Cele 10 curente artistice principale: care sunt acestea?

Gombrich spunea în marea sa istorie a artei că arta nu există, ci doar artiști. Într-o anumită măsură, acest lucru este complet adevărat, deoarece fiecare creator exprimă din propria sa lume, unic și netransmisibil. Cu toate acestea, nu este mai puțin adevărat că artiștii nu pot scăpa de timpul lor. Fiecare expresie artistică este, așadar, supusă unui context anume și, oricât de mult încearcă artistul să se disocieze, el rămâne supus acestuia într-o măsură mai mare sau mai mică.

În continuare, vom face un rezumat practic a care sunt principalele curente artistice din istoria artei. Acest articol este doar o schiță de bază; Să ne amintim că nimic nu este alb sau negru și că există un număr imens de nuanțe. Toate culturile și toate timpurile au exprimat arta într-un fel.

Este greu de rezumat într-un articol atât de mic caracteristicile esențiale ale tuturor, dar vom încerca să oferim o privire de ansamblu care poate fi practică atunci când vine vorba de înțelegerea evoluției artei prin istorie. Ca un punct, spune asta

Ne-am concentrat articolul pe arta occidentală, deoarece este complet imposibil de rezumat expresia artistică universală într-un spațiu atât de mic.. Sperăm că vă este de folos.

• Vă recomandăm să citiți: „De ce a fost creată arta? O călătorie prin istorie"

Ce este un curent artistic?

Curentele artistice (cunoscute și sub denumirea de mișcări artistice) sunt ansamblul creațiilor care împărtășesc context și o serie de caracteristici estetice, precum și obiective ideologice determinat. Urmând această definiție, am putea numi și curent artistic arta creată de marile culturi antice, precum Egiptul, Grecia sau Mesopotamia.

Cu toate acestea, acest lucru nu este în întregime corect. În civilizațiile menționate mai sus nu exista altă posibilitate de creație; a fost expresia autentică a culturii în ansamblu, așa că este oarecum riscant să o numim un flux artistic. Prin urmare, vom începe călătoria noastră din ultimele secole ale Evului Mediu, când diferiți mișcările culturale încep să se succedă rapid pentru a culmina cu mozaicul de stiluri care a avut loc în secolul al XIX-lea. iar în al XX-lea

1. romanicul

Romanicul este poate primul stil pe deplin european, cu unele caracteristici globale foarte specifice.. Și, deși este adevărat că nu a fost un stil la fel de omogen ca alte tendințe ulterioare, precum baroc sau Romantismul, este adevărat că în toate latitudinile Europei împărtășește o serie de elemente care îl fac mai mult sau mai puțin un stil compact.

Romanicul a apărut în jurul secolelor al XI-lea și al XII-lea în Burgundia; mai exact, în mănăstirea de la Cluny. De acolo s-a răspândit în restul Europei, unde fiecare teritoriu l-a scăldat cu propriile caracteristici. Nu putem face o analiză completă a ceea ce este romanicul, dar putem rezuma că, arhitectural, include elemente de construcție romană (de unde și nume care i-a fost dat în secolul al XIX-lea) și că bazele sale sunt arcul în semicerc, bolta de butoi și bolta înclinată, printre multe alte elemente constructiv.

Romanicul arhitectural se supune nevoii de unificare a liturghiei în Europa și apariției așa-ziselor biserici de pelerinaj, cu o structură foarte specifică. În clădirile romanice, sculptura este de obicei subordonată arhitecturii și găsim o mai mare abundență de decorațiuni sculpturale pe timpane și pe arhivoltele ușilor..

Pe de altă parte, pictura romanică se bazează pe icoanele bizantine venite din Orient odată cu cruciadele, precum și pe miniaturi mozarabe. Sunt tablouri hieratice, foarte nerealiste, al căror obiectiv principal era să transmită un mesaj, nu să copieze realitatea. Din acest motiv, în spațiile picturale romanice nu există nici perspectivă, nici volum, iar elementele pământești sunt amestecate cu raiul și iadul, despărțite corespunzător de dungi de culori strălucitoare.

2. cel gotic

Următorul stil complet european a fost gotic. Mai ales uniformă a fost așa-numitul Gotic Internațional, care s-a dezvoltat în secolul al XIV-lea și a recuperat fundalurile aurii bizantine cu figuri stilizate ideal. În gotic, reprezentările încep să fie impregnate de realitate, iar figurile tind să devină mai umane. Este vremea orașelor, a agitației comerțului, a marilor catedrale. Fecioarele gotice încep să fie adevărate mame, departe de Fecioarele Maicii Domnului sau Fecioarele tronului, hieratice, care nu interacționau cu Pruncul. Pe de altă parte, Răstigniții, atât picturali, cât și sculpturali, se naturalizează și încep să manifeste durere.

