Gustav KLIMT och hans 5 viktigaste verk

Gustav Klimt (1862-1918) är en av referenserna inom den modernistiska rörelsen för den wieniska avskiljningen, och är också dess grundare och första president. A Symbolistisk målare av österrikiskt ursprung kännetecknas av dess särdrag, dess prestige och för att vara en av de mest dekorativa målarna storheter från 1900-talet, utvecklar sin egen stil, laddad med erotik, eklektisk, full av fantasi och rikedom.

I den här lektionen från unPROFESOR.com erbjuder vi dig vilka som är viktigaste verk av Gustav Klimt och de grundläggande egenskaperna hos hans konstnärliga stil.

Index

1. Egenskaper för Gustav Klimts verk
2. Auditorium of the Old Burgtheater: ett av Gustav Klimts verk
3. Pallas Athenea (1898)
4. Medicine (1900-1901), ett mycket framträdande verk av Kimt
5. Adele Bloch-Bauer (1903-1907), Klimts bästa verk
6. Kiss (1907-1908), ett av Klimts viktigaste verk

• Klimt var dekorativ målare dedikerad till försköning av byggnader med reliefer och historiska scener och figurer. En estetik som ledde till att hans målningar på duk blev en
  instagram story viewer
  exponent för jämställdheten mellan dekorativ konst och konst.
• Det var en av de grundarna av Wien Secession1897 blev han vald som presient för sin upproriska och banbrytande personlighet. Hans internationella berömmelse som den mest kända art nouveau-målaren bidrog till Secessionens första framgång, men också till dess nedgång när han lämnade den 1905.
• Även om det för närvarande är konstverk är ikoniskt och mycket populärt, vid tiden ansågs en del av hans verk vara obscent för deras högt erotiskt innehåll.
• Hans arbete är mycket personlig och unikÄn idag kännetecknas dess gyllene fas av användningen av guld- och silverark i stil med bysantinska mosaiker.

Bland Gustav Klimts mest framstående verk är Auditorium of the Old Burgtheater (1888-89), början på Klimts bildkarriär.

Detta var en av de viktigaste uppdragen i början av Klimts karriär. Byrådet i Wien bad målaren att måla några bilder av det gamla Burgtheater, stadens opera, byggd 1741 och rivdes 1888.

Klimt valde att fånga layouten på operalådorna, ett något originellt val men men ur arkitektonisk synvinkel. Ett arbete av akademisk stil, typiskt av Klimts tidiga verk och där påverkan av Hans makart.

En annan aspekt av intresse är detalj och virtuositet av Klimt genom att i arbetet presentera porträtten av alla de människor som bad honom att inkludera dem i lådorna. Således är pjäsen inte bara ett minne om hur teatern var, utan om stadens politiska, kulturella och ekonomiska eliter: mer än 150 individer totalt. Bland publiken ingår Österrikes premiärminister, Wiens borgmästare, Tyskland kirurgen Theodor Billroth, kompositören Johannes Brahms och kejsarens älskarinna, skådespelerskan Katherina Schratt.

Även om secessionisterna i princip hade brytt mot tidigare konstnärliga traditioner var deras förhållande till det förflutna inte så enkelt. Således inspirerades både han och andra medlemmar av secessionism av Grekisk-romerska mytiska och allegoriska figurer och berättelser och av andra forntida civilisationer.

I detta fall, Klimt omtolkar figuren av den grekisk-romerska gudinnan med mjuka färger och med en tendens till abstraktion, en stil som han kommer att ansluta sig till när han överger secessionism. I detta arbete erbjuder Klimt en kraftfull och imponerande bild av Athena, som visar gudinnan som omslagen i en dimma och med ett androgynt utseende. Han klär henne i en militärdräkt som identifierar henne som en krigare och beskyddare av staden Aten, maskulina egenskaper, samtidigt som hon visar hennes långa och fina hår som ett tecken på hennes feminina sida. I handen har han en nakenfigur av Nike, representationen av segern.

I den dimman a representationen av oneiric, koppla arbetet med arbetet med Sigmund Freud. Således skulle arbetet vara förkroppsligandet av idealet om en kraftfull kvinna, föremål för manlig lust, liksom för kvinnan som längtar efter att klä sig som en man för att uppnå en maktstatus.

År 1894 beställde kulturministeriet Klimt att måla det nya Storsalen vid universitetet i Wien. Klimts arbete bestod av att måla tre monumentala dukar på teman filosofi, medicin respektive rättsvetenskap. När Klimt började måla dukarna 1898 hade han redan gått med i Secession och övergett naturalismen. Av de tre verken var medicin den duk som genererade mest kontrovers.

Medicin visar till Hygeia, den mytologiska dottern till medicinens gud, placerad i den nedre mitten av duken och identifierad av en orm och glaset av Lethe. Ovanför Hygeia reser sig en hög ljuskolonn, till höger om en nät av nakna figurer sammanflätade med Dödens skelett. På den andra sidan av ljuskolonnen svävade en naken kvinna vars bäcken lutades framåt, medan under hennes fötter svävade en bebis insvept i tyll. Denna komposition genererade en mängd kritik som anklagade Klimt för att göra ett pornografiskt arbete utan att hänvisa till något medicinskt ämne. Attityden av avslag som Klimts verk mottogs ledde målaren till att köpa tillbaka de tre verken 1905.

