Surrealismul: caracteristici și artiști principali

În 1924, la Paris, André Breton (1896-1966), un scriitor și poet francez, a scris un manifest după ce a întrerupt relațiile cu Tristan Tzara, liderul mișcării Dada, și astfel s-a născut suprarealismul, pe care mulți îl consideră ultimul dintre cei mari avangarde.

Surrealismul apare la Paris în 1924. S-a răspândit în toată Europa la câțiva ani după încheierea primului război mondial până la sosirea celui de-al doilea război mondial. Prin urmare, influența acestei mișcări a ajuns în zilele noastre.

Este adevărat că termenul suprarealism este asociat cu André Breton și cu manifestul său, dar a fost folosit pentru prima dată de Guillaume Apollinaire (1880-1918), un critic și scriitor francez de artă, în prologul piesei sale Țâțele lui Tiresias scris în 1917.

Caracteristici

Inconștientul și automatismul

Manifestul lui Breton este inspirat din cartea lui Freud Interpretarea viselor, în care autorul explorează ideea că mintea umană are un nivel ascuns numit inconștient, este spune ceea ce de cele mai multe ori oamenii nu sunt conștienți, ca cuvântul indică.

Suprarealismul a căutat să depășească această limitare a inconștientului, permițând subconștientului să se exprime prin artă.

În acest fel, automatismul a devenit una dintre caracteristicile suprarealismului, în apărarea expresiei artistice fără limite și fără controlul rațiunii. Pentru a atinge acest obiectiv, artiștii au ajuns să elaboreze lucrări în stări de transă și hipnoză.

În practică, automatismul a constat în transpunerea pe hârtie, pânză sau orice alt suport al expresie artistică, un gând sau un vis direct din subconștient, fără a exercita estetica sau morală.

Scopul a fost automatizarea creației artistice (automatism) la fel cum respirația sau clipirea sunt automate. A fost astfel o încercare de a protesta împotriva normelor stabilite, atât în ​​artă, cât și în sfera socială.

Suprarealiștii credeau că creativitatea care a apărut din subconștientul unui artist era mai autentică și mai puternică decât cea derivată din conștiință. De asemenea, erau interesați să exploreze limbajul viselor despre care credeau că dezvăluie sentimente și dorințe ascunse.

Într-un mod general, se poate spune că ideea a fost de a realiza cea mai mare spontaneitate posibilă, ceva care a fost dezvăluit mai mult sau mai puțin ușor în desen și scris, dar nu atât în ​​pictură, cât este o disciplină foarte complexă care nu permite la fel de mult spontaneitate.

Alte tehnici și procese creative

Automatismul nu a funcționat întotdeauna bine în alte forme de expresie artistică, așa că alte tehnici au fost folosite pentru a atinge spontaneitatea dorită a creației.

Una dintre aceste tehnici a fost frottage, care a constat în trecerea unui creion, de exemplu, pe o suprafață aspră, creând astfel forme și texturi pe suport pentru a crea o nouă lucrare din acel material.

Un alt exemplu este decalcomanie, o tehnică în care o anumită cantitate de cerneală este aruncată pe o pânză sau hârtie. Această suprafață este pliată în jumătate și când este deschisă din nou, arată un model de cerneală care servește ca material pentru a crea o lucrare datorită ceea ce provoacă la nivelul subconștientului.

Au fost folosite și experimentate alte forme de expresie artistică, întotdeauna în efortul de a explora pe deplin libertatea creativă.

cadavru rafinat a fost un proces creativ bazat pe un joc, în care diferiți artiști au creat împreună desene sau poezii. Fără a vedea ce face celălalt, lucrarea a trecut de la una la fiecare și fiecare artist a adăugat o piesă nouă sau un cuvânt nou. Până la sfârșit. ziarul a fost desfășurat și au împărtășit rezultatul în căutarea unor idei noi.

Un alt proces alternativ de construcție artistică a fost „obiect găsit”(Obiect găsit), inventat de Marcel Duchamp (1887-1968). Duchamp a fost un pictor, sculptor și poet francez, una dintre figurile principale ale dadaismului.

La această premisă s-a adăugat atingerea absurdului, adică suprapunerea improbabilului și ciudatului, ca în cazul lucrarea care leagă un homar de un telefon sau cazul lui Meret Oppenheim care a acoperit o ceașcă și o lingură cu păr.

Această formă de construcție artistică a legat de obiecte cotidiene care în mod normal nu au nimic de făcut vedeți unul cu celălalt, ceea ce provoacă o tulburare a simțului și astfel stimulează inconştient. Era vorba de juxtapunerea dintre familiar (obiectul comun) și improbabil și absurd, scenariul impus obiectului.

Artiștii suprarealisti au încorporat frecvent imagini și obiecte din alte culturi, în special cele primitive. Această atitudine avea, mai presus de toate, intenții anti-coloniale și anti-rasiste.

Vezi si

• Grădina plăcerilor pământești Bosco
• Mișcări artistice ale secolului XX

Principalii artiști și opere

Max ernst

Max Ernst (1891, Brühl, Germania - 1976, Paris, Franța) a fost unul dintre pionierii dadaismului și ulterior s-a alăturat suprarealismului, remarcându-se în pictură și poezie.

