Renässansen: vad det är och vad är dess egenskaper

Det är möjligen en av de mest kända konstnärliga perioderna i konsthistorien. Renässansen är världsberömd, särskilt genom sina viktigaste konstnärer. Namn som Brunelleschi, Botticelli, Raphael, Leonardo eller Michelangelo är förmodligen bland de mest uttalade bland de som är intresserade av universell konst.

Vet vi verkligen vad renässansen representerade, bortom de klyschor som har dragit ut på tiden i århundraden? I den här artikeln kommer vi att försöka fördjupa oss i denna rörelses verklighet som inte bara var konstnärlig, utan också filosofisk och social.

Vad är renässansen?

Som med de flesta nomenklaturer kom ordet "renässans" inte i bruk förrän flera århundraden efter den tid som det hänvisar till. Specifik, Det var den franske författaren Honoré de Balzac som 1829 först introducerade termen i sin roman Bal de Sceau. Balzac hänvisar till den kultur som började i Italien på 1300-talet och som tar klassiska modeller som vägledning. År senare helgade historikern Jules Michelet termen "renässans" i sitt arbete renässansen (1855).

Vi kan förstå "renässansen" som den kulturella rörelse som började i Italien (och specifikt i Florens) genom början av 1400-talet och utvidgades till slutet av 1500-talet, och som förutsätter en återhämtning av modellerna av Antiken. Det är dock viktigt att notera att dessa klassiska modeller hade funnits under hela medeltiden. Det som gör renässansen "annorlunda" är den fulla medvetenheten som dess konstnärer hade om att leva en renovation, det vill säga "uppvaknandet" av dessa gamla modeller.

I allmänhet, Renässansens intellektuella och konstnärer ser sig själva som återupplivare av "äkta konst", som de ansåg gå förlorade under de långa århundradena av medeltida "slöhet". Giorgio Vasari, en av 1500-talets viktigaste teoretiker, betraktar medeltidens konst som "spädbarnstiden" för konst, medan Quattrocento (det vill säga det italienska femtonde århundradet) skulle representera hans "ungdom", den första tagningen av medvetenhet. Slutligen skulle Cinquecento (1500-talet) vara konstens mognad, med så viktiga namn som Leonardo, Michelangelo och Raphael.

Men... Var renässansen ett autentiskt återhämtning av denna antika konst? Vi har redan kommenterat att klassikerna inte glömdes bort under medeltiden. Inte bara inom det filosofiska området, där vi finner en stark närvaro av Platon (till exempel i skolan av Chartres) och Aristoteles (i tanken på Saint Thomas Aquinos), men också inom konsten plast.

I medeltida skulptur och arkitektur finner vi faktiskt motiv hämtade från antiken, som är ett levande vittnesbörd om att medeltiden inte på något sätt representerade ett brott med tiden klassisk. Men renässansens intellektuella och konstnärer kände så. Inte förgäves kallade Vasari de medeltida århundradenas konst för "monstruös och barbarisk", ett begrepp som för övrigt förblev giltigt till långt in på 1800-talet.

Så, renässansen förutsätter ett "uppvaknande" i dubbel bemärkelse. För det första eftersom de, som vi redan har nämnt, var de första som var medvetna om att konvertera denna klassiska renovering i ett radikalt brott med den medeltida traditionen, lika eller mer radikal än vad medeltiden hade varit mot tiden klassisk; För det andra eftersom övergången från ett teocentriskt samhälle till ett humanistiskt samhälle i praktiken äger rum, ett faktum som de facto antar det verkliga brottet med medeltiden.

• Relaterad artikel: "Historiens 5 åldrar (och deras egenskaper)"

"Brottet" med traditionen

Den bristning som renässansen var medveten om att leva kan strängt taget inte betraktas som sådan. Först och främst för att vi redan har sett att klassikerna inte glömdes bort under medeltiden. Och för det andra, och detta är inte mindre viktigt, för under renässansen fortsatte de att använda medeltida resurser, såsom typologin för vissa byggnader, ikonografin och några av procedurerna tekniker.

