Abstracționism: descoperă cele mai cunoscute 11 lucrări

Sau Abstracționismul sau arta abstractă este o mișcare care reunește producții destul de diverse, care merg de la desene non-figurative la țesături executate din compoziții geometrice.

Cu intenția de a face lucrări abstracte și de a arăta forme, culori și texturi, dezvăluind elemente care nu se împacă și stimulează o lectură a lumii dintr-un tip de artă care nu este obiectivă.

1. Amarelo-Vermelho-Bluede Wassily Kandinsky

O pânză, datată 1925, articolul fără titlu os nomes das cores primárias. Wassily Kandinsky (1866) a fost vopsit în păr rus (1866) și se află în prezent în Muzeul Național de Artă Modernă, Centrul Georges Pompidou, din Paris (Franța).

Kandinsky este considerat sau un precursor al stilului abstract și a fost un artist strâns legat de muzică, atât de mult încât a făcut parte din compozițiile sale abstracte, precum Amarelo-Vermelho-Blue, foram creat din relația dintre muzică, ca nuclee și forme.

O pânză de dimensiuni mari (127 cm pe 200 cm) are diferite forme geometrice (cum ar fi cercuri, dreptunghiuri și triunghiuri) executate, suprasolicitate, în nuclee primare. Scopul artistului a fost de a atrage atenția asupra efectelor psihologice care sunt nucleele și formele care exercită pessoas.

În ceea ce privește problema, Kandinsky a afirmat la înălțime:

„A cor é um meio pentru a exercita o influență directă asupra sufletului. A cor é a key; sau olho, sau ciocănește-l. Sufletului sau instrumentului îi dai o mie de corzi. Sau artistul este al meu care, atunci când cântă pe această sau pe acea cheie, capătă sufletul doar cu vibração. Un suflet uman, atins, nu este cel mai sensibil punct, răspunde el. "

2. Numărul 5de Jackson Pollock

A îmbrăca Numărul 5 Am fost crescut în 1948 de pictorul nord-american Jackson Pollock, care nu în anul precedent a început să exploreze un mod complet nou de a-și compara lucrările.

Metoda sa a constat în turnarea cernelii emailate pe o cârpă pătată plasată în atelierul său. Această tehnică a permis crearea unui emaranhado de linhas, iar mai târziu ganhou sau nome de „tablouri prin picurare” (ou picurând, în engleză) Pollock a fost două nume majore pentru abstracționism.

Din 1940, pictorul tinha reconhecimento dă critici și publicului. A îmbrăca Numărul 5, feita not apex da sua carreira, e imensa, possui 2.4 m by 1.2 m.

Lucrarea a fost vândută unui colecționar privat în mai 2006 pentru 140 de mii de dolari, depășind un record al prețului pentru acea vreme - în acest moment fusese cea mai recentă plată din istorie.

3. Insula Dulcamarade Paul Klee

În 1938, sau germanul său naturalizat Paul Klee a pictat șapte tablouri mari în format orizontal. Insula Dulcamara e um desses painéis.

Toate lucrările sunt conturate cu carvão pe salariu, pe care Klee le colou pe remorcare sau linho, obținând astfel o suprafață netedă și diferențiată. În diferite părți, două dureri și posibile secțiuni ale salariului utilizat, o surpriză plăcută și neașteptată legată de a lui Klee.

Insula Dulcamara este încă două lucrări vesele ale pictorului, cu accesoriile sale gratuite, împrăștiate și cu o formă definită. Titlul lucrării este în latină și înseamnă „insula” (ilha), „dulcis” (doisprezece, amavel) și „amarus” (amar), și poate fi interpretat ca „Ilha doce e amarga”.

O țesătură a fost crescută în ultimii ani ai vieții sale și, în ceea ce privește, Klee a dat o următoare afirmație:

„Nu ar trebui să ne așteptăm să ne vedem implicați, nu cu elemente mai indigestibile; Trebuie doar să sperăm că lucrurile mai dificile de asimilat să nu deranjeze sau să echilibreze. În acest fel, viața este, cu certitudine, mai copleșitoare decât o viață burgheză foarte ordonată. Și fiecare um é livre, după gesturile tale, către sau însoți între sau doisprezece și sau a lăsat doi pratos da balança. "

4. Compoziție cu Amarelo, Azul e Vermelhode Piet Mondrian

Compoziție cu Amarelo, Azul e Vermelho A fost pictat inițial la Paris, între 1937 și 1938, dar a ajuns să fie dezvoltat la New York între 1940 și 1942, când Mondrian a repoziționat unele dintre liniile frumoase și accentele altora. O lucrare nu a găsit, din 1964, nicio colecție de Tate St Ives (Cornwall, Anglia).

