25 najbolj reprezentativnih slik renesanse, ki razumejo njihove prispevke

Velika slikovna revolucija renesanse se je konkretno zgodila v 15. stoletju, znanem kot Quattrocento. V okolju naraščajoče intelektualne radovednosti je izboljšanje in širjenje oljnega slikarstva dovolilo uporabo platno kot oporo, da se je slika lahko osvobodila sten, in to je bilo naklonjeno zbiranju posebno.

Tako so nastale nove zvrsti, kot je portretiranje, rodilo se je zanimanje za pokrajino in tihožitje, čeprav še ne kot samostojne zvrsti. Pojavili so se tudi akti in nekrščanske mitološke, zgodovinske in alegorične teme. Verske teme so ostale redne, vendar antropocentričnega pristopa.

Nato si bomo ogledali kronološki ogled najbolj znanih renesančnih slik, da bi zajeli prispevke in novosti vsakega umetnika ter razvoj sloga skozi čas.

1. Sveta Trojica z Devico, svetim Janezom in darovalci, avtor Masaccio (1425-1427)

Sveže Sveta Trojica, z Devico, svetim Janezom in darovalci

Predstavlja izhodišče renesanse, saj se velike plastične in kulturne spremembe časa združujejo. Izstopajo linearna perspektiva, osvetlitev svetlobe in tehnika trompe l'oeil. Sodni obok rimskega navdiha predvideva spremembe v renesančni arhitekturi. Skupaj s svetimi liki so upodobljeni darovalci, kar verski temi daje antropocentričen videz. To razkriva spoštovanje, ki ga je imela generacija do samega sebe.

2. Oznanjenje, avtor Fra Angelico (1425-1426)

Vklopljeno OznanjenjeFra Angelico iz srednjega veka podeduje okus po detajlih vegetacije, vendar prinaša vire iz renesanse. Uporabil je trezno grško-latinsko arhitekturo in izkoristil njene črte za poudarjanje perspektive. Da bi dosegel večjo prostorsko globino, je odprl več odprtin, ki ustvarjajo superponirane ravnine: vrata vodijo v sobo in na zadnji strani se prikaže diskretno okno. Vrt na levi se nanaša na izgon iz raja Adama in Eve. Na dnu vidimo vrsto prizorov iz Marijinega življenja. Tovrstne črte z zaporedji prizorov na dnu okvirjev se imenujejo predele.

3. Poroka Arnolfini, avtor Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck je bil flamski slikar, ki je izpopolnil oljno sliko in pomagal pri njenem širjenju. To posebno delo je eden najzgodnejših slikovnih portretov v zgodovini. Naložen s simboli, prikazuje pomen in dostojanstvo likov, ki imajo dober družbeni položaj. Vendar genija Van Eycka ni.

Slikar v ozadje uvede ogledalo, ki se poigrava z ravninami upodobitve. V njem prikazuje odsev dveh likov, ki v glavni sceni nista vidna, kar ustvarja iluzijo, da zasedata gledalčeva položaja. Ta vir je verjetno navdihnil Menine Velázquez, več kot dvesto let kasneje.

4. Devica iz kanonika Van der Paeleavtor Jan van Eyck (1434-1436)

Devica iz kanonika Van der Paele ustreza žanru, ki se pogosto uporablja v renesansi, t Sveti pogovor (sveti pogovor), v katerem Devica vodi pogovor s svetniki v intimnem okolju. V tem primeru je vključen tudi donator Canon Van der Paele, ki ga je predstavil sveti George. Stopi na misijo kanonika in se spomni, da je podrejen duhovni moči. Vendar njegova prisotnost na prizorišču dokazuje njegovo družbeno vlogo v časovni moči.

Platno izpostavlja obdelavo oblačil in obilico detajlov. Bleščice oklepa svetega Jurija so izgovor Janu Eycku, da uporabi odseve. Ogledate si lahko odsev umetnika in Device, zasnovane kot brezmadežno ogledalo božanske milosti.

5. Bitka pri San Romanu, avtor Paolo Uccello (c. 1438)

Bitka pri San Romanu avtor Paolo Ucello je triptih s prizori iz bitke, v kateri je Firence med vojnami v Lombardiji premagala Sieno. Prvotno po naročilu družine Bartolini je kmalu prešel v zbirko Medici. Še vedno so prisotni srednjeveški elementi, na primer bogastvo podrobnosti, ki poudarjajo opisno. Vendar pa zaradi uporabe perspektive in rakursa velja za mojstrovino.

