Stanislavski -systemet: vad det är, egenskaper och hur det används i skådespeleri

De säger att Stanislavskis favoritord till sina skådespelarelever var "Jag tror dig inte, du övertygar mig inte." Hans sätt att se och förstå hur teaterartister borde agera var krävande men också noggrant. Så mycket att det blev en egen metod: Stanislavski -systemet.

Hans systematiska förhållningssätt till skådespeleriet revolutionerade inte bara hur skådespelet utfördes Ryssland på sin tid, men lyckades också korsa gränser genom att ändra teaterriktningen Västra.

Denna metod har varit avgörande för att göra pjäser, serier och filmer som vi känner dem idag, och sedan får vi reda på varför.

• Relaterad artikel: "Vilka är de sju konsterna? En sammanfattning av dess egenskaper "

Vad är Stanislavski -systemet?

Konstantin Sergejevitsj Aleksejev (Moskva 1863 - 1938), mer känd som Stanislavski, var en produktiv rysk skådespelare, scenledare och teaterpedagog Känd för att vara författare till en av de viktigaste metoderna för scenkonstens historia: Stanislavski -systemet. Produkten av många års ansträngning, hans metod var avsedd att tillåta aktörer att kontrollera aspekter av de mest immateriella och okontrollerbart mänskligt beteende på scenen, till exempel känslor och inspiration konstnärlig.

Stanislavski studerat vad skådespelare gjorde som naturligtvis lyckades få karaktär. Baserat på hans observationer och erfarenheter skapade denna ryska regissör ett system som varje skådespelare, både nybörjare som veteraner i yrket, kan tillämpa i sina verk att uppnå en renare, mer verklig och naturlig. Denna metod var så revolutionerande vid tidpunkten för dess utseende att den markerade ett före och efter i skådespeleriets värld, fastställa standarder som avgränsade gränsen mellan en övertygande prestation av en artificiell och dålig representerade.

Denna metod formulerades vid en tidpunkt då scenkonsten i hans hemland, Ryssland, präglades av konventionella och stereotypa klyschor. Skådespelarna agerade artificiellt, till och med histrioniskt. Verken badades i en gloria av falsk känslomässighet och lite förberedelse från skådespelarnas sida, så lite att de ens fick reda på vad de hade att säga när de redan stod på scenen. Lite eller ingenting tittades på skripten där det de borde ha memorerat kom fram.

Stanislavski utförde noggrann forskning för att få sina skådespelare att arbeta från början med något som de uppfattade som verkligt., människor, element och föremål som inte ses som enbart element i en scen, utan delar av en verklig, vardaglig scen, en del av själva livet. Människor är inte aktörer i våra liv, men vi är en del av dem, vi lever dem mer än att agera dem.

För att få skådespelaren att komma in på scenen han representerar, försvarar Stanislavski användningen av känslomässigt minne. Skådespelaren eller skådespelerskan måste komma ihåg en personlig upplevelse som liknar den de försöker representera, vilket hjälper dem att känna sig mer nedsänkta och delaktiga i det de försöker representera på scenen. Du bör leta efter en situation i din livshistoria där du kände en känsla analog med din karaktärs.

Men detta uppnås inte bara genom att framkalla uppriktiga känslor. Det är också nödvändigt med lite externt stöd, ändra vårt utseende och beteende för att ge liv åt karaktären att den är avsedd att representera eller snarare väcka liv. Sminka dig, klä dig, gå, uppför dig kort som karaktären sedan yttre fysiska handlingar hjälp att utlösa de eftersträvade känslorna, efter principen att om du börjar gråta så hamnar du ledsen.

• Du kanske är intresserad av: "20 filmer om psykologi och psykiska störningar"

Principerna för Stanislavski -systemet

Stanislavski -systemet är ganska komplext och kan inte sägas vara statiskt just på grund av hur mycket det har utvecklats sedan det konceptualiserades i början av 1900 -talet. Det är dock möjligt att lyfta fram några av dess viktigaste principer, som har bidragit till att markera a före och efter på det sätt som teaterartister och senare filmer och serier representerade sina tecken:

1. Koncentration på karaktären

Skådespelaren måste svara på fantasilära sig att tänka som karaktären, koncentrera sig på att vara vad han spelar.

2. Känsla av sanning

Med en känsla av sanning kan vi säga att en av idéerna med denna metod är att skilja mellan det organiska och det artificiella. Stanislavski var övertygad om att det fanns naturlagar att följa inom scenkonsten, som, om det respekteras, skilde ett gott, naturligt och harmoniskt verk, från ett dåligt, konstruerat och överreagerat.

• Relaterad artikel: "De 13 typerna av inlärning: vad är det?"