Sau interesul lui Mondrian era calitatea abstractă. Embora și-a început cariera cu lucrări figurative, ca un timp care trece sau ca un pictor care investește în abstracționism și, în 1914, a radicalizat și practic a eliminat curbele operei sale.

O pictor francez a dezvoltat o nouă formă de abstracție riguroasă chamada neoplasticism, care era limitată la linii de linii, orizonturi și verticale și nuclee primare de bază. În general, compozițiile lor nu erau simetrice. Uma curiosidade: deoarece linhas horizontais a fost pictat în general înainte de zilele verticale.

Mondrian a considerat că acest tip specific de artă reflectă un adevăr mai mare și universal decât precedă pictura figurativă.

5. Compoziție suprematistă, Kazimir Malevich

Assim ca Mondrian sau pictorul sovietic Kazimir Malevich au creat o nouă formă de artă. SAU Suprematism născut în Rusia între 1915 și 1916. La fel ca și colegii săi abstracționisti, cea mai mare dorință a lui era de a nega prezența fizică a tuturor obiectelor. Ideea a fost de a atinge puritatea sau, după cum a afirmat chiar crescătorul, „supremația dă senzație pură”.

Assim, a creat o lucrare abstractă Compoziție suprematistă în 1916, care prezintă caracteristicile esențiale ale noului stil. Această lucrare are dimensiuni de 88,5 cm × 71 cm și face parte dintr-o colecție privată.

O tehnică se caracterizează prin utilizarea unor forme geometrice simple și preferința pentru o paletă de De asemenea, nuclee simple, primare și secundare, uneori suprapuse, altele poziționate una lângă alta. latură. O întemeiată este mereu branco nas criações de Malevich, reprezentând o vazio.

6. O ouro do firmamentde Joan Miró

O espanhol Joan Miró a fost un artist angajat să extragă semnificații grandioase din forme simple, care depind în mare parte de imaginația și interpretarea observatorului.

Acesta este cazul O ouro do firmament, imagine realizată în 1967 cu tehnica acrilică pe pânză și că pagina aparține colecției Fundação Joan MIró, din Barcelona.

Compoziția Nessa, vedem predominanța galbenului, un curent legat de bucurie, care învăluie toate formele.

Există o masă mare decolorată cu albastru, care are loc de proeminență, deoarece restul formelor și liniilor par să curgă în Domnul.

O lucrare este considerată o sinteză a procesului creativ al lui Miró, care a fost dedicat atât investigării spontane, cât și creării de forme precise în pictură.

7. Sticlă de rom și ziarde Juan Gris

Pictată între 1913 și 1914 de cubistul spaniol Juan Gris, sau lucrată cu cerneală pe ulei pe pânză, aparține în prezent colecției Tate Modern (Londra). Griul a folosit adesea suprapuneri plate, texturate, și Sticlă de rom și ziar Acesta este un exemplu prețios al tehnicii sale.

Sau imagine, pe care o oferiți celor mai reprezentative lucrări, încărcați o imagine din planuri unghiulare în intersecție. Multe dintre ele sunt întinderi de lemn din trecut, poate sugestive pentru o masă, ilustrează modul în care se suprapun și se interconectează, negând orice posibilitate de perspectivă legată de real.

O sticlă sau un jurnal al titlului sunt indicate cu un minim de indicii: unele litere, un contur și o sugestie de locație sunt suficiente pentru a paria pe identitatea a două obiecte. Sau pătratul are dimensiuni relativ mici (46 cm pe 37 cm).

8. Negru în roșu intensde Mark Rothko

Considerat o pictură tragică datorită nucleelor ​​suas fortes e funebres, Negru în roșu intensCrescut în 1957, el este două picturi ale succesiunii ulterioare a pictorului nord-american Mark Rothko. De când a început să picteze, în anii 1950, Rothko almejava a atins universalitatea, în fiecare an a găsit o formă tot mai simplificată.

Negru în roșu intens Formatul caracteristic urmează două lucrări ale artistului, nu pe care dreptunghiurile monocromatice par să plutească în cadrul a două limite ale cvadru.

Colorarea directă a pânzei cu multe straturi fine de pigment și acordarea unei atenții deosebite marginilor în care câmpurile de interacțiune sau pictorul au ajuns sau efectul dă lumină radiantă din imaginea în sine.

