Encontre 15 obras instigantes de surrealismo

Ou o surrealismo são dois movimentos artísticos que mais produzem obras instigantes e enigmáticas, cheias de significados para serem descobertos.

O fez parte da vanguarda da Europa, que ia ver ou correr na Europa, não no início do século XX, e que procuraremos reformular de forma a produzir e apreciar arte.

Nesse contexto, surge o surrealismo, como um manifesto em 1924. Uma vertente valorizava ou pensamento livre e espontâneo para elevar jantares incomuns, irreais e fantasiosos. Confie em seguir algumas dessas obras e entenda o que elas significam.

1. Persistência de memória - Salvador Dalí

Persistência de memória é um tecido feito em 1931 cabelo pintor catalão Salvador Dalí. Diga-eu sei que fui criado pelo artista, estou satisfeito em comer uma reclamação. queijo Camembert e ficar indisposto trabalhando em casa.

Nesse trabalho, o artista expõe uma paisagem típica da Catalunha e uma oliveira seca, árvore muito presente na região. Há também a presença de religiões deformadas e derreteu, assim como um corpo prostrado que não foi encontrado.

Os relógios fundidos para Dalí uma simbolismo de flacidez e impotência sexual, bem como uma noção da passagem do tempo imprecisa. Dê-lhes uma pousada em cima como referência desse "o tempo voa".

A única lógica rígida que aparece na obra é voltada para o fundo de várias formas que se amontoam no mesmo número, alusivas a um estado de putrefação, onda ou objeto, que simboliza ou ritmo, é comido como carniça.

Leita também: A persistência da memoria: análise da obra de Salvador Dalí

2. Seus amantes - René Magritte

René Magritte é o autor da obra Seus amantes, produzido em 1928.

No pano, vemos uma casa para uma mulher beijando, entretanto, suas cabeças enroladas por você. Este trabalho intrigante se contradiz. intimidação e incapacidade de contato.

Podemos interpretar o jantar de diferentes maneiras, uma vez que pode simbolizar a superficialidade nos relacionamentos, incapaz de se mostrar completamente para o parceiro (a) e um sem conexão sentimental ou sexual entre vocês se casar.

É uma alegoria sobre desejos frustrados e um sentimento de isolamento que pode surgir em um relacionamento amoroso.

É interessante observar que essas reflexões tendem a se atualizar e aprofundar, em tempos de uma “modernidade líquida”, conforme definida pelo pensador polonês Zygmunt Bauman (1925-2017).

Magritte usou este recurso para esconder os dois personagens em vários tecidos. O pintor apreciou muito uma atmosfera de mistério e ele propõe questões profundas em seu trabalho.

Para conhecer outras obras do pintor, leia: Trabalha para entender René Magritte.

3. Um cão andaluz - Salvador Dalí e Luis Buñuel

Quando confundimos obras surrealistas, normalmente pensamos em artes plásticas, principalmente pintura. Enquanto isso, essa corrente influencia também a produção de outras linguagens, como o cinema.

Um cão andaluz uma dessas manifestações cinematográficas e se tornou um ícone do surrealismo. Concebidos em 1929 de Salvador Dalí e Luis Buñuel, ou um filme traça uma narrativa totalmente inovadora para a época.

Na história não há continuidade cronológica ou lógica de dois eventos e há uma referência clara aos fatos do psicanálise O universo dos sonhos de Freud.

Ou film é mudo e mostra um personagem realizando ações inimagináveis, como uma famosa passagem em que corta o olho de uma mulher como se fosse uma navalha.

Tudo uma narrativa e reaquecido de absurdo, que pode ser interpretado como um passeio não interior da mente humana, revelando os impulsos violentos, perturbadores e irracionais que não são inconscientes.

4. Café-da-manhã em pele - Meret Oppenheim

Café da manhã em pele, do artista suíço Meret Oppenheim, foi feito em 1936, quando o artista tem 23 anos.

A obra consiste num jogo de chá com pires, colher e xícara coberta por casca de gazela.

Esse trabalho é curioso e causa estranheza, pois desafiar o pensamento dos sentidos, na medida em que sugere uma associação entre um objeto cotidiano, usado em contato com a boca, e a impossibilidade de uso do mesmo.

Ao observar este conjunto incomum de chá, ocorre não espectador um erro de curiosidade e rejeição, nojo e atração, quase como se sentisse a textura de pele de animal na língua.

Um artista ficou conhecido pela criação de vários objetos que instigam e provocam surpresa, espanto e contradições, num estilo surrealista.

5. O veado ferido - Frida Kahlo

A produção mexicana de Frida Kahlo é marcada por jantares misteriosos e detalhes que carregam significados intensos e autobiográficos.

