Finns det en konst objektivt sett bättre än en annan?

Vi vet alla att konst, som så många andra saker, är subjektivt. Dock, Finns det en konst objektivt sett bättre än en annan? Kan vi hitta en konstnärlig stil eller en tid där dess konstnärliga manifestation objektivt sett är bättre än de andra?

Vi föreslår en vandring genom konsthistorien för att reda ut om det verkligen finns en konst som objektivt sett är bättre än en annan.

• Relaterad artikel: "De 8 grenarna av humaniora (och vad var och en av dem studerar)"

Finns det en objektivt sett bättre konst?

Under vissa perioder av historien har man verkligen trott detta. Det var därför, under renässansen, författare som Vasari förringade gotisk konst och stämplade den för "barbarisk" konst (gotisk konst, varifrån dess namn kommer). Barocken var också en annan av de mycket utskällda stilarna med tillkomsten av den franska revolutionen och klassicismen. Men vilken anledning fanns det till dessa överväganden?

Anledningen var ingen annan än mentalitetsförändringen och därför uppkomsten av fördomar. På Vasaris tid hade renässansen tagit över konsten, så allt som inte passade in i en "klassicistisk" vision ansågs vara en mindre, mindre utvecklad konst. Samma sak hände århundraden senare med barocken och särskilt rokokon. De franska revolutionärerna såg det senare som adelns konst och därför en konst som måste förstöras.

Så I vilken utsträckning är konstnärliga utvärderingar föremål för fördomar?

• Du kanske är intresserad av: "Filosofins 10 grenar (och deras främsta tänkare)"

Men vad är konst egentligen?

Här måste vi införa ett förtydligande. Vad är konsten? En definition lika mångfald som den är komplex (och komplicerad). Royal Spanish Academy erbjuder olika definitioner av ordet. Bland dem finns följande: "Kapacitet, förmåga att göra något" och "Manifestation av aktivitet genom vilken det som är verkligt tolkas eller vad som föreställs fångas med plastiskt, språkligt eller tonande". Vi tror att RAE i den andra meningen har slagit huvudet på spiken. Låt oss se det noggrant: "... genom vilket det som är verkligt tolkas eller det som föreställs fångas." Det är tydligt: ​​konsten har två vägar: representationen av verkligheten (ibland strikt, som vi kommer att se senare) eller förkroppsligandet av transcendenta begrepp. Dessutom måste vi tillägga att båda sakerna inte står i strid med varandra, även om de får oss att tro det.

För sin del, den eminenta E. H Gombrich, i sin berömda konsthistoria, börjar sin inledning med att hävda att: ”Konst existerar inte riktigt. Det finns bara konstnärer. Dessa var en gång män som tog färgad jord och ungefär ritade formerna av en bison på väggarna i en grotta; idag köper de sina färger och ritar skyltar till tunnelbanestationerna”. Och sedan, tillägger han: "Det är ingen skada att kalla alla dessa aktiviteter konst, så länge vi tar hänsyn till att ett sådant ord kan betyda många olika saker, på olika tider och platser, och så länge vi märker att konst, skrivet ordet med stort A, inte existerar, eftersom konst med stort A i grund och botten måste vara ett spöke och en idol...”.

Med andra ord, för den prestigefyllda historikern, om bara konstnärer existerar och det därför inte finns något konstideal (att konst med versal som kommenterar), betyder det att det faktiskt inte finns någon konstnärlig stil eller era bättre eller sämre än andra. För att genomföra denna korta resa kommer det att vara till stor hjälp att förlita sig på konkreta exempel; på så sätt blir det mycket lättare att förstå vad Gombrich menade med ett sådant uttalande.

• Relaterad artikel: "Vad är de 7 konsterna? En sammanfattning av dess egenskaper"

Komposition, form, perspektiv

Låt oss ta bisonen som Gombrich kommenterar som exempel. Ni har alla i åtanke den typiska förhistoriska målningen, gjord i skydd av en grotta. Låt oss ställa en fråga. Är denna framställning realistisk? Tveka inte att svara, för svaret är "nej".

Konstnären som målade bisonen hade inte för avsikt att föreställa en riktig bison, med dess volymer, dess perspektiv och dess realistiska detaljer. Det finns faktiskt inget perspektiv alls; teckningen är helt platt (även om man i vissa exempel kan notera markerade försök till realism). I alla fall är resultatet detsamma: djuret som avbildas på väggen eller taket i grottan representerar en idé, ett koncept, inte en riktig bison.

Låt oss jämföra den förhistoriska bisonen med en målning från 1800-talet; Till exempel, Angelus bön på fältet, av målaren Ignacio Díaz Olano från Vitoria.

Vi kommer att observera att på duken, målaren har gjort en noggrann framställning, praktiskt taget fotografisk, från två oxars anatomi. Volymerna är perfekta, perspektivet är lagom; vi har känslan av att vara närvarande i scenen, som om vi vore en del av ögonblicket som representeras. Kort sagt: Díaz Olano fångar ett fragment av verkligheten.

