Școala din Paris și 5 dintre cei mai importanți artiști ai săi

Ei sunt cunoscuți ca „școala din Paris”, dar, în realitate, nu au format nicio școală. Acest nume include mai mulți artiști care și-au creat opera la Paris între războaie și care au fost legați de diferite mișcări.. Nu reprezintă niciun grup coeziv și nici măcar nu au urmat linii artistice similare; Fiecare dintre ei a fost un creator liber și pasionat, adesea devotat atmosferei boemismului parizian. În articolul de astăzi vorbim despre celebra „școală din Paris” și despre 6 dintre cei mai importanți artiști ai săi.

• Vă recomandăm să citiți: „Cum era ideea timpului în Evul Mediu?”

Ce este „școala din Paris”?

„Școala de la Paris” se referă la un grup eterogen de artiști (pictori, sculptori, designeri etc.) care a trăit la Paris între războaie, adică de la Primul Război Mondial până la începutul anului Al doilea. Mai exact, durata școlii este de obicei limitată între anii 1915 și 1940, anii care marchează marea tragedie a războaielor.

Majoritatea acestor artiști se cunoșteau, mulți dintre ei fiind imigranți ajunși în capitala Franței la începutul secolului XX care s-au ajutat și s-au sprijinit reciproc. Anii 1905 și 1906 sunt de obicei obișnuiți pentru sosirile lor; Sunt ani cheie în care atracția pe care o implică efervescența culturală a orașului nu pleacă indiferenți față de o multitudine de tineri europeni, profund interesați de cele mai furioase evenimente actuale din lume De arta.

Majoritatea acestor tineri provin din Europa de Est, dar își vor petrece cea mai mare parte a vieții în Franța, țara gazdă. Dar Ce au în comun toți acești artiști ai școlii din Paris? Nimic, decât dacă este dragostea lui pentru artă, pentru viața boemă și coincidența în timp și spațiu.. Fiecare își urmează propriul stil și aderă la o mișcare, așa că numele școală este de fapt ceva destul de imprecis.

Artiști importanți în Parisul interbelic

Mulți dintre acești artiști sunt nume nemuritoare. Amedeo Modigliani, Jules Pascin, Chaïm Soutine, Robert și Sonia Delaunay, Olga Sacharoff... și, desigur, genialul Pablo Picasso, care, în mod curios, nu este de obicei inclus în listă, în ciuda faptului că s-a mutat prin Paris în același timp cu el. însoțitori. Poate că motivul se găsește în faptul că, atunci când alții începeau să-și facă un loc în lume Lumea artistică a capitalei franceze, Picasso, Braque și Matisse erau deja adevărați monștri la rândul lor stiluri.

La începutul secolului al XX-lea, Parisul a apărut ca unul dintre cele mai mari centre de creație din Europa.. Multitudinea de galerii și numeroșii dealeri și colecționari au atras artiști aspiranți, așa că în anii dinaintea În timpul Primului Război Mondial, tinerii din întreaga lume au început să converge în Orașul Luminii cu o dorință comună: să reușească în lumea artei.

Munca lui este adesea retrogradată pe o poziție secundară. Mulți dintre ei au devenit celebri în viața de noapte pariziană și au fost implicați în episoade tulburi legate de alcool, prostituate și droguri. Ceea ce este cunoscut în mod obișnuit ca „viață boemă”, desigur. Și Parisul interbelic a avut multe din toate astea.

În continuare, vă aducem 6 artiști care de obicei se adaugă la lista de pictori ai școlii din Paris, toți având un caracter creativ foarte diferit dar au primit, fără îndoială, o oarecare influență reciprocă. Să vedem.

1. Amedeo Modigliani, „blestemul”

Pentru a onora adevărul, italianul împărtășește epitetul cu alți colegi, inclusiv Ei, Chaïm Soutine și Jules Pascin, copii teribili autentici ai boemiei pariziene din interbelice. Cu toate acestea, porecla i se potrivește deosebit de bine lui Modigliani, deoarece coincide cu pronunția franceză a diminutivului său, așa cum îl cunoșteau prietenii apropiați: Modì, (maudit, blestemat).