O veado ferido, a partir de 1946 é um obras de arte. Nele, uma artista que expôs tudo ao seu vulnerabilidade e tentação expurgar sentimentos de sofrimento frente à precária condição de saúde e anos de conflitos, não condiz tão bem como o pintor Diego Rivera.

Aqui, Frida aparece na forma de um veado em meio à floresta. O animal tem novas flechas que perfumam seu corpo, enquanto sua feição permanece plácida e altiva, com um claro sinal de resiliência.

Também pode ser feito um paralelo entre o corpo flechado do animal com uma passagem bíblica em que São Sebastião está amarrado a uma árvore e gravemente atingido por flechas.

Embora o trabalho de Frida Kahlo seja frequentemente associado ao movimento surrealista e tenha sido Exposta uma vez em show junto com pintores da vertente, a negava que fosse de fato surreal.

Na verdade, seus tecidos intrigantes expressam seu universo mais íntimo.

Leita também esse artigo que preparamos sobre um artista mexicano: As obras mais deslumbrantes de Frida Kahlo.

6. Ou carnaval de Arlequim - Joan Miro

Em 1924, Joan Miró produziu um tecido Ou carnaval de Arlequim. Uma obra e composto por muitos elementos fantásticos que estão interligados em um profusão de núcleos.

O pintor apresenta seres de várias formas e tamanhos de forma confortável divididos a cada ano por uma linha que delimita ou dá paredes. Do lado direto, vemos também uma janela, de onde é possível observar o sol e uma construção, que seria a Torre Eiffel.

Ou o arlequim aparece com um enorme bigode e corpo de viola. Outra figura que se destaca é uma espécie de robô que aparece tocando um instrumento.

O jantar representa o mundo pessoal e imaginativo O pintor, que produzia a partir de seus delírios provocados por fomentar seus momentos de maior dificuldade financeira.

7. Um caçador de estrelas - Remédios Varus

Remedios Varo foi uma mulher importante em um jantar surreal. Pintor nascido na Catalunha, na Espanha, mudou-se mais para França e tenho contato com artistas do surrealismo, sendo influenciado por eles. Posteriormente fixou residência no México e por la ficou.

Sua obra é carregada de símbolos e elementos oníricos que transitam por eles. fantasia e universo mágico.

Em Um caçador de estrelas, a partir de 1956, Remedios exibe em sua obra uma figura feminina que carrega uma gaiola com uma lua dentro. Na outra mão tem uma rede de caçadora.

Uma roupa que este personagem mostra é como um grande manto luminoso feito de cosmos e estrelas. Há uma abertura na altura do menino, sugerindo um buraco negro ou a mesma vulva.

8. A traição das imagens - René Magritte

Ou quadro A traição das imagens Eu fui pintado 1929 O cabeleireiro belga René Magritte. Nessa tela, ou artista surrealista exibe a figura de um narguilé e insere uma espécie de lenda onde é lida "Isto não é um cachimbo”.

A ideia de um pintor era deixar evidente a diferença entre representação e realidade. Para dizer que a figura do narguilé não é um narguilé, Magritte salta com a palavra e a imagem, fazendo um jogo visual de ironia.

9. O filho do homem - Rene Magritte

O filho do homem também foi pintado pelo artista René Magritte. Um pano, datado de 1964, foi inicialmente concebido como um autorretrato. Entretanto, mais tarde, o pintor incluiu outros elementos.

Uma maçã verde que paira em frente ao rosto do homem nos traçou uma atmosfera irreal e fantasiosa. Aliás, ou Cenário, por mais comum que pareça, também carrega algo sombrio.

Um detalhe pouco perceptível em um primeiro momento é o esqueleto do braço do indivíduo, que é representado tal como está localizado no litoral, como pode ser visto através do litoral.

Estas são algumas das obras icônicas de Magritte, que comentei uma vez:

Cabelo menos ela esconde ou enfrenta parcialmente. Bem, então você tem um rosto aparente, a maçã, oculto ou visível, mais oculto, ou rosto real da pessoa. É algo que acontece constantemente. Tudo o que vemos esconde outra coisa, e queremos sempre ver o que está escondido, o cabelo que vemos.

10. Abaporu - Tarsila do Amaral

Não o Brasil, ou o movimento surrealista também se manifesta, inspirando e instigando artistas brasileiros e o público. Algumas das obras com inspiração para o famoso movimento tecido modernista Abaporu, pintado por Tarsila do Amaral em 1928.