Vid det här laget ställer vi en fråga. Är Díaz Olanos lag objektivt sett bättre? När det gäller upplösning, teckning, perspektiv och teknik såklart ja. Perspektivet, volymerna, målningens realistiska toner; de har ingenting att göra med den platta figuren, i neutrala färger, som vi såg på väggen i grottan. Betyder detta nu att Díaz Olanos verk är objektivt sett bättre, generellt sett, än den förhistoriska bisonen? Svaret i detta fall skulle utan tvekan vara "nej".

• Du kanske är intresserad av: "Filosofins 10 grenar (och deras främsta tänkare)"

Uttrycket, konceptet, idén

Låt oss ta ett annat exempel som mycket väl kommer att illustrera vad vi menar. Och det är ingen annan än Avrättningarna den 3 maj, från Goya.

Bra. Jämför det nu med en annan inspelningsscen: Avrättning av Torrijos och hans följeslagare på stränderna i Malagaav Antonio Gisbert.

Låt oss börja med den andra. I Torrijos, allt är perfekt. Återigen har kompositionen inget fel; inte heller perspektivet, inte volymerna, inte heller teckningen eller tekniken. Det är formellt sett en perfekt bild. Dessutom introducerar Gisbert också uttryck i sitt verk: om vi tittar noga, var och en av ansiktena på de som ska dö uttrycker en annan känsla, allt från den mest olidliga rädslan till den mest Fantastisk.

Låt oss nu gå till Goyas avrättningar. Kan vi säga att Torrijos formellt är bättre löst? Tja, trots att man pratar om Goya är svaret återigen "ja". Gisberts duk är en fotografisk ögonblicksbildAtt fånga ett riktigt ögonblick i livet. Igen, och som med angelus av Díaz Olano verkar det som att vi är på stranden, med Torrijos och hans följeslagare. Det som faktiskt är riktigt spännande med målningen är att det verkar som att vi är en del av gruppen fångar som väntar på sin tur att dö, med tanke på den punkt där betraktarens vy finns. Vad gäller ansiktena, inget mer att säga; Gisbert tog anteckningar om originalporträtt av offren och träffade även släktingar till de avlidna för att troget återskapa dragen hos de avrättade.

Om vi ​​nu går till Goyas målning kommer vi att se att ansiktena inte går att identifiera. Till att börja med gömmer fransmännen (bödlarna) sina ansikten, som om de skämdes. Dessutom täcker de flesta av de skjutna ansiktet med händerna. De få som visar sina ansikten verkar för oss vara karnevals- eller mardrömsmasker snarare än människor. Det finns inga individualiserade fraktioner; Goya målar terror i sin renaste form.

Låt oss sedan gå till frågan. Betyder detta att Gisberts målning objektivt sett är bättre än Goyas? Uppenbarligen inte. Och eftersom? För helt enkelt Gisberts avsikt när han genomförde sin Torrijos var inte densamma som Goyas när han målade sin avrättningar. Den första ville visa oklanderlig verklighet, medan den andra han uttryckte sin ilska och frustration genom penseln. Gisbert upplevde inte Torrijos skjutgrupp; dessutom målade han bilden flera decennier senare. Goya levde de ödesdigra majdagarna.

• Relaterad artikel: "Vad är kreativitet? Är vi alla "skulle vara genier"?"

Akademismens ballast

Med början på 1700-talet och framför allt på 1800-talet började akademisk konst (som målning av Torrijos) anses vara zenit av målning och skulptur. Den perfekta kompositionen, upplösningen i ett sömlöst perspektiv, den korrekta proportionen mellan tecken... vetenskapliga verk har faktiskt inga formella fel att peka på.

Det är dock inte mindre sant att uttrycket och idén glömdes bort under 1800-talet. Med andra ord, "vad" späddes ut, och bara "hur" återstod. Helt tvärtemot vad som varit andra "konster" i historien, där det som hade segrat framför allt var konceptet, idén som representerades. Det är en av anledningarna till att bland annat medeltida konst till stor del har föraktats sedan 1700-talet; hans konceptuella, transcendenta stil passade inte in i den rådande akademisiken.

Om vi ​​vill värdera ett konstverk korrekt måste vi komma ihåg att vi i vår uppskattning bär akademismens barlast. Och var försiktig, för vi menar inte med detta att akademisk konst är dålig, tvärtom; men det är sant att vi i många år har fått lära oss att den enda "goda" konsten är en som respekterar de formella riktlinjerna för bland annat perspektiv, volym och komposition saker. Och detta gör så klart att vi går vilse och vi är inte i stånd att värdera de andra "konsten" som naturligtvis har ett värde i sig.

För de riktlinjer som behövs för att värdera ett verk är inte bara de som Akademien har dikterat till oss i århundraden. Det finns andra, som uttrycksfullhet, känsla och idé som å andra sidan är de som dikterade andra tiders och kulturers konst. Ska vi tro att en romansk Madonna och barn är "värre" än en Venus av Praxiteles? Självklart inte. De är döttrar till två koncept och två väldigt, väldigt olika världar.

Men liksom allt som har med konst att göra är beslutet upp till var och en. I den här artikeln föreslår vi bara ett annat utseende och framför allt lämpligt för varje specifikt verk; ett utseende som tar hänsyn till sammanhanget, de tekniska möjligheterna och författarens personlighet.