Născut la Livorno în 1884, Modigliani a sosit la Paris în 1906, tocmai când noul secol abia începea și în timp ce orașul vibrant era plin de bucurie și bucurie de a trăi.. Este vremea Belle Époque, iar capitala Franței oferă o atracție incontestabilă pentru tinerii europeni care vor să fie cineva în lumea artei.

La început, Modigliani a vrut să fie sculptor, dar materialul era prea scump pentru buzunarele lui sărace. În plus, tuberculoza de care a suferit încă de la o vârstă fragedă îl face deosebit de susceptibil la praful de marmură. Abandonat de ideea de a se dedica sculpturii, Amedeo a decis să urmeze calea picturii, fațetă în care va începe să iasă în evidență la sfârșitul vieții, perioada sa cea mai productivă. Cu stilul său inconfundabil, inspirat de statuetele și măștile tribale (pe care le-a contemplat și admirat în Muzeul Bărbaților), a realizat o serie de portrete excelente, printre care se remarcă cele ale Jeannei Hébuterne (1898-1920), ultima sa muză și ultima sa mare dragoste.

Dincolo de opera sa, Modigliani a intrat în imaginația populară pentru existența sa accidentată, inundată de alcool, sex și hașiș. Moartea sa prematură, la doar 35 de ani, a întrerupt o carieră promițătoare care începea să descopere chiar atunci.. Jeanne Hébuterne, care era și pictor, s-a sinucis o zi mai târziu.

2. Chaïm Soutine, pictorul cărnii

Nu ne referim la „carne” în sensul poftitor al cuvântului, ci în cel mai prozaic sens pe care ți-l poți imagina. Și, în ciuda faptului că a cultivat alte genuri, Soutine este renumit pentru naturile sale moarte, alcătuite din exclusiv pentru bucăți de carne de vită și pui, pe care pictorul le căuta cu nerăbdare în piețele și măcelăriile din Paris.

Un bun exemplu al fascinației sale ciudate pentru rămășițele cărnoase este pictura sa bou jupuit, unde rămășițele animalului abia se văd printre încurcătura de pensule libere. Apropo, se pare că pictorul a ținut carnea în atelierul său atât de mult timp încât a început să miroasă puternic și a alertat întregul cartier.

Soutine dorea să fie pictor, dar dorința lui, într-o familie evreiască ortodoxă rusă unde orice reprezentare era interzisă, a fost greu de concretizat. Tatăl său, desigur, nu a aprobat visul său, așa că tânărul Chaïm a fost nevoit să emigreze la Minsk, la doar șaisprezece ani, pentru a studia artele plastice și a începe să-și construiască cariera de artist.

După terminarea studiilor, care l-au dus și la Vilnius, în 1913 a ajuns în Parisul efervescent, unde s-a stabilit la Montparnasse și s-a împrietenit cu celălalt „blestemat”, Amedeo Modigliani. Opera lui Soutine, de expresionism marcat, a devenit destul de celebră în anii 1920, iar în 1937 am găsit câteva dintre lucrările sale la Expoziția Artiștilor Independenți..

Invazia nazistă a Parisului și al Doilea Război Mondial îl umplu de îngrijorare, pentru că să ne amintim că Soutine este evreu. Confruntat cu o astfel de amenințare, pictorul decide să fugă și să părăsească orașul gazdă. Se stabilește într-un orășel de lângă Tours, unde încearcă să treacă neobservat, dar angoasa avansului nazist îl ține în suspans și îi scade considerabil sănătatea. În 1943, a fost operat de un ulcer perforat și a murit în timpul operației.

3. Robert și Sonia Delaunay, forța culorii

Căsătoria formată de francezul Robert Delaunay (1885-1941) și ucraineana Sarah Sophie (Sonia) Stern (1885-1979) nu a constituit doar o uniune solidă bazată pe iubire și complicitate absolută, dar a reprezentat și unul dintre cele mai eficiente tandemuri din istoria artă. Și amândoi s-au dedicat complet artei și au fost doi dintre marii sponsori ai abstractionismului și juxtapunerii culorilor..

Robert a creat termenul simultaneismul pentru a face referire tocmai la faptul de a aplica mici tonuri juxtapuse care, impreuna, vor forma o armonie de culori pentru ochiul uman. Această idee este strâns legată de abstractionismul pur (cum ar fi cel promulgat de Kandinsky), în care culorile „dansează” pe pânză ca în ritmul muzicii perfecte.

