Едвард Мунцх: 20 сјајних дела за разумевање оца експресионизма

Едвард Мунцх је норвешки сликар смештен на прелазу из 19. у 20. век и сматра се оцем експресионизма. Његов рад, скандалозан за многе, изазвао је дивљење младих уметника и неспецијализоване јавности. Они су идентификовани са стрепњом коју генерише брза индустријализација и превладавајући механизам.

Узрок скандала за афирмисане уметнике био је у Мунцховој техничкој слободи. За конзервативне секторе заснивао се на чињеници да се сликар отворено обраћао темама као што су секс, љубав и, пре свега, болест и смрт, своје велике опсесије.

Његов стил је био јединствен захваљујући чињеници да је створио аутентичан и оригиналан језик, последица слободног дијалога са постимпресионизмом, сецесијом и авангардом. Због тога, иако је Мунцх отворио врата експресионизма, не може бити етикетиран ни у једном покрету. Увидом у његова најважнија дела схватићемо зашто је Мунцх јединствени и непоновљиви уметник.

1. Врисак, 1893

Врисак Мунцхево дело је оно што је избацило највише скандала и, без обзира на то, данас се то сматра Мона Лиза савремене уметности. Представља андрогину особу чије лице изражава тескобу у свом максималном изразу након што је чуло или изустило врисак. Субјект, према томе, свет доживљава као таласасту и оштру масу. Нико осим Мунцха то раније није радио у уметности.

Представа је замишљена након периода у којем је једна од његових сестара била затворена због покушаја самоубиства, што сугерише неку везу са епизодом. Занимљива чињеница о Врисак је да је Мунцх направио четири верзије са малим разликама међу њима, што је врло честа пракса код сликара. Најпознатија верзија је она из 1893. године, која је украдена 1994. године, а недуго затим је опорављена.

2. Анксиозност, 1894

да Врисак То је слика појединачног очаја Анксиозност то је израз колективне тескобе коју Мунцх хвата у норвешкој души. Према томе, Мунцх није уметник ограничен на списак индивидуалне нелагодности, већ је осетљив на општу нелагодност то утиче на друштво на крају 19. чија је трансформација много бржа од његове способности обраде Промене.

Платно Анксиозност Заснован је на две претходне Мунцхове слике. Предео који видимо Анксиозност је опорављено са платна Врисак. С друге стране, ликови су преузети Поподне у улици Карла Јохана. Стратегија узимања елемената из претходних оквира се понавља у Мунцху. Сликар не само да „приказује“ сцене, већ су елементи који их чине замишљени као сопствени симболи.

3. Болесна девојка, 1885-1886

Болесна девојка одговара раном стилу у Мунцховом делу, приближавајући се импресионизму. На платну је приказана Мунцхова млађа сестра Софи на смртној постељи од туберкулозе. Тада је млада жена имала око 15 година.

По свом обичају, Мунцх је изводио различите верзије ове песме, која је за њега била трајни извор бола и кривице. То је било због чињенице да је сликар, који је у 13. години боловао од туберкулозе, сматрао да је умро уместо сестре.

4. Љубав и бол (вампир), 1893

Мунцх је насловио ово дело Љубав и бол. У њему је представљао жену која грли мушкарца који јој лежи у крилу, као да тражи утеху. Иако Мунцх никада није открио лично значење дела, оригинални наслов довољно говори. Међутим, када је овај комад откривен, изазвао је огроман скандал.

Људи су у њој видели садо-мазо знакове и протумачили да је жена свог љубавника угризла за врат као вампира. Због тога је слика почела да се назива и Вампир. Такав је био скандал да је годинама касније ово била једна од многих Мунцхових слика цензурисаних током нацистичке окупације Норвешке.

5. Мадона, 1894

Кутија позната као Мадона првобитно је насловљен Заљубљена жена или Жена која воли. Преименујте дело Мадона несумњиво је провокација. Мунцх је произвео најмање пет познатих верзија овог дела.