Cel mai caracteristic element al goticului sunt, desigur, catedralele. Limbajul arhitectural al acestor clădiri este foarte nou; Cu toate acestea, Giorgio Vasari, în secolul al XVI-lea, a descris aceste construcții drept „barbare” (gotice). Proliferează contraforturile și contraforturile zburătoare, menite să dea stabilitate unei clădiri din ce în ce mai înalte, cu mai multe deschideri (minunoasele vitralii gotice). Este important de reținut că, la fel ca și în stil romanic, clădirile gotice au fost complet policromă, fapt ce concretizează marea dragoste pe care o simțea Evul Mediu pentru tonurile cromatice aprins.

3. Renasterea

Deși cultura clasică nu a fost uitată în Evul Mediu, ea este în perioada Renașterii recupera în mod conștient preceptele clasice, precum tratatele de arhitectură ale romanului Vitruvius (sec. I). In absenta. c.). Tot în această perioadă este intelectualizat artistul, care începe să fie văzut ca ceva mai mult decât un simplu meșter.

Renașterea începe la Florența la începutul secolului al XV-lea, cu lucrări precum ușile Baptisteriului sau magnifica cupolă pe care Brunelleschi l-a proiectat pentru catedrală., al cărui diametru nu fusese atins de la construirea Panteonului în secolul I d.Hr. c. Arhitecții caută inspirație în construcțiile din antichitate, în timp ce pictorii, în absența modele (Pompeii și Herculaneum nu fuseseră încă descoperite) sunt inspirate din frescele care decorează Domus Aurea în Nero.

Cu toate acestea, cea mai importantă inovație a Renașterii a fost perspectiva matematică, codificată de Leon Battista Alberti (1404-1472) în tratatul său De pictura, pentru care s-a bazat pe ideile lui Brunelleschi. De atunci, pictura va căuta să fie o fereastră deschisă către lume, în care perspectiva se realizează printr-un singur punct de fuga în care toate liniile converg.

4. Stil baroc

În ultimii ani ai secolului al XVI-lea, Renașterea este complet epuizată și, în schimb, Apare manierismul, care în pictură se caracterizează printr-o alungire și o stilizare a cifre. Dar la începutul secolului următor o nouă tendință estetică a început să preia Europa contrareformei: baroc.

Se poate spune că barocul este copilul Contrareformei Bisericii Catolice, care avea nevoie de un vehicul de exprimare pentru credința sa.. Obiectivul a fost să-i țină pe credincioși în Biserica Romană și să-i împiedice să migreze la luteranism. Limbajul baroc este, deci, o reflectare a acestei voințe; În pictură, emoția este promovată prin reprezentarea suferinței. Legendele bizare ale sfinților, împotriva cărora au predicat protestanții, sunt eliminate și figurile sacre sunt reprezentate cu atributele lor. Religia este coborâtă la popor, iar în scenele cotidiene apar personaje biblice, ale căror modele sunt preluate direct din realitate.

În arhitectură, se poate spune că barocul este încă foarte clasicist, mai ales în Franța. Palatul Versailles este un exemplu excelent al acestui clasicism francez elegant. Pe de altă parte, și așa cum se întâmplă de obicei în toate stilurile, fiecare teritoriu dă naștere unui baroc diferit: în Provinciile Unite, de exemplu, unde nu există iar la Biserica Catolică și unde patronii sunt burghezii orașelor, se dezvoltă un tablou intim, al cărui reprezentant maxim este Johannes Vermeer.

5. rococo

Tratat greșit ca o extensie a barocului, rococo este o expresie autentică a primei jumătăți a secolului al XVIII-lea, epoca iluminismului. Mână în mână cu filozofii luminați, acest stil celebrează dulceața vieții, intimitatea, confortul casei și tot ceea ce este frumos în viața de zi cu zi.

De aceea motivele rococo sunt vesele, festive, deloc dramatice: scene pastorale, bucolice, mascate, galante, cochete etc. Intr-un cuvant: rococo este bucuria de a trăi, bucuria de a trăi, a claselor înstărite ale Vechiului Regim.

6. Neoclasicismul

În multe privințe, neoclasicismul marchează o ruptură cu rococo. Apărând și în Franța, ca și predecesorul său, acest curent estetic este expresia perfectă pentru noua Republică Franceză: un stil sobru, auster, armonios și republican. Neoclasicismul este inspirat, desigur, din arta clasică. În pictură, el are o preferință pentru temele grandioase și solemne, care servesc drept model de virtute pentru popor; mari exemple în acest sens sunt pânzele lui Jacques-Louis David (1748-1825), marele pictor neoclasic. Pe de altă parte, arhitectura neoclasică este practic o imitație a templelor antice grecești și romane; nu trebuie decât să contemplați Biserica Madeleine din Paris pentru a realiza acest lucru.

