Sistemul Stanislavski: ce este, caracteristici și modul în care este utilizat în actorie

Ei spun că cuvintele preferate ale lui Stanislavski către elevii săi de actorie erau „Nu te cred, nu mă convingi”. Modul său de a vedea și de a înțelege cum ar trebui să acționeze artiștii de teatru a fost solicitant, dar și meticulos. Atât de mult încât a devenit propria metodă: sistemul Stanislavski.

Abordarea sa sistematică de a acționa nu numai că a revoluționat modul în care a fost interpretată actoria Rusia din vremea sa, dar a reușit și să treacă granițele schimbând direcția teatrului occidental.

Această metodă a fost crucială în realizarea de piese de teatru, seriale și filme așa cum le cunoaștem astăzi și apoi vom afla de ce.

• Articol asociat: „Ce sunt cele 7 Arte Plastice? Un rezumat al caracteristicilor sale "

Ce este sistemul Stanislavski?

Konstantin Sergeevich Alekseyev (Moscova 1863 - 1938), mai cunoscut sub numele de Stanislavski, a fost un prolific actor rus, regizor și educator de teatru Cunoscut pentru a fi autorul uneia dintre cele mai importante metode pentru istoria artelor spectacolului: sistemul Stanislavski. Produsul multor ani de efort, metoda sa a fost menită să permită actorilor să controleze cele mai multe aspecte intangibile și comportament uman incontrolabil pe scenă, cum ar fi emoțiile și inspirația artistic.

Stanislavski a studiat ce au făcut actorii care, în mod firesc, au reușit să intre în personaj. Pe baza observațiilor și experiențelor sale, acest regizor rus a creat un sistem pe care fiecare actor, ambii începători ca veterani în profesie, s-ar putea aplica în lucrările lor realizând o mai curată, mai reală și natural. Această metodă a fost atât de revoluționară la apariția sa încât a marcat un înainte și un după în lumea actoriei, stabilirea unor standarde care delimitau linia dintre o performanță convingătoare a unui artificial și rău reprezentat.

Această metodă a fost formulată într-un moment în care artele spectacolului din patria sa, Rusia, erau caracterizate de clișeele convenționale și stereotipe. Actorii au acționat artificial, chiar histrionic. Piesele au fost scăldate într-o aură de falsă emoționalitate și puțină pregătire din partea actorilor, atât de puțin încât au aflat chiar ce aveau de spus când erau deja pe scenă. Puțin sau nimic nu a fost privit la scenarii de unde a ieșit ceea ce ar fi trebuit să memoreze.

Stanislavski a efectuat cercetări minuțioase pentru a-i face pe actori să lucreze de la început cu ceva pe care i-au perceput ca fiind real., oameni, elemente și obiecte văzute nu ca simple elemente ale unei scene, ci părți ale unei scene reale, banale, parte a vieții în sine. Oamenii nu sunt actori în viața noastră, dar noi facem parte din ei, îi trăim mai mult decât îi acționăm.

Pentru a-l face pe actor să intre pe scena pe care o reprezintă, Stanislavski apără utilizarea memoriei emoționale. Actorul sau actrița trebuie să-și amintească o experiență personală similară cu cea pe care încearcă să o reprezinte, ajutându-i să se simtă mai scufundați și implicați în ceea ce încearcă să reprezinte pe scenă. Ar trebui să cauți o situație din istoria vieții tale în care să simți o emoție similară cu cea a personajului tău.

Dar acest lucru nu se realizează doar evocând emoții sincere. De asemenea, este necesar un mic suport extern, să ne modificăm aspectul și comportamentul pentru a da viață personajului că este destinat să reprezinte sau, mai degrabă, să aducă la viață. Alcătuiește-te, îmbracă-te, umblă, pe scurt, comportă-te ca personajul de la actele fizice externe ajuta la declanșarea emoției căutate, urmând principiul că, dacă începi să plângi, ajungi să fii trist.

• S-ar putea să vă intereseze: „20 de filme despre psihologie și tulburări mintale”

Principiile sistemului Stanislavski

Sistemul Stanislavski este destul de complex și nu se poate spune că este static tocmai din cauza cât de mult a evoluat de când a fost conceptualizat la începutul secolului al XX-lea. Cu toate acestea, este posibil să se evidențieze unele dintre cele mai importante principii ale sale, care au contribuit la marcarea a înainte și după modul în care artiștii de teatru și, mai târziu, filmele și seriile le-au reprezentat personaje:

1. Concentrare asupra personajului

Actorul trebuie să răspundă la imaginațieînvățând să gândească ca personajul, concentrându-se pe a fi ceea ce joacă.

2. Simțul adevărului

Cu un sentiment al adevărului am putea spune că una dintre ideile acestei metode este de a face diferența între organic și artificial. Stanislavski credea ferm că legile naturale ar trebui respectate în artele spectacolului., care, dacă este respectat, a diferențiat o lucrare bună, naturală și armonioasă, de o rea, inventată și exagerată.

• Articol asociat: "Cele 13 tipuri de învățare: ce sunt acestea?"