Av alla dessa skäl kan vi dra slutsatsen att renässansen på intet sätt var det radikala brott som renässanceisterna själva ansåg. Faktum är att historikern Johan Huizinga vidhåller, i sitt arbete Medeltidens höst, att de sista medeltida århundradena representerade förberedelsen av renässansstadiet och på intet sätt betecknade dess motsats. Och för sin del talade konsthistorikern Erwin Panofsky redan om olika "renässanser". Så vi förstår det det som har kallats "renässansen" är inget annat än en annan av den upplysta europeiska historieskrivningens stora fällor, samma som märkte de tio århundraden som följde på det romerska imperiets fall av "medeltiden".

Det finns i alla fall en rad faktorer som konfigurerar ett tydligt sammanhang där denna "ruptur" finns. Vi har redan kommenterat att det i slutet av 1300-talet skedde en övergång från ett teocentriskt samhälle till ett humanistiskt tänkande. Landsbygdsvärldens gradvisa nedgång, som började redan i mitten av medeltiden, liksom efterföljande ökning av städer, bidrar på ett grundläggande sätt till att påskynda denna förändring av attityd.

Den nya sociala gruppen som växer fram i städerna, bourgeoisin, kommer att spela en grundläggande roll i hela denna process.antingen. Stadshandlare och bankirer utgör en mäktig oligarki som kontrollerar städerna och agerar samtidigt som mäktiga beskyddare. Från och med 1300-talet kommer alltså konstnärer att stå under skydd av dessa viktiga figurer, och det är det Genom denna förening av krafter, några av de viktigaste konstverken historia. Det är bara nödvändigt att nämna den mäktiga Medici-familjen, i Florens.

Således, om renässansen representerar ett verkligt brott med den omedelbart föregående världen, är det i konceptet om konstnären och relationen som han upprätthåller med sina klienter. Konstnären fortsatte att vara ett instrument i händerna på sina beskyddare, men de använder sina skyddslingar med ett tydligt syfte av differentiering och politisk propaganda. Varje mäktig man tilldelas en stil som representerar honom: Sforza i Milano, Julius II i Rom, Medici i Florens. Dessutom blir insamlingen av konstverk också en symbol för status och makt.

Å andra sidan löses den medeltida mekaniska handeln med konstnärer upp i en mycket mer intellektuell föreställning om konsten och dess processer. Avhandlingar om konst, som Leon Battista Albertis berömda De Pictura (1435), hjälper enormt till betrakta konstnären som mycket mer än bara en hantverkare, förutsatt att han behöver vissa intellektuella egenskaper för att utföra sitt arbete. Som en konsekvens av detta nya övervägande börjar konstnärer gestalta sig själva i sina verk och börjar signera dem.

• Du kanske är intresserad av: "De 8 grenarna av humaniora (och vad var och en av dem studerar)"

Ett nytt bildspråk: perspektiv

De förändringar som skedde under renässansen var snarare än plastiska, filosofiskt-litterära. Genom en omvärdering av den antika filosofin läggs grunden för skapandet av ett nytt formellt system., vilket visar sig, senare, i olika konstnärliga riktningar. Antikens modeller är påtvingade som den enda spegeln där renässansens män ser på sig själva och söker sitt estetiska ideal.

Men var ska man leta efter gamla modeller inom måleri? För precis som skulptörer och arkitekter har exempel att hämta inspiration från, är det inte samma sak med måleriet. På 1400-talet hade Pompeji och Herculaneum ännu inte upptäckts, vilket gjorde det extremt svårt att uppgiften att hitta bildmodeller från antiken att bygga det nya språket på bildlig. För detta ändamål hjälpte till upptäckten, 1480, av Domus Aurea av Nero, i Rom, vars fresker hjälpte till att etablera, om än sent, några bildmodeller som skulle tjäna som förebilder för målare renässans.