Уметник представља жену као да је икона како би пренео осећај обожавања који се буди у њеној лепоти и сексуалности. Црвени ореол који окружује његову главу алудира на однос љубави и бола, чак и током савршавања сексуалног чина.

Ова хипотеза је оправдана јер је Мунцх направио урезану верзију, чији је оквир садржавао украсне мотиве сперматозоида који се конвергирају на макабрном фетусу. Закључно, слика је симбол животног циклуса који пролази кроз сексуалност, размножавање и смрт.

6. Пепео, 1894

Пепео Сматра се једним од дела са највећом естетском лепотом Мунцха због навоја линија и бојења. У композицији видимо човека у црном, боје таме и смрти. Човек се изгуби у углу, као да од стида крије лице, руку на главу. Подсећа нас на потиштеног човека Љубав и бол (Вампир).

Иза њега подиже руке и жена у белој хаљини, боје чистоће, а са црвеним прслуком, боје страсти. Његово лице изражава тугу и забринутост. Вео страсти се поцепао.

Однос слике и наслова указује на парадокс: када се страст потроши, она се расипа. Ватра страсти оставља само пепео. Али поред тога, гестови ликова изазивају кривицу и очај. Ово открива да се догађај супротставља моралном кодексу. Да ли је то прељуба? Да ли је то било силовање? Сигурно је гледалац тај који га дешифрује.

7. Пубертет, 1894-1895

на Пубертет, Мунцх приказује потпуно голу младу тинејџерку. Млада жена има уплашено лице и скрива усне делове. Више од симбола скромности и невиности, гестови су симбол страха и репресије пред лицем сексуалности, коју је Мунцх претрпео у младости, с обзиром на очеву верску строгост и контекст епоха.

Тајанствено расположење сцене потврђује неширива сенка у позадини, која изгледа као нека врста прогањајуће фантазмагорије. Значај овог Мунцховог раног рада је што представља тачку промене између „импресионистичког“ можданог удара и ослобађања технике у служби уметниковог психолошког света.

8. Аутопортрет са цигаретом, 1895

Аутопортрет са цигаретом То је једно од најпознатијих Мунцхових дела, као и његов најпознатији аутопортрет међу многим које је направио. На платну аутор показује разумевање и апсолутно мајсторство технике представљања сјаја светлости усред таме и дима.

Притом Мунцх гради готово мистериозну атмосферу која привлачи пажњу на његово лице и руку. Лице делује између збуњеног и изненађеног, док се рука, осим што држи цигарету, уздиже до нивоа срца. Ако је лице знак унутрашњег идентитета субјекта, погођеног емоционалном нестабилношћу, рука је симбол уметника пластике.

9. Смрт у соби, 1895

Током свог детињства, Едвард Мунцх је видео како су многи чланови породице умирали од туберкулозе: мајка и отац су неки од случајева. Смрт у соби представља патњу његове породице због губитка млађе сестре Сопхие, коју не видимо. Геније је аутора усмерити пажњу гледаоца на емоционалну патњу, а не на смрт.

Човек који подиже руке у молитвеном ставу је његов отац, озбиљан протестантски религиозан. Верује се да је човек наслоњен на зид Мунцх, окрећући леђа сцени (смрт, наклоност и вера), док гледа право у своју сенку. Наглашава чињеницу да сваки члан породице пати одвојено.

10. Два људска бића (она усамљена), 1896

Платно Два људска бића није ништа друго до алегорија усамљености. У њему видимо мушкарца и жену без идентитета, окренути леђима гледаоцу, како размишљају о инертном хоризонту. Чини се да је између њих двоје непремостива удаљеност.

Дело је, као и многи други од Мунцха, обрађивано много пута и у различитим техникама. И тема и начин њеног представљања потврђују узнемирени, усамљени и депресивни карактер уметника.