Foreshortening je sestavljen iz predstavitve predmeta pod pravokotnim kotom na gledalca. Podrobno jih lahko vidimo na plošči Razorožitev Bernardino della Ciarda, tako pri padlih konjih, kot pri živahnem in belem konju na desni.

6. Kronanje Device, Fra Filippo Lippi (1439-1447)

Kronanje Device To je oltarna slika, ki jo je Fillipo Lippi naročil Francesco Moringhi za cerkev San Ambrosio. Zdi se, da se namesto v nebesnem prostoru vse dogaja v gledališkem prostoru in prikliče kraljevsko dvorano, kamor so povabljeni svetniki, darovalec in sam Lippi. Kot vidimo, je italijanska renesansa vztrajala pri antropocentrični viziji neba.

7. Spust s križa, avtor Rogier van der Weyden (c. 1443)

Rogier van der Weyden je bil flamski slikar. Njegovo najbolj znano delo je Spust s križa, prvotno poslikan za kapelo Naše Gospe zunaj obzidja Louvaina. Anatonija ni izkopana, ker je bila namerno popravljena tako, da daje prednost formalni eleganci.

Tudi deleži so namerno spremenjeni, da se telesa porazdelijo po celotni sestavi. Zdi se, da sta Devica Marija in Jezus odsev drug drugega: kot mati, sin; kot sin, mati. Slika zmaga pri obdelavi izraza, oblačil in tekstur.

8. Kristusovo bičevanje, Piero della Francesca (1455-1460)

Vklopljeno Kristusovo bičanje, Piero della Francesca pridržuje versko sceno v ozadju in jo zaznamuje njena hladnost. V likih ni čustev. Tema se zdi skoraj izgovor za razvoj renesančnega plastičnega programa, ki temelji na v linearni perspektivi, kompozicijska geometrizacija in vzvišenost arhitekture klasicist. To potrjuje pogovor treh sodobnih likov, katerih identiteta še ni določena.

9. Melun Diptih, Jean Fouquet (h. 1450)

Jean Fouquet je bil francoski slikar, ki je umetniški jezik Francije prenovil z vplivom flamskega in italijanskega slikarstva. Zadevno delo je bilo zasnovano kot diptih za grobnico žene Étienneja Chevalierja, njegovega ravnatelja. Obe tabeli sta med seboj v nasprotju.

Na levi plošči je slikar predstavljal Etiena Chevalierja in svetega Stefana, njegovega zavetnika, ki se nahajata v klasičnem arhitekturnem prostoru. Na desni, Devica z detetom in angeli. Marijina gola skrinja jo označuje kot negovalko človeštva. Obstaja prepričanje, da je bil Virgin obraz obraza strankine ljubice Agnès Sorel. Čeprav je tema na videz sveta, ima močan profani značaj.

10. Potovanje čarovnikov, Benozzo Gozzoli (1459)

V Palazzo Medici Riccardi v Firencah je soba, imenovana Kapela Magov, v aluziji na tri Gozzolijeve freske, ki povezujejo kavalkade Magov. Delo je poleg svoje mojstrovine zaradi svoje kompozicijske kompleksnosti pravzaprav tudi vzvišenost moči, ki jo ima družina Medici, katere obrazi se nahajajo v likih zastopana.

Morda vas bo zanimalo:

• Renesansa
• Renesančne značilnosti

11. Hiša zakoncev, Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna na tej freski izstopa z uporabo renesančnih tehnik, kot je trompe l'oeil, v jasnem prizadevanju, da zabriše meje med slikanjem in resničnostjo. Slika, ki jo vidimo, ustreza samo eni od sten Komora mož. Kot ostali slavi slavo družine Gonzaga, velikih pokroviteljev svojega časa.

12. Objokovanje mrtvega Kristusa, Andrea Mantegna (1475-1478)

Če kdaj Andrea Mantegna preseže samega sebe, je v Objokovanje mrtvega Kristusa. Kos izstopa z mojstrsko uporabo tehnike rakursa. S tem virom Mantegna vključuje gledalca v sceno in izziva tradicionalni kompozicijski model. Izstopa tudi zastopanost frakcij likov. Maria ni mlada deklica, ampak obraz, ki se je postaral od bolečine. Strogost prizorišča poudarja grozno naravo smrti in pustošenja žalovalcev.

Poglej tudi: Kristusova strast v umetnosti

13. Poliptih San Vicente, Nuno Gonçalves (1470-1480)

Poliptih San Vicente Je ena mojstrovin portugalske renesanse. Nunu Gonçalvesu predstavlja oseminosemdeset znakov skupaj s svetim Vincentom, ki se zdi podvojen na osrednjih ploščah, kot bi bil odsev.