3. Handla enligt givna omständigheter

Skådespelaren måste vara skicklig i användningen och hanteringen av de omständigheter som anges i texten, men med hjälp av sanningen och tillgripa organiska medel. Är om hålla sig till manuset men frigöra dig själv genom att representera din känslomässighet, hålla sig till det som visas i manuset men få föreställningen att ha personlighet och naturlighet.

• Du kanske är intresserad av: "Dramatiska texter: vad är de, typer, egenskaper och exempel"

4. Den fysiska metoden

Stanislavski såg att många av hans elever hade djupa känslomässiga spänningar och psykiska problem. Genom sin metod kunde han hjälpa till att avlägsna fysisk och känslomässig spänning från skådespelarna och skapa dem De kommer att slappna av sina muskler medan de utför presentationerna och agera på ett mycket mer befriat sätt.

Till detta tillfogade den ryska regissören extraordinär vikt till den fysiska faktorn som inte bara tjänade till att slappna av utan också att scena mer exakt. Det är på grund av detta som ditt system också har varit känt som fysisk åtgärdsmetod på grund av dess stora tonvikt på att slappna av musklerna medan du utför prestanda.

• Relaterad artikel: "Jacobsons progressiva avslappning: användning, faser och effekter"

5. Uppmärksamhetsområden

Uppmärksamhetens sfärer är vad Stanislavski menade med att arbeta med sensationer. Skådespelaren måste upptäcka verkets sensoriska grund. I din uppgift är att lära dig att memorera och komma ihåg de känslor som din karaktär känner, sensationer som modulerar deras sinnestillstånd och deras sätt att bete sig med de andra karaktärerna i pjäsen och med offentlig.

6. Kommunikation och kontakt

Skådespelaren måste kunna interagera med andra karaktärer på ett spontant sätt, utan att kränka bokens innehåll men det verkar inte något påtvingat eller artificiellt förberett. Kommunikation och kontakt med de andra aktörerna är avgörande under repetitionerna och de sista föreställningarna.

• Du kanske är intresserad av: "De 28 kommunikationstyperna och deras egenskaper"

7. Roller indelade i enheter och mål

Konstnärer måste lära sig att dela upp rollen eller rollen i sina huvudpersoner i förnuftiga enheter som kan fungera separat. Det är skådespelarens och skådespelerskans uppgift att definiera varje enhet i rollen och känna det som sin egen önskan. snarare än att förstå det som en litterär idé som härrör från regissörens libretto.

8. Kreativitet i handling och tänkande

Du kan inte vara skådespelare utan att vara kreativ. Kreativiteten manifesteras både i ett kreativt sinnestillstånd och i sättet att agera.

• Relaterad artikel: "Vad är kreativitet? Är vi alla "potentiella genier"? "

9. Arbeta med texten i manuset

Denna princip kan låta självklar, eftersom det är svårt att representera ett verk på ett tillförlitligt sätt samtidigt som man helt ignorerar vad det säger i librettot. Men i Ryssland i början av förra seklet var detta inte så självklart av några ryska konstnärer, sedan att det vid många tillfällen hände att manus inte lästes och de litade på att de skulle berätta sina fraser medan de agerade.

Skådespelaren måste respektera det han lägger i manuset, memorera och internalisera sina rader, men inte lära sig att "kräkas" det vid pjäsen. Skådespelaren måste upptäcka den sociala, politiska och konstnärliga innebörden av texten, förstå de idéer som regissören har förevigat i pjäsens manus. Som konstnär måste skådespelaren eller skådespelerskan fungera som ett sätt att anförtro dessa värderingar och visioner till allmänheten som har kommit för att se verket.

Betydelsen av Stanislavski -systemet idag

Stanislavski -systemet har utvecklats över tiden. I början, vad skådespelarna och skådespelerskorna var tvungna att göra var att hitta sanningen om karaktären, behandla den som en verklig enhet. Men med tiden övningen att i sin egen erfarenhet hitta de resurser som gör att han kan känna vad hans karaktär känns införlivad i vilken situation som helst.

Idag är det underförstått att skådespelaren inte bara måste förstå vad som händer med hans karaktär inom sig arbetet, men måste också känna till den livsviktiga situation som det befinner sig i och under vilka omständigheter det befinner sig omge. Genom att veta detta och leva det i sitt eget kött kommer skådespelaren att kunna reagera på samma sätt på hur hans karaktär skulle förväntas göra det, vilket gör föreställningen så naturlig som möjligt.

Detta har gått en hel del längre och nått det nuvarande faktumet att många artister lever i sin dag till dag som de tror att deras karaktär skulle. till exempel att hans karaktär är en bonde som bor på landet, för då åker skådespelaren till en gård en säsong och lever som om det var hans yrke i verkliga livet. När åren gick, lade olika tolkningsskolor till vissa metoder i Stanislavski -systemet, som med tiden blir i det som i skådespelarvärlden är känt som "the metod".