Ett exempel på detta är de "grotesker", bildprydnader baserade på växtdekorationer, människofigurer och fantastiska djur, bland annat, som prydde väggarna i Neros palats. Men excentriciteten i dessa dekorationer gav dem skarp kritik från avhandlingsförfattare som Giorgio Vasari.

Det var just Vasari som lade grunden till vad han ansåg den "goda målningen" som i grunden måste bygga på harmoni och proportion och framför allt på ett korrekt perspektiv. Det är förmodligen detta sista koncept som mest berörde renässanskonstnärer; att uppnå, som Alberti sa, ett "fönster" genom vilket en del av rymden kunde skymtas. I Italien hade perspektiv i bildframställningar uppnåtts runt 1422: freskerna i Brancacci-kapellet, av Masaccio, är ett bra bevis på detta.

Quattrocentos italienare lyckades bemästra perspektivet genom att gå bort från den mångfald av synpunkter som Trecento-målarna hade använt. Istället möjliggjorde de det där "fönstret" som Alberti talade om genom det exakta matematiska perspektivet, vilket gör att alla linjerna i kompositionen konvergerar på en enda flyktpunkt. I detta åtagande var bidraget från arkitekten Filippo Brunelleschi avgörande. Men det är inte mindre sant att de flamländska primitiva i Flandern kom fram till en lika giltig lösning genom en annan process.

Flamländsk målning från 1400-talet, inklusive Jan van Eyck och Roger van der Weyden, representerade en lika radikal förändring från gotiska former som renässansmåleriet var i Italien. I flamländarnas fall uppnåddes perspektivet genom en noggrann och absolut empirisk observation av verkligheten.

Flamencoresultatet var så överraskande och unikt att hans stil spreds över hela Europa, till den grad att territorier som t.ex. England, Österrike eller den iberiska halvön tog flamländska modeller som referens, mer än de renässans som uppstod från Italien. Konstnärerna i italienska Quattrocento beundrade själva djupt dessa innovatörer från Flandern, och det finns många konstnärliga utbyten som äger rum mellan de två europeiska breddgraderna. Det räcker med att säga att Bartolommeo Fazio, en 1400-talshumanist från Genua, kallar Jan van Eyck för "vår tids ledande målare".

Allt började i Florens

Om det är någon plats man tänker på när vi pratar om renässansen så är det förstås Florens.. Det är i denna stad där humanismen utvecklas, en kulturell strömning och tanke som styrker människans förmåga att känna sig själv och världen som omger henne. Men låt oss sätta oss själva i ett sammanhang.

År 1402 ryckte de milanesiska trupperna under ledning av Gian Galeazzo Visconti fram mot Florens och hotade freden och välståndet som hade härskat i den florentinska republiken i åratal. Attacken mot Milano upprepas under 1400-talets 1400-tal; ett andra hot som bara stoppas tack vare alliansen mellan Florens och staden Venedig (1425). Dessa ständiga militära anspråk återupplivar bara republikanska värderingar, som florentinerna viftar mot vad som ansågs vara en furstlig diktatur. Beskyddare och konstnärer började därmed söka efter ett plastiskt språk som speglade dessa republikanska ideal.

• Relaterad artikel: "Vad är de 7 konsterna? En sammanfattning av dess egenskaper"

Ghiberti och Masaccio, de stora plastrenoverarna

År 1401 hölls en tävling i Florens för att hitta en konstnär som skulle göra de andra dörrarna till dess dopkapell. Vinnaren var Lorenzo Ghiberti; Hans första verk i Baptisteriet, även om det anses vara "manifestet" för renässanskonsten, har fortfarande mycket inflytande från formerna av den så kallade internationella gotiken. Det kommer inte att dröja förrän Ghibertis andra verk om Baptisteriet (de tredje dörrarna, gjorda mellan 1425 och 1452), när det kommer att uppskattas, denna gång utan tvekan, det rungande utseendet av ett nytt plastspråk som bland andra lösningar inkluderar införandet av perspektiv genom att reglera skalorna för de representerade figurerna.