11. Пољубац, 1897

Пољубац, из 1897. године, једна је од верзија слике познате као Пољубац иза прозораод самог Мунцха. Истиче се начин на који је сликар представио две фигуре. Изгледају као једно тело, без раздвајајућих линија између себе. Ликовима недостаје идентитет, властите границе.

Спој ликова не може се прочитати романтично, јер мрачна и тешка атмосфера сцене такође сугерише близину смрти. Утицај који је генерисала ова серија био је такав да је инспирисао познато дело Пољубацаутор Густав Климт.

Можда ће вас занимати: Анализа Пољубацаутор Густав Климт.

12. Плодност, 1898

На платну Плодност из Мунцха видимо трудну жену, усправну, која носи обилне плодове дрвета. Испред ње је седео човек, згрчен и сагнут у контрасту. Поред њега се види пали штап. Постоји континуитет између човека и дрвета јер први наслања ногу на дебло дрвета.

Дрво би се могло протумачити као дрво живота. Међутим, одсечена је грана од које је остао само пањ. Да би уродило плодом, дрво је орезано, раскомадано.

Радикалнија тумачења сугеришу да Мунцх изражава одбијање рађања деце. Њени плодови би представљали крај његових плодова. Тумачење се заснива на чињеници да је слика насликана када је Мунцх био суочен са могућношћу да се венча са Туллом Ларсен, обавезом која никада није испуњена.

13. Састанак у свемиру, 1898

на Састанак у свемиру видимо мушкарца и жену који гравитирају у свемиру. Дело представља еротски тренутак, омеђен не само телима и гестовима, већ и линијама алузивним на кретање сперме око фигура. Лица су удаљена једно од другог. Жена делује готово равнодушно. Чини се да је човек испоручен. Комад приказује техничку свестраност аутора, као и симболе и изражајне ресурсе.

14. Плес живота, 1899

Плес живота то је метафора за фазе живота и љубави. То је призор на отвореном чија је позадина дубоко плаво небо над норвешким језером. На небу видимо северно сунце и његов одраз у води, један од симбола који се доследно понавља на сликарским сликама.

У првом плану видимо исту жену у три фазе: леву девојку у белом. Десно усамљена жена обучена у црно. У средишту, жена и њен мушкарац плешу као да свет не постоји. Црвена боја хаљине симболизује живот и страст. Пар би могли бити Тулла Ларсен и Мунцх.

Око њих плешу и други ликови. Иза жене у црном види се гротескни мушкарац спреман да злоставља жену. Важност овог дела лежи у начину на који Мунцх успева да пренесе сложеност своје унутрашње тескобе око животних стадија, које он ограничава на љубав.

15. Маратова смрт, 1907

Током периода свог живота, Мунцх се посветио стварању различитих верзија Маратова смрт. Међу овим верзијама представљамо и једну направљену 1907. године. Марат је био француски новинар и политичар из 18. века, на кога је убила Цхарлотте Цордаи.

Чини се да Мунцх има самог себе као мушку референцу, учвршћујући тако идеју да се сликар осећа жртвом жена. Са естетске тачке гледишта, дело се истиче употребом линија као облика бојења. То је врста рејонизма који се раскида са модернистичким стилом закривљене линије и употребом густих обојених површина.

16. Купачи мушкарци, 1907

Купачи мушкарци де Мунцх се истиче живахним и живахним карактером, који се супротставља таласастој и мрачној атмосфери многих његових платна. Призор приказује групу мушкараца на голој плажи, где је Мунцх провео период опоравка.

Мунцх показује свој талент за анатомско цртање, као и свој талент за бојење. Примењена техника се храни импресионистичким и реонистичким принципима и, у неким аспектима, чини се да води дијалог са фовизмом.

17. Сунце, 1909-1911

Сунце је монументални мурал Едварда Мунцха пронађен на Универзитету у Ослу. У томе Мунцх истражује нове пластичне језике који га приближавају апстрактној авангарди, посебно Кандинског, представника групе Дер Блауе Реитер и лирске апстракције.