Chiar și în Germania, Ernst a participat activ la Primul Război Mondial, fapt care i-a lăsat urme adânci și, în cele din urmă, i-a influențat munca de artist. Expunerea la ororile Marelui Război l-a făcut să se poziționeze mai vehement împotriva societății și valorilor vremii.

Opera sa se caracterizează mai ales prin explorarea absurdului, construcția de decoruri fantastice și lumea viselor. De-a lungul vieții sale artistice a experimentat diverse tehnici precum colaj și frottage, și a fost foarte influențat de arta triburilor nativ americani.

Salvador Dali

Salvador Dalí (1904-1989, Figueres, Spania) este cel mai faimos dintre suprarealiști și numele său a devenit în cele din urmă sinonim cu mișcarea. Acest lucru s-a întâmplat în ciuda faptului că, în jurul anului 1937 și ca o consecință a transformării stilului și a pozițiilor sale politice, Breton l-a expulzat din suprarealism. Prin urmare, Dalí este cel mai controversat.

În opera sa influența imaginației onirice este foarte vizibilă, adică lumea viselor. Expresia sa artistică a fost făcută în principal prin pictură și sculptură, dar de-a lungul vieții sale a folosit și alte forme și tehnici.

Și-a lăsat amprenta asupra cinematografului, având în vedere colaborarea sa cu două filme ale regizorului spaniol Luis Buñuel (1900-1983): Un câine andaluz (1929) și Epoca de Aur (1930).

Mai multe despre Persistența memoriei de Salvador Dalí

Pe lângă faptul că a fost un artist revoluționar la vremea sa, Dalí a fost și un geniu în ceea ce privește auto-promovarea și a fost un adevărat showman.

Lucrările sale sunt în jurul a trei teme principale: universul și senzațiile ființei umane, simbolismul sexual și imaginile ideografice. Cea mai mare parte a operei sale constă în reprezentarea secvențială a unui vis, lucru pe care l-a realizat exercitându-și mintea pentru a accesa subconștientul și a-și trage inspirația de acolo.

Pentru Dalí visele și imaginația au fost fundamentale în procesul creativ și a apărat, de asemenea, o variantă a automatismului, un fel de paranoia. În acest proces de paranoia, artistul a trebuit să se angajeze într-o stare de halucinație pentru a crea, oprindu-și momentan raționalitatea, în ciuda faptului că a fost conștient într-o oarecare măsură.

Joan Miro

Joan Miró (1893, Barcelona - 1983, Palma de Mallorca, Spania) este unul dintre cei mai influenți artiști ai secolului XX. Cele mai cunoscute lucrări ale artistului sunt picturile sale, deși a creat și ca sculptor, designer, ceramist etc.

La fel ca alți artiști, Miró a trecut prin diverse mișcări, a fost influențat de ei și și-a lăsat amprenta. A început, de fapt, cu fauvismul, apoi a trecut la dadaism și de acolo la suprarealism și abstractizare.

În viața sa artistică a practicat automatismul și în pictură a încercat să se distanțeze cât mai departe de convenții ca mod de a reacționa împotriva principiilor burgheze consacrate.

Picturile sale timpurii descriu în mare parte forme biomorfe fără contrast. Tematic sunt compoziții care se referă la încrucișarea dintre lumea fantasmagorică și cea a viselor. Cu compozițiile sale inovatoare, Miró și-a influențat contemporanii, precum și nenumăratele generații ulterioare.

René Magritte

René Magritte (1898, Lessines, Belgia - 1967, Bruxelas, Belgia) a fost un artist belgian și unul dintre nume al suprarealismului cel mai apreciat la nivel internațional, în ciuda faptului că faima sa va ajunge doar în jurul anilor 50.

Deși este unul dintre artiștii cei mai asociați cu suprarealismul, operele lui Magritte se distanțează de iluzionismul lui Dalí și de automatismul lui Miró.

Pentru Magritte, importantul nu era atât ceea ce arăta lucrarea, cât ceea ce ascundea, adică motivele ulterioare subiacente. Pentru el, important era să reprezinte misterul și astfel multe dintre compozițiile sale picturale ar prezenta figuri umane cu chipuri acoperit cu un voal, lăsând privitorul în curiozitatea și nemulțumirea veșnice pentru că nu a putut niciodată să dezvăluie ceea ce se ascunde în spatele acestuia.

În timpul vieții sale artistice, Magritte a apelat la aceeași temă de mai multe ori și a folosit și opere celebre ale altor artiști pentru a crea versiuni suprarealiste.

Umorul a jucat, de asemenea, un rol important în opera sa, iar un exemplu în acest sens este Trădarea imaginilor, în care este reprezentată o țeavă perfect pictată cu o inscripție pe pânză pe care scrie: „Aceasta nu este o țeavă”.

De fapt, se poate argumenta că nici imaginea, nici cuvântul, pe care îl descrie negativ, nu sunt o pipă. Ele sunt doar reprezentarea abstractă a unui obiect absent. Astfel, într-un mod aparent simplu, Magritte forțează privitorul să gândească și să pună la îndoială. De fapt, artistul însuși nu se considera pictor, ci un gânditor care se exprima prin imagini.

Vă poate interesa: 15 poezii de avangardă

(Text tradus de Andrea Imaginario).