Aqui, vemos uma figura humana de proporções distorcidas em um ambiente árido e escaldante. Uma representação de mãos e pés enormes é dada, pois, um artista estava procurando valorização do trabalho braçal e a ligação do povo brasiliro com a terra.

Esta mesa é uma referência para a história da arte brasileira, sendo um ícone do Brasil.

11. As duas Fridas - Frida Kahlo

Frida Kahlo foi uma pintora mexicana que utilizou muitos elementos autobiográficos em suas obras, traçando um universo fantástico e simbólico em suas telas.

Um pano As duas Fridas, a partir de 1939, podemos notar a presença do cenário surreal. Aqui, vemos dois autorretratos do pintor. Há duas mulheres sentadas uma ao lado da outra.

Uma das “Fridas” usa um traje típico mexicano, enraizando suas raízes; Para outro, use um vestido rendado, fazendo referência à Europa e à influência que o continente exerce sobre ela.

Elas são cabelos conectados seus corações, sabendo que a "mexicana Frida" tem certeza de um pequeno retrato de Diego Rivera, seu marido, de quem ela havia se separado na ocasião.

À medida que os novos anos se fundavam, ele revelou uma atmosfera sombria e catastrófica, na qual as pernas abertas de várias mulheres enfrentam uma alusão a seus sexualidade. Atualmente, esta obra se encontra no Museu de Arte Moderna da Cidade do México.

12. Ou impossível - Maria Martins

Uma artista brasileira que voou como o surrealismo foi a escultora Maria Martins (1894-1973).

Em seu trabalho Ou impossível, terminou em 1949, ela explora a noção de desejoso e incompleto através de duas figuras que foram tocadas, mas, por suas garras, se repeliram.

A artista, apesar de não ser conhecida atualmente, foi uma mulher muito importante para a arte fora do Brasil, colaborando intensamente para a elaboração da Fundação Bienal e suas primeiras edições.

Além disso, foi rosquinha de um trabalho forte e instigante, onde questiona e revela aspectos da sexualidade feminina, entre outras questões pertinentes às mulheres.

13. Em Voluptas Mors, Philippe Halsman

Uma fotografia surrealista em questão foi uma obra conjunta de Philippe Halsman e Salvador Dalí, exibida em 1949.

Ainda na década de 1940, dois artistas iniciaram uma série de trabalhos fotográficos, quatro elementos foram organizados de forma a criar imagens inusitadas e curiosas.

Em Voluptas Mors, que se traduz para o português por “no prazer ha mrte” é uma dessas imagens, em que a figura de uma caveira macabra é formada por dois corpos de mulheres.

Dalí também aparece no jantar, exibindo uma expressão de horror como um olhar fixo. Eu tinha um grande apreço pela fotografia e inspirei outros artistas.

Um exemplo da carta do filme Ou silencie dois inocentes (1991), que mostra uma fotografia de uma mulher com um borboleta em frente à boca, dentro da borboleta vê-se uma imagem de caveira feita de mulheres nuas.

14. Uma cara de guerra - Salvador Dalí

Trabalhar Um rosto da guerra Eu fui pintado não é o fim de 1940 cabelo do artista catalão Salvador Dalí. Nessa época a Europa viveu os horrores da Segunda Guerra Mundial e a Espanha (país de origem do pintor) trouxe os frutos amargos da Guerra Civil Espanhola.

Salvador Dalí estava passando uma temporada nos Estados Unidos quando concebeu ou quadro. Nele, vemos uma figura de um cara carrancudaNo interior, existem dois narizes sérios e no interior existem caveiras, e no interior de dois orifícios dessas caveiras podemos ver mais caveiras.

Foi dessa forma que o artista conseguiu espremer a “lógica” da guerra, que produziu destruição e morrer continuamente. Ainda existem cobras ao redor do rosto, em sinal de terror e medo.

A obra pode ser vista atualmente no Museu Boijmans Van Beuningen, na Holanda.

15. Eu e Aldeia - Marc Chagall

O artista russo Marc Chagall se viu com seus tecidos que exibem imagens fantasiosas, com pessoas flutuando e outros elementos incomunicáveis ​​em um atmosfera extraordinária.

Ou mesmo foi 1911 e o manifesto surrealista só viria a ser elaborado em 1924, entretanto, Chagall já tinha produções que seguem os preceitos do movimento, como é o caso de Eu e Aldeia, que também mistura influência cubista.

Numa tela, a vida do pintor e representada de forma a misturar elementos do seu pastado Nenhum interior da Rússia, como uma cabra, que aparece no primeiro avião em uma pequena cidade desde que eu a fundei.

O homem verde representa o seu próprio artista e uma moça de ponta cabeça mostra-nos o mundo dos sonhos de Chagall.

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