Овде симболика достиже свој максималан израз. Сунце постаје метафора божанског, које зрачи светлошћу на свет и брише сенке незнања. Овим делом Мунцх још једном показује своју креативну слободу, што објашњава зашто не може бити етикетиран у једном стилу или покрету. Мунцх се открива као јединствени уметник у сталним иновацијама.

Можда ће вас такође занимати: Експресионизам: карактеристике, дела и аутори.

18. Коњ у галопу, 1912

У кадру Коњ у галопу, видимо коња како вуче санке за снег са човеком на броду. Упечатљив детаљ је на стази, која се истиче као претерано уска за подвиг.

Уплашени израз коња и расположење људи поред пута дају нам разумевање непосредне опасности. Деца са десне стране покушавају да побегну, док одрасли са леве стране чекају неустрашиво пре него што се преселе. То је нови приступ теми страха и стрепње, толико присутан код аутора.

19. Радници у снегу, 1913

Едвард Мунцх је такође био осетљив на друштвену стварност која га је окруживала. Доказ за то су различите слике које је он начинио о радницима, као што је ово платно названо Радници у снегу.

У првом плану Мунцх представља тројицу радника који стоје испред гледаоца, са лопатама као упориштем. У њима се осећа снага, али и умор и старење.

Подигнута песница радника постављена у центру, предосећа захтев или захтев. Чини се да су ова тројица мушкарци у рукама. Иза ова три лика, остали радници настављају свој посао, не обазирући се на поглед уметника и друштва.

20. Аутопортрет између сата и кревета, 1940-1943

Аутопортрет између сата и кревета то је слика из Мунцхове последње стваралачке фазе. Мунцх је искористио платно да симболизује близину смрти, поставивши свој лик између дединог сата и кревета. Сат представља незаустављив проток времена, а кревет представља смрт као последњи кревет, као вечни починак.

Један детаљ се истиче контрастом: док сат има антички дизајн, покривач кревета има модеран геометријски дизајн. Овим Мунцх изражава савест о драматичној промени времена које је морао да живи.

Иза Мунцха може се разликовати нека врста собе у којој се подразумева присуство референтних дела његовог уметничког живота, којој је посветио све напоре.

Такође видети: Анализа оквира Врисак Едварда Мунцха.

Биографија

Едвард Мунцх је норвешки сликар и график, рођен је 12. децембра 1863. године, а умро 23. јануара 1944.

Од малих ногу морао је да се носи са болестима и смрћу. Туберкулоза је први пут однела живот његове мајке Лауре Цатхрине Мунцх, када је дечак имао само 5 година. Касније је изазвао смрт своје млађе сестре Сопхие; оног његовог стрица и, годинама касније, и његовог оца Кристијана Мунка. Чак је и Едвард Мунцх сам боловао од те болести у 13. години.

Ови догађаји довели су сликара до страшног страха од болести и болести. смрт и, према томе, цео живот патио од анксиозности и депресије, што је одређивало његове упите уметнички.

Мунцх је почео да студира инжењеринг 1879, али је убрзо напустио ову каријеру да би се посветио сликарству. На њега је утицала француска уметност 19. века захваљујући путовањима у Париз. Око 1890. године почео је да слика пројекат Фриз живота, серија слика које приказују различите прекретнице у људском животу, засноване на сопственим искуствима.

Иако је његов рад у почетку био скандал, на крају је стекао важно место у музејима његове земље и Европе. Међутим, након нацистичке окупације Норвешке, око 1940. године, Мунцхове слике су цензурирали освајачи и уклоњене са изложби.

Међутим, 1942. година обележила је његово коначно међународно посвећење тиме што је био предмет изложбе у Њујорку као признање за његов плодан уметнички рад. Две године касније, Мунцх је умро у крајњој усамљености.