Izstopa po zastopanosti različnih slojev portugalske družbe v stališčih in kretnjah glede na njihovo stanje. Od leve proti desni imamo ploščo bratov; odbor ribičev; plošča Infante Don Enrique (Enrique Navigator); nadškofov zbor; viteška plošča in relikvija.

14. Poklonitev čarovnikov, Sandro Botticelli (1475)

Poklonitev čarovnikov de Botticelli predstavlja temeljno referenco italijanskega Quatrocenta. Do Botticellija je sveta družina stala na eni strani prizorišča in pozdravila častilce z druge. Botticelli ga je postavil v sredino kompozicije in na vrh piramide ter častilce razporedil drug ob drugega in celo enega spredaj.

Slikar je Mage upodobil tudi z obrazi družine Medici: Cosimo in njegovi sinovi Piero il Gottoso in Giovanni. Upodobljeni so drugi družinski člani in njihovi zavezniki, sam Botticelli pa je vključen v lik, ki gleda gledalca.

15. Dostava nebeških ključev svetemu Petru, iz Perugina (1482)

To delo Perugino je naročil papež Sixtus IV., Graditelj Sikstinske kapele. Freska ustreza zamisli o prenosu oblasti od Boga na Cerkev, ki jo zastopa sveti Peter. Delo je mojstrski izraz slikarjevega lastnega dela iz zraka in globine. V ospredju vidimo glavne junake: Jezusa, apostole in različne renesančne figure. V zadnji, osmerokotni osrednji rastlinski zgradbi, simbolu univerzalnosti papeštva.

16. Rojstvo Venere, Sandro Botticelli (1482-1485)

Rojstvo VenereSandra Botticellija je bil prvotno del pohištva in verjetno zato ne vidimo tako izčrpnega razvoja pokrajine. Pozornost, ki jo prejema, je delno povezana z obravnavo teme, ki ni več sveta tema. Prisotni smo mita o izvoru Venere ali Afrodite, boginje plodnosti in erotike.

S tem delom je Botticelli legitimiral predstavitev gole ženske gole v umetnosti na profanih temah. A Venera tu ni lik, ki je v celoti razstavljen, temveč skromna Venera, ki s svojimi lasmi pokriva svojo "sramoto". Tako je bil ta akt upravičen kot prikaz Kreposti v kontekstu takratne filozofske misli.

Poglej tudi Rojstvo Venere Sandra Botticellija

17. Devica iz skal, Leonardo da Vinci (1483-1486)

Leonardov del so naročili menihi iz San Donata, kar pojasnjuje osrednjo vlogo verske teme. Leonardo je spremenil element renesančne tradicije: namesto arhitekturne pokrajine je prizorišče uokvirjal v skalnato naravno krajino. Številke tvorijo piramido in so nežno začrtane po zaslugi ene izmed najbolj priznanih slikarskih iger: tehnike sfumato.

Morda vas bo zanimalo: Temeljna dela Leonarda da Vincija

18. Portret Giovanne degli Albizzi Tornabuoni, Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

To delo Ghirlandaia je zgleden izraz portretne zvrsti v renesansi. V skladu z oživljenimi vrednotami klasične antike prikazuje idealizirane razsežnosti in značilnosti ter zadržano ali odsotno izraznost. Za prikaz vaših karakternih lastnosti so vključeni nekateri osebni predmeti: nakit daje njegovo javno življenje, molitvenik in rožni venec pa njegovo življenje duhovno.

19. Zadnja večerja, Leonardo da Vinci (1498)

Zadnja večerja Je eno izmed najbolj znanih Leonardovih del. Izstopa po intelektualnih in filozofskih referencah, vključenih v sceno, pa tudi po dramatičnosti. Brez odpovedi renesančnemu ravnovesju je delo nabito s čustveno in psihološko napetostjo v svojih likih, kar izziva navidezno hladnost številnih prejšnjih skladb. Slabo stanje ohranjenosti je deloma posledica Leonardovega poskusa mešanja tempere in olja, da bi naredil popravke na ometu.