Klimts arbete visar tvetydighet i människolivetsom samtidigt representerar födelse och död. Avvisandet av Klimts arbete visar hur, trots de stora framsteg som Secession gjort genom åren Sedan grundandet hade rörelsen inte lyckats vända konservativa attityder till modern konst i Wien.

För Klimt var allt detta en bestämd förnedring och allmän avvisning, något för vilket han inte ställde ut i Wien. i fem år efter 1903 och avgick från officiella uppdrag och gick med på att bara ta på sig uppdrag privat. Dessa tre målningar, liksom många av Klimts verk, konfiskerades av nazisterna och kremerades i maj 1945. inuti Schloss Immendorf, det nedre österrikiska slottet där de hade lagrats, av SS-trupper i uttag.

Detta är en av de Klimts mest kända verk för att vara ett av de mest ökända fall av konststöld av de som utfördes av nazisterna. Adele Bloch-Bauer, fru till den wienska bankiren och sockermagnaten Ferdinand Bloch-Bauer, var en av hans favoritmusiker och fungerade som modell för flera andra målningar, inklusive hans berömda Judith I (1901). Även om Klimt ryktades ha varit romantiskt inblandad i många av de kvinnor han målade, är den exakta karaktären av hans förhållande med Adele Bloch-Bauer okänd.

I denna duk a upplösning av verklighet som bryter igenom till renaste abstraktion. Så även om Klimt representerar Adele Bloch-Bauer sittande är det nästan omöjligt att urskilja stolens form eller att skilja formerna på hennes kläder från bakgrunden. Klimt var i stort sett oroad över att skildra karaktären av sin modell, än mindre att ge plats och sammanhang. Användningen av guld- och silverblad Det visar det höga värdet och kvaliteten på smycken som Adele bär, liksom kärleksdjupet från sin man, som beställde målningen.

Verket är inramat inom Klimts "Golden Phase" av det första decenniet av det tjugonde århundradet, där han använde dussintals guldmönster och metalltoner i dina målningar för att ge överdådighet och lyx till hans verk. En teknik som ansluter till de bysantinska mosaikerna i basilikan San Vital i Ravenna, Italien, som Klimt besökte i december 1903. Många av dessa mosaiker använder en liknande platt guldbakgrund och skildrar den bysantinska kejsarinnan Theodora. Klimts skildring av choklaren som bärs av Adele Bloch-Bauer i detta porträtt är inspirerad av dessa mosaiker. Konsthistoriker pekar också på egyptiska influenser på ögonformen och på klädseln till Bloch-Bauer, medan spiralerna liknar mönster från antika Mykene och Grekland klassisk.

Eftersom Bloch-Bauer var judisk plundrades Ferdinands tillgångar av nazisterna efter annekteringarna av Österrike och västra Tjeckoslovakien 1938. Nazisterna installerade målningen i Galerie Belvedere i Österrike. Ferdinand dog 1946, men inte innan han överlämnade sina konfiskerade målningar, inklusive detta och fem andra verk av Klimt, till sina brorsöner. Bland dem var Maria Altmann. Hon väckte talan 2000 för att återställa målningarna.

Ärendet hade enorm mediebevakning och kom inför USA: s högsta domstol, där målningarna återlämnades till familjen Bloch-Bauer 2006. I juni sålde Altmann detta verk till den amerikanska kosmetiska samlaren och mogulen Ronald S Lauder för 135 miljoner dollar, ett rekordpris som betalats för varje målning. Lauder levererade målningen till Neue Galerie av tysk och österrikisk konst i New York, där det för närvarande är utställt.

Kyssen är en av Klimts mest sensuella och populära verkoch förmodligen hans mest reproducerade verk. Det är också en av de så kallade nyckelmålningarna Klimts "Golden Phase", en fas som sträcker sig ungefär från 1903-09, och anses vara ett utmärkt exempel på Art Nouveau målning.

Verket representerar ett par som omfamnar på kanten av en äng, representerat av det lysande blommönstret, som ett slags täcke som sprids under deras kroppar. Konstruktionen av kompositionen föreslår en hög kännedom om konst- och hantverksrörelsen. Således liknar ängens platta kakelmönster och figurernas kläder tyger tillverkade av William Morris i slutet av 1800-talet.

Användningen av material från guld- och silverblad visar den höga grad av specialisering som Klimt uppnått och påminner om medeltida upplysta manuskript, även om det är det mycket mer värdefullt och mer besläktat med bysantinsk konst, som guldfälten för de mosaiker som han hade sett i Ravenna 1903.

Dessutom, medan Morris och medeltida källor använder värdefulla material för att upphöja Guds ord eller stor litteratur, Klimt Han använder dem för att helga karaktären av mänskliga relationer och bandet mellan älskare, ett nyckeltema i jugendstil. Således förkroppsligar kyssen en universell och tidlös vision om romantisk kärlek.

Om du vill läsa fler artiklar som liknar Gustav Klimt: viktigaste verkrekommenderar vi att du anger vår kategori av Berättelse.

• Cardona, F.L (2016) Gustav Klimt, redaktörer
• Nieto Yusta, C, (2014) Klimt. Själens konstnär, Libsa