3. Acționați în funcție de circumstanțele date

Actorul trebuie să fie iscusit în utilizarea și tratarea circumstanțelor date în text, dar prin intermediul adevărului și recurgând la mijloace organice. Este despre rămânând la scenariu dar eliberându-te prin reprezentarea emoționalității tale, rămânând fidel ceea ce apare în scenariu, dar făcând spectacolul să aibă personalitate și naturalețe.

• S-ar putea să vă intereseze: „Textele dramatice: ce sunt, tipuri, caracteristici și exemple”

4. Metoda fizică

Stanislavski a văzut că mulți dintre elevii săi au tensiuni emoționale profunde și probleme mentale. Prin metoda sa, el ar putea ajuta la eliminarea tensiunii fizice și emoționale de la actori, făcându-i Ei își vor relaxa mușchii în timp ce efectuează prezentările și vor acționa într-un mod mult mai eliberat.

În plus, regizorul rus a acordat o importanță extraordinară factorului fizic care nu numai că a servit relaxare, ci și scenă mai precisă. Din acest motiv, sistemul dvs. a fost cunoscut și sub numele de metoda de acțiune fizică datorită accentului său mare asupra relaxării mușchilor în timpul efectuării performanței.

• Articol asociat: „Relaxarea progresivă a lui Jacobson: utilizare, faze și efecte”

5. Domenii de atenție

Sferele de atenție sunt ceea ce a vrut să spună Stanislavski prin lucrul asupra senzațiilor. Actorul trebuie să descopere baza senzorială a operei. În sarcina ta este să înveți să memorezi și să-ți amintești senzațiile pe care le simte personajul tău, senzațiile care le modulează starea de spirit și modul lor de a se comporta cu celelalte personaje din piesă și cu public.

6. Comunicare și contact

Actorul trebuie să poată interacționa cu alte personaje într-un mod spontan, fără a încălca conținutul cărții, dar acest lucru nu pare oarecum forțat sau pregătit artificial. Comunicarea și contactul cu ceilalți actori sunt esențiale în timpul repetițiilor și al spectacolelor finale.

• S-ar putea să vă intereseze: „Cele 28 de tipuri de comunicare și caracteristicile lor”

7. Roluri segmentate pe unități și obiective

Artiștii trebuie să învețe să împartă rolul sau rolul protagoniștilor lor în unități sensibile care pot funcționa separat. Este sarcina actorului și actriței să definească fiecare unitate a rolului, simțindu-l ca pe propria dorință. mai degrabă decât să o înțelegeți ca pe o idee literară care ia naștere din libretul regizorului.

8. Creativitate în actorie și gândire

Nu poți fi actor fără să fii creativ. Creativitatea se manifestă atât într-o stare creativă a spiritului, cât și în modul de a acționa.

• Articol asociat: „Ce este creativitatea? Suntem cu toții „potențiali genii”? "

9. Lucrați cu textul scriptului

Acest principiu poate suna evident, deoarece este dificil să reprezinți o operă în mod fiabil, ignorând complet ceea ce scrie în libret. Cu toate acestea, în Rusia, la începutul secolului trecut, acest lucru nu a fost atât de considerat de la unii artiști ruși, deoarece că de multe ori s-a întâmplat ca scenariile să nu fie citite și au avut încredere că le vor spune frazele lor în timp ce acționau.

Actorul trebuie să respecte ceea ce pune în scenariu, memorând și interiorizând replicile sale, dar nu învățându-l să-l „vomă” în momentul piesei. Actorul trebuie să descopere semnificația socială, politică și artistică a textului, înțelegeți ideile pe care regizorul le-a imortalizat în scenariul piesei. În calitate de artist, actorul sau actrița trebuie să servească drept mijloc de a încredința aceste valori și viziuni publicului care a venit să vadă opera.

Importanța sistemului Stanislavski astăzi

Sistemul Stanislavski a evoluat în timp. La început, ceea ce trebuiau să facă actorii și actrițele era să găsească adevărul despre personaj, să-l trateze ca pe o entitate reală. Cu toate acestea, odată cu trecerea timpului practica de a găsi în propria sa experiență resursele care îi permit să simtă ceea ce simte personajul său a fost încorporată în orice situație.

Astăzi se înțelege că actorul nu trebuie doar să înțeleagă ce se întâmplă cu personajul său din interior lucrarea, dar, de asemenea, trebuie să cunoască situația vitală în care se află și în ce circumstanțe înconjurător. Știind acest lucru și trăindu-l în propria sa carne, actorul va putea reacționa în același mod la modul în care ar fi de așteptat ca personajul său să o facă, făcând spectacolul cât mai natural posibil.

Acest lucru a mers destul de departe, ajungând la actualul fapt că mulți artiști trăiesc în ziua lor, așa cum cred că ar fi caracterul lor. de exemplu, faptul că personajul său este un fermier care locuiește la țară, pentru că atunci actorul merge la o fermă pentru un sezon și trăiește de parcă asta ar fi profesia lui în viața reală. Pe măsură ce anii au trecut, diferite școli de interpretare au adăugat anumite practici la Sistemul Stanislavski, devenind de-a lungul timpului în ceea ce în lumea actorie este cunoscut sub numele de „the metodă".