Poglej tudi:

• Zadnja večerja Leonarda da Vincija
• Mona Lisa ali La Gioconda Leonarda da Vincija
• Vitruvijski mož Leonarda da Vincija

20. Santo Domingo in Albigences ali Preizkus požara, Pedro Berruguete (1493-1499)

Španec Pedro Berruguete predstavlja odlomek, v skladu s katerim bi predlagal Santo Domingo de Guzmán zgraditi kres za preizkušanje knjig krivovernih skupin v mestu Albi, Francija. Ogenj požre krivoverne knjige, medtem ko kanonična knjiga lebdi v zraku.

Delo izraža politično miselnost dobe katoliških monarhov, ki so iskali enotnost kraljestva z bojem proti herezi. Formalno izstopajo dragocenost podrobnosti, očitno navdih za flamenko, pa tudi okus za pozlato, ki izhaja iz gotike in je bil zelo cenjen v zgodnji renesansi.

21. Avtoportret, Albrecht Dürer (1500)

Albrecht Dürer je bil velik mojster nemške renesanse. Ta slavni avtoportret, ki na prvi pogled za ikono Jezusa Kristusa prikazuje dva ključna napisa: na desni se piše "Slikam se z neizbrisnimi barvami." Na levi je datum, ki prikazuje njegovo starost, 28 let.

Frontalnost njegovega portreta je precej drzna. Kljubujoča tradicija, ki je to držo rezervirala za Jezusove ikone - in tudi nekoliko z roko spremenjen-, Dürer preoblikuje identiteto z verskim referentom in namerno zmede gledalec.

22. Dož Leonardo Loredan, Giovanni Bellini (1501)

Giovanni Bellini, slikar v službi Beneške republike, prinaša čudovit portret doža Leonarda Loredana. V tem briljantnem delu mu je uspelo premagati občutek hieratizma zahvaljujoč izrazitemu bogastvu obraza in fini obdelavi tekstur in oblačil. Kar zadeva slednje, je presenetljivo, kako Bellini uspe predstaviti sijaj orientalskih tkanin.

23. Mona Lisa, Leonardo da Vinci (1503-1506)

The Mona Lisa To je nedvomno najbolj znano delo Leonarda da Vincija. Je izraz zrelosti Leonardesque sloga v smislu svetlobnih in svetlobnih tehnik. Esfumato, ki je sestavljen iz zameglitve robov slik, tako da je integracija v vesolja. Prav tako prikazuje tehniko pokrajine v ozadju, ki odpira prostor za večjo globino. Vendar to delo, tako kot celotno Leonardovo delo, ne spada v Quattrocento, temveč v visoko renesanso, včasih imenovano tudi druga renesansa.

Poglej tudi: Mona Lisa ali Gioconda iz Mona Lise Leonarda

24. Atenska šola, Rafael Sanzio (1510-1511)

Če nekaj predstavlja kulturni duh renesanse, je to freska Atenska šola, Rafael Sanzio, eden od prizorov iz "Vatikanskih sob" ali "Rafaelovih sob". Vidimo mojstrsko ravnanje z linearno perspektivo in globino, poudarjeno z odprtinami svodov, ki se odpirajo na odprti prostor.

V arhitekturnem okolju jasnega klasičnega navdiha množica filozofskih in znanstvenih referenc opozarja na vrednost razuma in znanja. Platon in Aristotel sta glavna junaka. Vidimo tudi Ptolemeja, Heraklita, Hipatijo, Homerja in kot običajno nekaj sodobnih obrazov. Rafael sam, upodobljen kot Apelles, ni mogel biti odsoten.

Morda vas bo zanimalo:

• Atenska šola Raphaela Sanzija
• Življenje in delo Rafaela Sanzija

25. Stropne freske v Sikstinski kapeli, Michelangelo Buonarroti (1508-1512)

Govoriti o Michelangelu Buonarrotiju, pa tudi o slikarjih italijanskega Cinquecenta, pomeni vstop v visoko renesanso. Zato se približujemo manirizmu, katerega eksponent bo Buonarroti. Freske v Sikstinski kapeli so njegovo najbolj slavno slikovno delo.

Obstaja devet prizorov, ki pripovedujejo odlomke iz Geneze, vsi pa vodijo do Sodne sodbe, stene, poslikane približno dve desetletji po stropu. Na tej steni sveti Bartolomej, odeti mučenik, obesi svojo starodavno kožo. Toda v njem lahko vidite obraz Michelangela. Kot vidimo, je tudi umetnik upodobljen, vendar ne kot umetniki Quattrocenta, ki so praznovali svojo zemeljsko slavo, ampak kot priznanje za njihovo nevrednost.

Poglej tudi:

• Freske Sikstinske kapele
• Analiza freske Stvarjenje Adama Michelangela
• Genialna dela Michelangela