e cineasta norte-americano. Ele foi responsável por aplicar princípios de marketing e publicidade à esfera da arte. Com isso, abriu caminhos para o desenvolvimento da pop art.

Ele cunhou uma das frases mais famosas da história da arte, que hoje se cumpre graças às novas tecnologias da informação: “No futuro, todos serão famosos por 15 minutos”. Entre suas obras mais destacadas podemos citar a série Latas de sopa campbel e os retratos em serigrafia de figuras públicas como Marylin Monroe, Mao Tse Tung e ele mesmo.

Veja também 7 obras icônicas de Andy Warhol.

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Pintor, artista gráfico e escultor. Ele aplicou a técnica do comic às artes plásticas convencionais, conseguindo assim o reconhecimento da nova cultura visual no mundo artístico. Ele também usou outras técnicas, como serigrafia e colagem. Suas obras são particularmente famosas O beijo Y Wham!

Robert Rauschenberg (1925-2008)

Ele começou sua carreira como pintor sob a égide do Expressionismo Abstrato, mas no meio de sua vida começou a explorar a linguagem e as possibilidades da pop art, até que ela se torne uma de suas mais importantes representantes. Destacou-se pela combinação de materiais inusitados nas artes plásticas, que pode envolver até a combinação de pintura com escultura, gravura fotográfica e atuação. Esta técnica ficou conhecida como combinar. Entre suas obras mais conhecidas estão: a série Factum e a série Retroativo.

Jasper Johns (1930)

É um artista plástico americano em que são visíveis os elementos da pop art, bem como do expressionismo abstracto, minimalismo e neo-dadaísmo. Sua técnica favorita é a encáustica. Em um capítulo de Os Simpsons Chamado de "Mamãe e Pop Art" ou "A Arte de Papai e Mamãe" (em sua tradução hispano-americana), Jasper Johns aparece como um dos artistas com quem Homero faz amizade. No final do capítulo, ele é visto roubando materiais para suas obras. Entre suas peças mais conhecidas podemos citar Três bandeiras Y Diana com quatro faces.

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