Lucrarea aparține în prezent unei colecții private care a fost vândută în 2000 pentru o sumă uimitoare de peste trei mii de dolari.

9. Concetto spaziale 'Attesa'de Lúcio Fontana

O pânză crește pe fața unei părți a unei serii de lucrări pe care pictorul argentinian Lúcio Fontana le-a produs la Milano între 1958 și 1968. Aceste lucrări, care constau din țesături tăiate de una sau mai multe ori, sunt denumite în mod colectiv sub formă de Tagli („tăieturi”).

Considerate în ansamblu, são sau mais, un grup extins și variat de lucrări ale lui Fontana și trec să fie văzute ca fiind emblematice pentru estetica lor. Sau scopul doi furos este, literalmente, să spargă suprafața operei, astfel încât spectatorul să poată percepe sau spațiul care este além.

Lúcio Fontana a început să dezvolte tehnica parfumării țesăturilor din anii 1940. Un artist plastic permanent, noi anii 1950 și 1960, căutăm diferite modalități de a desface buracos ca gestul său caracteristic.

Chipul fontanei ca fendas cu o foaie atașată la țesături poreclită ulterior cu privirea preta forte, dând aspectul unui vazio din spate. În 1968, Fontana a împărtășit unui intervievator:

"Eu a creat o dimensiune infinită (...) minha descoperită foi o buraco e é isso. Fico fericit să meargă la movila funerară a unei astfel de descoperiri "

10. Contracompoziție VIde Theo van Doesburg

Artistul olandez Theo van Doesburg (1883–1931) a pictat o lucrare până în anul 1925, în format pătrat, folosind cerneală pe ulei pe o pânză.

Deoarece formele geometrice și simetrice sunt aranjate cu precauție, înainte de a fi acoperite cu cerneală, liniile sunt trasate împreună ca a priori caneta.Contracompoziție VI Fața face parte dintr-o colecție care preferă în special o formă diagonală și tone monocromatice.

Pe lângă faptul că este pictor, van Doesburg este și scriitor, poet și arhitect și este înrudit cu grupul de artiști De Stijl. Sau muncă Contracompoziție VI, 50 cm pe 50 cm, a fost achiziționată în 1982 de Tate Modern (Londra).

11. Meta-schemăde Hélio Oiticica

Artistul plastic brazilian Hélio Oiticica numește diverse lucrări realizate între 1957 și 1958 din meta-scheme. Se ocupă de picturi care poartă dreptunghiuri înclinate pictate cu cerneală de guașă pe un cartão.

Există forme geometrice cu mulaje de o singură culoare (fie carcasă, fie vermelho), aplicate direct pe o suprafață netedă și aparent goală. Formele sunt organizate în compoziții dense care sunt asamblate la grade înclinate.

Oiticica a produs essa o serie de tablouri când a trăit și a lucrat în Rio de Janeiro. Al doilea pictor sau propriu, a fost tratat ca o „disecție obsesivă a spațiului”.

Foram sau pontapé de cercetare inițială pentru lucrări tridimensionale mai complexe pe care artistul nu le-ar dezvolta în viitor. În 2010, um Meta-schemă A fost vândut la Christie's pentru 122,5 mii USD.

Sau ce a fost sau Abstracționism?

Din punct de vedere istoric, lucrările abstracte au început să fie dezvoltate în Europa nu la începutul secolului al XX-lea, nu în contextul mișcării de artă modernă.

Este vorba despre lucrări care nu sunt destinate să reprezinte obiecte recucerite și nu sunt angajate să imite natura. Prin urmare, prima reacție a publicului și critica a fost respingerea copiilor, considerată de neînțeles.

Astfel arta abstractă a fost criticată tocmai pentru că s-a rupt ca model figurativ. Acest tip de muncă nu are nicio nevoie de legătură cu realitatea externă și cu reprezentarea.

Pe măsură ce trecem de tempo, lucrările formează mai multe uleiuri, iar artiștii își vor putea explora stilurile în profunzime.

Conheça, de asemenea:

• Funcționează pentru a-l cunoaște pe Jackson Pollock
• Arta abstractă: principalele opere și artiști din Brazilia și fără lume
• Lucrările lui Kandinsky pentru a admite viața pictorului
• Cele mai cunoscute tablouri din lume
• Ca lucrări imperdíveis ale lui Beatriz Milhazes
• Pop art: caracteristici, lucrări principale și artiști
• Cele mai impresionante imagini ale lui Hieronymus Bosch