Stilul neoclasic și-a trăit apogeul în timpul erei napoleoniene, deoarece estetica sa romană și marțială se potrivea foarte bine imperiului pe care Marele Corsican îl crease.. După căderea lui Napoleon, formele neoclasice au devenit învechite și, în ciuda faptului că estetica lor a rămas foarte vie (mai ales, în arhitectura) pe tot parcursul secolului al XIX-lea, în primele decenii ale secolului primele expresii ale Romantism.

7. Romantismul

În istoria artei este obișnuit ca un stil să se nască parțial ca răspuns la stilul anterior. Și, deși nimic nu este alb sau negru și există multe nuanțe în această afirmație, găsim dovezi în acest sens în cazuri precum nașterea Romantismului. În timp ce neoclasicismul a fost o apoteoză a republicanului, mai întâi, și a imperiului roman, mai târziu, cu toate disciplina pe care aceasta o presupune, Romantismul s-a născut ca o justificare a subiectivității umane și, deci, a individual. Arta nu va mai fi văzută niciodată, cel puțin exclusiv, ca ceva supus puterii; artistul este cel care creează, eul său este cel care dă naștere expresiei artistice. Creatorul autentic este împotriva Academiei și a tuturor normelor corsetate care sugrumă arta.

Toate curentele ulterioare care exaltă individualismul creativ beau din romantism: prerafaeliștii, simboliștii, expresioniștii și, bineînțeles, suprarealiştii.. În cazul celor din urmă, ei explorează adâncurile psihicului uman până la limită, ceva ce romantice cu o sută de ani înainte când reprezentau lumi de vis, groaznice, pline de spectre, morminte și imagini rod ale delir. Pe de altă parte, curentul romantic acordă o mare importanță patriei și națiunii, atâta timp cât este constituită din indivizi care decid și tinde să idealizeze trecutul națiunilor și să-l transforme în legendă.

8. realism și naturalism

În jurul anului 1850, romantismul începe să expire. Este vremea pozitivismului, a progreselor tehnologice, a celei de-a doua revoluții industriale. În orașe, fabricile cresc și se înmulțesc oamenii mizerabili care trăiesc în condiții subumane. Atunci arta începe să uite de lumile ideale proclamate de romantici și devine interesată de problemele și conflictele sociale.

Atât în ​​artele plastice, cât și în literatură, tema recurentă este denunțul social. Muncitori înfometați care părăsesc fabricile ca niște fantome; copii zdrențuiți și murdari; prostituate, cerșetori, spălători, tineri fără viitor. Realismul este dedicat, deci, realității sociale..

Mai târziu, interesul crescând pentru psihologie face ca curentul realist să evolueze spre naturalism, care duce obiectivitatea și observația la limită. Artistul naturalist, care în literatură este magnific reprezentat de Émile Zola (1840-1902), vede realitatea ca un laborator de cercetare, în care creaturile acționează pe baza stimulilor jumătate. În această artă înalt științifică, nu există așadar loc pentru subiectivitate, cu atât mai puțin pentru frumusețea însăși.

9. Curentele estetismului

Ca răspuns la această artă devenită știință și care ignoră frumusețea lumii, au apărut la sfârșitul secolului al XIX-lea o serie de curente care au proclamat arta de dragul artei. Este cazul frăției prerafaelite, al decadenței, al parnasianismului, al simbolismului și al Artului Noveau, mai cunoscut în țările hispanice sub numele de Modernism.

Nu putem vorbi despre toate aceste curente aici, dar putem sublinia ce au în comun: o aversiune puternică față de pozitivism, față de progresul tehnologic, față de fabrici, față de progresul științific ca un castrator al frumuseții. Prin urmare, toate aceste curente estetice vor dori să revină la artă ca creator exclusiv al frumosului.

10. avangarda

Din nou, nu putem vorbi despre toate avangardele care au proliferat în ultimii ani ai secolului al XIX-lea și primele decenii ale secolului al XX-lea, dar vom încerca măcar să le denumim. Avangardele oficiale apar la începutul secolului al XX-lea. Primul dintre acestea este considerat a fi fauvismul, un curent care a apreciat culoarea ca mijloc de exprimare subiectivă, nu ca imitator al realității. După Fauves, care au ținut prima lor expoziție în 1905, avangarda s-a succedat atât de repede încât unele s-au suprapus: expresionismul, futurismul, cubismul, dadaismul, suprarealismul...

Avangarda este principala caracteristică a artei secolului XX. Sunt o serie de mișcări care vin împotriva normelor stabilite, grupuri de artiști cu caracteristici cele comune care se reunesc pentru a forma un fel de școală picturală, de obicei cu un manifest ideologic de bază. În prezent, trăim într-o nouă eră a individualității care face curente artistice estompează și fragmentează într-o mie de bucăți, așa că cu greu putem vorbi despre curenți, ci despre artiștilor. Dar poate, în adâncul sufletului (și așa cum spunea Gombrich) nu a fost întotdeauna așa?