Om Ghibertis arbete för Baptisteriet representerar en innovation inom skulpturen, är Masaccios (1401-1427) verk inom måleriet. Freskerna som konstnären skapade för Brancacci-kapellet, i den florentinska kyrkan Santa Maria del Carmine, representerar en sann revolution. Bland dem den magnifika Hyllningen till Caesar, vars realism och kraftfullhet i hans gestalter måste ha inneburit en sann uppenbarelse för hans samtid. På samma sätt tycks det vågade arkitektoniska perspektivet i hans fresk Treenigheten, i Santa Maria Novella, öppna ett hål i kyrkans vägg. Det är "fönstret" som Alberti talar om; Masaccio har äntligen gjort det till verklighet.

Brunelleschi och den omöjliga kupolen

Sedan mitten av 1300-talet ville florentinerna förse sin katedral med en kupol som skulle göra den till den största i kristenheten.. Men projektets omfattning hade frusit arkitekternas oro: inte mindre än 43 meter i diameter måste sparas, åtgärder som är praktiskt taget lika med Pantheon i Rom. Ingen, sedan dess, hade någonsin lyckats höja en sådan kupol.

Arbetet började slutligen 1420, och kommissionen förfördes av Brunelleschis vågade plan, som försökte höja kolossal struktur utan hjälp av byggnadsställningar eller falskarbete (från basen av kupolen skulle den höjas med remsor horisontell). Projektet varade i 16 år (en löjlig tid om vi tar hänsyn till företagets storlek). År 1436, och enligt Albertis egna ord, täckte Florens kupol "hela Toscana med sin skugga". Sedan Pantheon, det vill säga sedan romartiden, hade inget liknande uppnåtts. Brunelleschis kupol är ett riktigt landmärke i renässansarkitekturen.

• Du kanske är intresserad av: "Finns det en konst objektivt sett bättre än en annan?"

De andra renässanscentra

Florens var det obestridda centrum varifrån humanismen och det nya renässansspråket strålade, men det fanns andra italienska centra som tog dessa idéer och gjorde dem till sina egna, för att skapa en egen version. Låt oss se dem nedan.

Rimini, ledd av Segismundo Malatesta, använde det nya konstnärliga uttrycket som grund för sin officiella propaganda. Renässansen av Malatesta hovet var i huvudsak baserad på den ridderliga andan och kunskapen om klassikerna. Ett av exemplen på renässansen i Rimini är kyrkan San Francesco, av Leon Battista Alberti. Dessutom lockade Malatesta även målaren Piero della Francesca till sitt hov.

Venedig var en stad med en stor orientalisk belastning bakom sig, som sedan medeltiden representerade sammanflödespunkten mellan den europeiska och den bysantinska världen. Som sådan tar den venetianska renässansen fortfarande bysantinska modeller och smälter samman dem med en romersk arkitektonisk och dekorativ vokabulär.

För hans del, Federico de Montefeltro utformar ett enormt program för att locka talanger till sitt hov i Urbino, bland vilka är den framstående Piero della Francesca, vars porträtt av hertigen och hertiginnan av Urbino i strikt profil, som efterliknar romerska mynt, är känd nog. I allmänhet kombinerar ikonografin kristna och mytologiska element, något som annars är vanligt inom renässanskonsten.

Till sist, i Mantua använder Ludovico Gonzaga sin smak för den klassiska antiken för att reformera staden. Till detta räknas det bland annat med Leon Battista Alberti (San Andrés kyrka) och Andrea Mantegna (fresker i makarnas kammare). Hänsynen till konstnärer under renässansen innebär att de har en mycket högre status än de hade under tidigare århundraden. Således beordrade Mantegna byggandet av sitt palats i Mantua, som följer de typiska modellerna för renässansarkitektur och vars geometri följer den romerske arkitekten Vitruvios föreskrifter, referensen till arkitekturskribenten av epok.