Sonia și Robert s-au cunoscut prin Wilhelm Uhde, în a cărui galerie expusese pentru prima dată în 1908. Tânărul imigrant ucrainean se căsătorise cu Uhde de conveniență pentru a evita întoarcerea în Rusia (rețineți că, în acei ani, Ucraina aparținea Imperiului Rus). Cu toate acestea, îndrăgostirea ei pentru Robert a fost instantanee, iar în 1910 Sonia a divorțat de Uhde pentru a se căsători cu Delaunay..

Sonia Delaunay nu a fost doar pictoriță, ci s-a dedicat cu aceeași pasiune designului de obiecte, toate realizate cu culori vesele, și chiar și designului de afișe publicitare. Artista a fost foarte clar, de când a văzut opera fauvistei Matisse, că vehiculul ei de expresie va fi întotdeauna culoarea. Prin el, atât ea, cât și soțul ei au creat lucrări strălucitoare, vii, care au influențat profund dezvoltarea artei abstracte. Soții Delaunay sunt, fără îndoială, un cuplu cheie în panorama artistică a secolului XX.

4. Jules Pascin, celălalt „dracu”

Ernest Hemingway l-a portretizat într-unul dintre capitolele Paris Was a Party, lucrarea pe care a dedicat-o vieții boeme pariziene dintre războaie. Numele capitolului este destul de elocvent: Cu Pascin în Dôme. Scriitorul povestește o noapte la celebra cafenea Montparnasse, unde îl vede pe Jules Pascin plecând la brațul a două modele.

Iar figura artistului era binecunoscută în suburbiile pariziene. Îmbrăcat cu pălăria lui melon inseparabilă, era cunoscut drept „Prințul de Montparnasse”., rivalizând cu faima sa cu însuși Modigliani, cu care, apropo, împărtășea și epitetul: „blestemat”.

Născut în Bulgaria și locuit la Paris din 1905, Pascin, pe numele real Julius Mordecai Pincas, a încercat foarte devreme câștigă un loc în lumea artistică prin desenele și acuarelele sale magnifice, care înfățișau de obicei figuri feminin. Unul dintre modelele sale a fost iubita și mai târziu soția sa, Hermine David, cu care avea să împartă un acoperiș și o viață din 1907.

Cu toate acestea, chinuitul și nelinistitul Pascin se simțea nesigur în privința talentului său. Alcoolul a fost un însoțitor obișnuit al existenței sale, iar stările depresive erau frecvente. Pe 2 iunie 1930, în ajunul vernisajului unei expoziții personale promițătoare, Pascin și-a tăiat încheieturile și s-a spânzurat în atelierul său din Montmartre..

5. Olga Sacharoff, avangarda catalană

În realitate, a fost catalană prin adopție, fiind născută la Tbilisi în 1889. Artista georgiană a avut însă întotdeauna o legătură specială cu Catalonia, unde s-a stabilit definitiv după încheierea Războiului Civil și unde a murit în 1967. Dragostea lui pentru pământul gazdă se reflectă în numeroasele picturi pe care le-a realizat despre folclorul catalan, o reprezentare în cel mai pur stil naiv a tradițiilor pământului..

Dar înainte de Spania, pictorul se stabilise la Paris, destinația artistică prin excelență a primelor decenii ale secolului XX. Anul este 1911, iar Olga aterizează în capitala Franței după un scurt sejur la München, unde se întâlnește cu expresionismul german și, de asemenea, pe fotograful Otto Lloyd, care ulterior i-a devenit soț. Este la Paris unde Olga intră în contact cu avangarda, de care este absolut fascinată; mai ales, cu cubismul sintetic, pe care l-a urmat stilistic în primii ani.

După izbucnirea Primului Război Mondial, și similar cu Robert și Sonia Delaunay, Olga și soțul ei caută refugiu în Spania, care a fost neutră în conflict. Îndrăgostirea de Barcelona este instantanee și, după o a doua ședere la Paris (unde merg când izbucnește războiul civil spaniol), Olga și Otto se întorc la Barcelona. Casa cuplului devine un centru de adunări pline de viață în Barcelona, ​​un loc pe care artistul nu l-ar mai părăsi niciodată..